Modele de ceramică geometrică

Modele de ceramică geometrică


Modele de ceramică

Nu există lipsă de modele care pot fi create de un artist creativ și inovator și care are capacitatea de a-și folosi instrumentele cu îndemânare. Fiecare națiune care are o tradiție ceramică și fiecare regiune din cadrul unei astfel de națiuni, se laudă cu modele unice cu care este decorată ceramica sa. Dar poate că ar fi posibil să clasificăm aceste modele de ceramică în câteva grupuri largi în cadrul cărora stilurile indigene au înflorit.

Arta ceramicii este tradiționala tuturor formelor de artă. Multe dintre civilizațiile lumii și rsquos au lăsat urme de neșters ale artei și culturii lor prin arta ceramicii. Bucățile moi și suflante de lut au fost probabil cele mai simple moduri de transformare a imaginației și viziunilor umane în forme și forme tangibile. Nivelul progresului, obiceiurile, religia, diversitățile geografice ale unei anumite regiuni pot fi măsurate prin meșteșuguri de olărit. În India, fabricarea ceramicii a început cu civilizația Indus Valley și continuă și astăzi. Olarii antice cu forme rustice și texturi grosiere sunt piese de patrimoniu care fac decoruri etnice. Obiectele din teracotă, artefacte din lut pictat în negru și olăritele vitrate cu modele persane sunt câteva obiecte de ceramică antice. Ceramicele vin în general în forme de borcane, castroane, vase, ulcioare și vaze. Odată cu avansarea tehnologică, argilele se transformă în texturi superfine, rezultând produse de ceramică elegante și elegante.

Articole meșteșugărești
Picturi
Lucrarea cu piatră

Vazele de flori, scrumierele, cântărețele pentru hârtie, coastere, bibelouri, piese de spectacol, figuri decorative și seturi de ceai realizate într-o gamă uimitoare de culori și modele sunt un decor popular de ceramică. Poate fi oferit cadou celor dragi și poate fi folosit pentru decorarea interioară. Seturile rafinate de cină sunt dotări bogate în ceramică. Acestea pot include boluri frumoase, oale, vase, linguri, pahare, vase și căni. Modelele de veselă variază de la modele tipice florale la modele geometrice moderne. Atractiv și colorat vesela de ceramică stabilește cu adevărat starea de spirit pentru cină, pregătind o masă perfectă pentru cină.

Ceramica este substanțe nemetalice supuse arderii mari. Ceramica ceramică este cel mai căutat element decorativ al zilelor moderne. Meșteșugul unic de ceramică a fost practicat în Grecia antică, Roma, Japonia, China, Africa, Mesopotamia, Persia și India. Ceramica arsă în formă de bon modelată în frumoase figurine și vase grecești încântate prin măiestria și esteticismul lor imaculat. Ceramica ceramică poate fi urmărită în India încă din epoca Harappan. Oalele au suferit mai multe experimente sub mâinile meșterilor meșteri în mai multe perioade ale istoriei. Merită menționat plăcile ceramice și produsele din ceramică din epoca Mughal. Pulberea de cuarț a fost aplicată în argile ceramice pentru a crea o bază ca piatră. Au fost glazurate cu diverse substanțe metalice și sintetice pentru a aduce un strălucire moale. Un design ceramic poate cuprinde motive populare frumoase, ilustrații scenice, figurine tradiționale feminine și modele grafice moderne. Un design de plăci ceramice poate avea numeroase teme, de la modele florale, mitologice, religioase la modele abstracte, geometrice și mozaic.

Modelele de ceramică pot fi:

  • Liniar: Aceste modele ceramice includ dungi, cecuri, diagonale etc.
  • Geometric: Aceste modele de ceramică sunt aranjamente interesante de forme geometrice
  • Florale: Acestea sunt modele de flori, frunze, viță de vie, târâtoare, tulpini, copaci etc.
  • Scenic: Aceste modele de pe ceramică includ peisaje, peisaje marine etc.
  • Figurile animale și umane
  • Modele abstracte, cum ar fi efecte de culoare interesante, cu stropi, tampoane, amestecarea și îmbinarea culorilor etc. Aceste modele de ceramică nu au o formă coerentă în mod necesar.
  • Modele de ceramică pe teme mitologice.
  • Modelele chinezești din ceramica și ceramica glazurată conțineau modele înguste și subtile de culori naturale strălucitoare. Motivele figurale și florale caracterizează în general desenele de ceramică chineză.

Tehnicile populare utilizate pentru decorarea obiectelor de ceramică sunt:

  • Pictura
  • Gravare și sculptură: folosind instrumente de ceramică, olarii pot crea modele frumoase, de la simple tăieri în modele geometrice la modele complexe.
  • Vitrare
  • Placare metalică: Ceramica poate fi placată cu aur, placată cu argint sau placată cu cupru.
  • Lacuirea
  • Decorarea ceramicii folosind sclipici, fire, mărgele, scoici.

Proiectele de ceramică nu se limitează pur și simplu la modelele create pe obiectul de teracotă. De asemenea, ele se referă la obiectul fiind modelat într-un mod elegant, diferit și mai atractiv decât obișnuitul. Luând în considerare perspectiva extraordinară a meșteșugurilor de olărit, mulți oameni își manifestă interesul în fabricarea olăritului ca distracție recreativă sau ca parte a profesiei lor. Sunt disponibile diverse cărți despre ceramică unde sunt descrise tehnicile de pregătire, turnare și aruncare a argilei. Planurile de ceramică sunt ghiduri utile care învață elementele de bază ale fabricării ceramicii într-un mod simplu și ușor de înțeles


Ceramica Acoma

Ceramica Acoma este puternic recunoscută pentru jantele canelate, pereții subțiri și designul geometric. Olarii din pueblo implementează tehnici similare găsite în regiunea locală, de la colectarea materialului argilos din surse limitate, formarea vasului pentru utilizare specifică, decorarea cu modele și design manual, până la arderea vasului la temperatură ridicată.

Chiar dacă aceste ghivece erau în mod tradițional înfășurate manual, cu lut amestecat manual și alunecare personalizată, unii olari contemporani au ales să economisească timp și energie în timp ce construiesc piese uimitoare folosind matrițe. De asemenea, nu este neobișnuit ca oalele să fie arse în cuptor, mai degrabă decât metoda tradițională, dar expresia artistului individual constă în modul în care au ales să-și reprezinte forma de artă. Diferența poate fi adesea văzută și simțită, deoarece piesele personalizate tind să fie mai subțiri, mai ușoare și au un interior grosier.

Indiferent de abordare, selecția de design pictată manual variază. Modelele tradiționale includ benzi curcubeu, papagali și cerbi sau un motiv negru și maro cu model geometric și linii fine impresionante.

Portocaliul și negrul sunt culori tradiționale, cu toate acestea, artiștii actuali au încorporat culori noi, luminoase și vibrante pe măsură ce au trecut generațiile. Modelele de incubație simbolizează ploaia, în timp ce fulgerele, norii tunetului și munții sunt, de asemenea, reprezentați. Influențele ciclului vieții, apei și cerului sunt frecvent utilizate. Noile modele au devenit mai detaliate pentru a atrage atenția.

Ceramica lui Acoma, în afară de prețioasa sa valoare artistică, a fost inițial funcțională. Ceramica a oferit depozitare, gătit și mâncare. Ulcii de apă erau folosiți de oamenii din Acoma pentru excursii lungi de vânătoare sau camping. Alte ghivece au fost folosite ca ghivece de semințe pentru depozitarea semințelor pentru plantare în anii următori. Astăzi ceramica lui Acoma este venerată și nu numai colecționară pentru caracteristicile sale artistice unice, ci și datorită valorii sale istorice extrem de bogate.

Muzeul Haak'u și Centrul Cultural Sky City oferă educație și expunere la Pueblo of Acoma. Experimentați cultura, întâlniți artiștii și aflați mai multe în timp ce vizitați Market Plaza. Artiștii afișează, creează și împărtășesc tradiția vie.


Modele de ceramică geometrică - Istorie

Ceramică protogeometrică (1050-900 î.Hr.)

Aproximativ 1050 î.Hr. un nou stil de ceramică a început la Atena și s-a răspândit rapid în toată Grecia. Noul stil a apărut din submicenian și se numește Protogeometric (un nume care indică relația sa cu stilul care urmează). Apar unele forme noi și unele forme vechi (care au supraviețuit din submicenian), cum ar fi amforă, sunt acum deseori mai înalte și mai subțiri (poate rezultatul unei roți mai rapide).

  1. tehnica argila-sol - modele întunecate pictate pe un corp ușor de lut.
  2. tehnica terenului întunecat - vaza acoperită cu vopsea neagră de glazură cu desene pictate în benzi rezervate.

Ceramică geometrică (900-700 î.Hr.)

Anii 900-700 nu constituie cu adevărat o perioadă istorică, cu excepția faptului că în aceste secole predomină stilul geometric. Datele sunt alese mai mult sau mai puțin pentru comoditate. Stilul geometric apare pentru prima dată la Atena la începutul secolului al IX-lea. Încheie experimentarea Protogeometricului prin selectarea și urmărirea consecventă a unui sistem de ornamentare rectilinie (de exemplu, svastici, meandre).

Stilul se dezvoltă cu o utilizare din ce în ce mai frecventă a figurilor și o schimbare de la umăr a vazei ca loc de concentrare a ornamentului spre gât și corp, pentru a sublinia forma.

Decor : Motivele decorative ale stilului geometric sunt aproape exclusiv liniare (puncte și linii formate în unghiuri, pătrate, triunghiuri, pastile, linii oblice etc. De asemenea, crenelele, zigzagurile și meandrele sunt obișnuite. Meandrul este folosit atât de des încât este aproape simbolul stilului Geometric.

După aproximativ 800, figurile din natură încep să apară în mod regulat, de obicei sub formă de benzi de pășuni de cerb sau de mlaștină care se repetă la nesfârșit în jurul vazei (vezi, de exemplu, această amforă geometrică mansardată). Caii sunt populari de la început. Animalele și păsările sunt presate în forme geometrice. Figurile umane apar curând în zona mânerului.

Până la mijlocul secolului al VIII-lea, a evoluat un stil de figură și între 760 și 700 (Geometric târziu) stilul Geometric atinge maturitatea deplină în stilul pictural elaborat văzut pe VASE DE DIPILON (amfore și cratere).

Principalele scene de pe Dipylon Vases includ cadavrul întins al decedatului (proteză), și o procesiune de jelitori sau războinici pe jos sau în carele sau căruțele care urmează corpul până la cimitir (ekphora). Aceste scene sunt mărginite de benzi de ornament geometric, care au început să-și piardă proeminența de odinioară. Figurile sunt aglomerate de ornamentul de umplere care ocupă tot spațiul disponibil în panourile figurate.

Helladic (Micenian) Grecia era condusă de regi. Odată cu prăbușirea culturii miceniene a început un proces care a pus mai puțin accentul pe regat. Până în secolul al VIII-lea, nobilii au înlocuit regii și au început să dețină puterea în aristocrații bazate pe familii organizate în triburi. Pe măsură ce regatul s-a slăbit, societatea s-a îndreptat spre înființarea polis. Orașe precum Sparta și Atena s-au mărit și au câștigat încet controlul asupra satelor din imediata lor vecinătate. The polis (tradus imprecis prin „oraș-stat”) a fost o entitate politică autonomă, indivizibilă, care se concentra pe un oraș, dar include terenul agricol din jur. Astfel, polis din Atena a inclus o mare parte din Attica. La începutul secolului al VIII-lea societatea greacă se dezvoltă rapid. A existat o creștere a populației, începuturile industriei, o creștere a contactelor externe și a comerțului. A existat și începutul unei mari mișcări colonizatoare (în primul rând spre Occident - grecii se stabiliseră deja în Est [Ionia - Asia Mică] în Evul Întunecat).

    amforă = un borcan cu două mânere pentru soiuri de vin, ulei și alte lichide includ amfora mânuită pe burtă, amfora mânuită pe gât și amfora burții (sau dintr-o singură bucată).


Codul culorilor ascunse în ceramica Mimbres

Marcajele modelate pe unele ghivece din sud-vestul SUA ar fi putut fi folosite pentru a simboliza culoarea în artele alb-negru.

Ceramica clasică Mimbres este renumită și admirată astăzi pentru stilul său frumos, minimalist. Modele geometrice elegante și desene figurative împodobesc aceste ghivece cu o paletă de culori izbitor de limitată: alb-negru și, uneori, roșu și maro. Dar se pare că olarii vechi din sud-vest ar fi putut arăta culoarea în piesele lor - în cod.

În sud-vestul SUA, după aproximativ 500 de ani, simbolurile pe ceramica decorată au devenit unul dintre principalele moduri în care oamenii transmiteau și înregistrau permanent mesaje sociale și religioase - inclusiv pentru tradiția Mimbres, centrată pe Valea Mimbres în zilele noastre New Mexico în jurul anului 1000. O parte din simbolism se pretează interpretării ușoare de către antropologii contemporani: figuri mascate, dansante, pot reprezenta katsinam, strămoși îndumnezeiți care aduc ploaie și ordine socială o oală arată o femeie însărcinată care duce acasă un căprioar de la vânătoare, probabil vorbind despre rolurile de gen și cooperare. Există multe imagini cu animale, care ar putea reprezenta indivizi, trăsături de personalitate, asociații ale clanurilor, spirite - sau doar animale. Modelele geometrice pot fi mai greu de descifrat.

Selecția limitată a culorilor pe aceste vase izbitoare ar fi putut fi parțial o alegere estetică, dar se pare că a fost și o necesitate. Acești artiști pur și simplu nu aveau mulți pigmenți colorați care să supraviețuiască procesului de ardere folosit pentru întărirea vaselor: erau disponibile doar negru, alb și un ton de pământ, de la maro la roșu. Majoritatea vaselor Mimbres au fost „alunecate” mai întâi de culoare albă, cu desene negre vopsite după aceea.

Minunatul albastru-verde de turcoaz, de exemplu, o piatră pentru care această regiune este renumită, nu a putut fi integrat permanent în ceramică. S-ar putea aplica vopsea albastru-verde realizată din rocă pulverizată după arderea, dar s-ar estompa rapid sau s-ar desprinde, făcându-l o opțiune dezamăgitoare doar rareori folosită.

Cum ar putea acei olari de la început să reprezinte culoarea?

Elementele galbene sau roșii din vasele policrome Mimbres tind să se potrivească cu modelele hachurate din vasele alb-negru Mimbres. Russell, Klassen și Salazar /Antichitatea americană

În mod curios, o problemă similară a fost întâmpinată de arheologii din secolele XIX și începutul secolului XX, care au încercat să transmită culoarea descoperirilor lor arheologice în mediul alb-negru al paginilor tipărite ale revistelor academice. Soluția lor? Au ales în mod arbitrar modele ca proxy pentru culori. Punctele pot reprezenta roșu, de exemplu, sau eclozarea încrucișată ar putea însemna maro. Din fericire pentru cititor, aceste coduri simple au fost explicate în legende.

Nu se pare că olarii vechi din sud-vest au făcut același lucru, deși fără un limbaj scris pentru a transmite o cheie, cercetătorii au fost nevoiți să folosească ceva pentru a-și sparge codul.

(RE) GÂNDIȚI OMUL

Obțineți cele mai noi povești livrate în căsuța de e-mail în fiecare vineri.

În anii 1970, istoricul american de artă Jerry „J.J.” Brody a speculat că olarii din secolele al XI-lea și al XII-lea din regiunea Chaco din ceea ce este astăzi New Mexico au folosit hachure negre - linii paralele strâns distanțate - pe un fundal alb ca un proxy pentru culoarea albastru-verde. Cultura Chaco era centrată pe Canionul Chaco, dar se întindea în zona Four Corners din Utah, Colorado, Arizona și New Mexico.

B rody a observat unele asemănări izbitoare între desenele alb-negru pe ceramică și desenele mai colorate în alte medii, cum ar fi mozaicurile de piatră și scândurile pictate, unde culoarea era mai ușor de aplicat și mai durabilă. Proiectele erau similare, dar acolo unde mozaicurile aveau turcoaz, ceramica avea hachure.

În 2003, arheologul Stephen Plog de la Universitatea din Virginia a testat această idee, comparând utilizarea hachure pe ghivece cu utilizarea albastru-verde pe mai mult de 50 de obiecte cu culori. Descoperirile sale au susținut ideea lui Brody: Hachure părea să reprezinte turcoaz.

Regiunile și culturile din sud-vestul SUA, precum Mimbres și Chaco, au dat naștere la diferite stiluri de tradiții ceramice. Matthew Peeples

Arheologii interesați de procesele sociale la scară largă ne-am întrebat dacă această strategie a depășit doar cultura Chacoan. Ce zici de societatea Classic Mimbres, de exemplu, care a înflorit aproximativ în același timp (1000–1130) și la aproximativ 600 de kilometri spre sud?

Comunitățile C hacoan și Mimbres - în mare parte contemporane și nu extrem de îndepărtate - împărtășiseră idei și practici care erau simultan similare, dar diferite. Ambele au construit structuri ceremoniale numite mari kivas, de exemplu, deși cele de la Chaco erau rotunde, iar cele de la Mimbres erau în general dreptunghiulare. Ambele au construit structuri de zidărie mari, de tip apartament, numite pueblos, dar în timp ce pueblos Chacoan au ajuns spre cer, pueblos Mimbres s-au extins lateral.

Poate că cele mai cunoscute meșteșuguri Mimbres sunt vasele lor uimitoare negru-alb. Majoritatea desenelor lor sunt geometrice, dar unele includ imagini figurative cu animale, oameni și creaturi fantastice angajate în tot felul de comportamente. Unele dintre ele, cum ar fi ghivecele Chacoan, aveau hachure.

Unul dintre noi, Will Russell, a lucrat cu o colecție online de peste 9.000 de imagini de ceramică Mimbres numită baza de date digitală Mimbres Pottery Images, mai întâi ca asociat de cercetare și în prezent ca membru al consiliului pentru proiect. Am fost bine echipați să facem câteva comparații.

Pentru investigația noastră, am început urmând abordarea lui Plog, comparând vasele tratate cu alte artefacte. Din păcate, puține artefacte pictate, non-ceramice, au fost recuperate din regiunea Mimbres - probabil mai puțin de 50, care pot fi urmărite cu încredere la depozitele Mimbres. Un eșantion atât de mic nu este ideal pentru un proiect de cercetare, dar este suficient să faci o mică analiză.

A se vedea, de exemplu, o placă mică, mozaicată, cu un motiv asemănător unei flori, ale cărei petale au fost confecționate din turcoaz, găsite într-o peșteră din zona Mimbres. Câteva boluri de ceramică Mimbres au motive florale similare. Dar hachura pe care am găsit-o în acele imagini alb-negru de pe ceramică nu corespunde cu albastrul-verde al plăcii, ca și cu ceramica Chacoan, ci cu culoarea roșie - centrul florii, nu petalele sale.

F ish sunt cel mai frecvent subiect descris în ceramica Mimbres și multe imagini ale acestora prezintă hachure. Din nou, sculpturile din lemn ale peștilor similare și ale altor artefacte au culoarea roșie acolo unde ceramica are hachure.

Unele dintre figurile din ceramica Mimbres sunt mai ușor de interpretat decât altele. Sharon Mollerus / Flickr

La sfârșitul tradiției culturale Mimbres, a fost produs un alt tip de ceramică: policromul Mimbres, realizat prin adăugarea unei a treia culori - frecvent o nuanță de galben spre roșu - la desenele vaselor. Amplasarea elementelor galbene sau roșii în vasele policromice Mimbres a fost stilistic analogă cu încorporarea elementelor hachurate în vasele alb-negru Mimbres.

Un arheolog și comunitățile locale sunt în general de acord că populațiile Mimbres au contribuit la comunitățile Puebloan din sud-vest. Interesant, și uniform peste pueblos în secolul trecut sau cam așa, albastrul-verde a fost legat simbolic de masculinitate. Cu toate acestea, în ceramica Mimbres, am constatat că hachura era împărțită în mod egal între reprezentările umane masculine și feminine, în timp ce în motivele pronghornului, hachura era asociată în mod covârșitor cu femeile.

Aici este mult mai mult de lucru pentru a sparge codurile de culoare antice din sud-vest. Există alte stiluri de marcare pe ceramica ancestrală Puebloan care ar putea avea semnificație sau corelație cu culorile. Policromul Sikyatki, de exemplu, realizat puțin mai târziu decât policromul Mimbres în ceea ce este astăzi nord-estul Arizona, include unele vase care prezintă un model inovator de vopsea stropită realizată prin suflarea vopselei printr-o stuf. Roșu Playas, o formă de ceramică Chihuahuan alunecată în roșu, prezintă modele incizate care variază de la șaibă până la ceva care amintește de o țesătură de coș.

Poate că societățile Chacoan și Mimbres s-au văzut și ele într-o lumină complementară.

În mod curios, vechii egipteni foloseau culori precum albastrul strălucitor în olăritul lor cu câteva mii de ani mai devreme decât atunci când puebloenii ancestrali își făceau ghivecele. Diferite culturi antice din întreaga lume aveau acces la diferite minerale și tehnologii și aveau priorități și subtilități diferite atunci când venea vorba de comunicarea nonverbală. Poate că alte societăți din istorie ar fi putut folosi și modele sau texturi pentru a simboliza culoarea în artele lor alb-negru. Crăparea simbolismului în arta lor poate ajuta la dezvăluirea ceva mai mult despre acele culturi.

Descoperirea noastră că codul de culoare din ceramica Mimbres pare diferită de cea din societatea Chacoan poate avea implicații interesante. În sud-vestul nativ american de astăzi, albastru-verzui și galben sunt împerecheați în contexte ceremoniale și cosmologice, atât contrastante, cât și complementare. Cele două culori, cum ar fi alb-negru de yin și yang, sunt folosite pentru a arăta contraste puternice - masculin și feminin, apă și porumb, cer și pământ, soare și lună, lumea interlopă și lumea superioară - care lucrează împreună pentru a forma un întreg de succes .

Probabil, speculăm, societățile Chacoan și Mimbres s-au văzut și ele într-o lumină complementară.


Amforă cu mânerul gâtului

Greacă, din Atena
Middle Geometric I, 850-800 î.Hr.
(Înainte ca era comună să înlocuiască î.Hr., înainte de Hristos)
Ceramică
Fondul Muzeului Gilbreath McLorn (91.255)
Înălțime: 53 cm
Imagini suplimentare pot fi vizualizate în Argus

Întrebări orientative
Cum crezi că ar fi putut fi folosit acest obiect?

Cum vedeți că culoarea, modelul și formele sunt folosite pe acest vas? De ce credeți că perioada de timp din care provine această vază ar putea fi numită „Perioada geometrică?”

Cum ați putea descrie forma generală a acestui obiect?

Despre art
Această amforă cu gât este un exemplu de stil de ceramică cu geometrie mijlocie. Arheologii etichetează părțile vaselor ceramice ca și cum ar fi părți ale corpului, astfel încât gâtul vasei este partea îngustă dintre vârf și unde începe să se lărgească. Mânerele se arcuiesc peste gâtul vasului, deci se numește vază cu mâner. O amforă este o formă a vasului care variază foarte mult, dar are de obicei un gât îngust pentru turnare și este mai largă în partea superioară a burții și se îngustează până la un picior mic sau o bază ascuțită. Când există mai multe amfore, acestea se numesc amfore. Pentru comparație, luați în considerare această amforă „mânuită cu burta”:

Amforă cu burtă
Atribuit pictorului Dipylon
Greacă, din Atena, Geometrie târzie, 760-750 î.Hr.
Ceramică
Muzeul Național de Arheologie, Atena

Ambele vase ar fi fost, cel mai probabil, folosite ca marcatori de morminte (Pentru arta funerară mai veche, vezi Relieful mormântului egiptean).

Corpul amforei muzeului este în principal întunecat, cu un panou decorativ pe gât și în jurul burticii. Benzile a trei dungi mai deschise care despart suprafețele întunecate ale corpului sunt o caracteristică întâlnită adesea într-o perioadă numită Geometric Middle și ajută arheologul să dateze această vază la aproximativ 850-800 î.Hr. În perioada Geometrică Mijlocie, au fost introduse și diferite motive decorative, precum modelele triunghiulare cu grupuri de linii verticale care decorează burta și buza acestei amfore. Cele două triunghiuri dispuse punct la punct se numesc axe duble și sunt similare cu alte forme de topor găsite în exemplele anterioare de artă greacă. Forma acestei amfore arată, de asemenea, o tranziție mai evidentă între gât și corp decât cea găsită în vazele anterioare, ceea ce le spune arheologilor că artistul folosea o roată de olar îmbunătățită. Acesta este un alt indiciu care îi ajută pe arheologi să întâlnească această oală și alte obiecte care ar fi putut fi găsite odată cu ea.

Despre material
Lutul ars este un material practic indestructibil. Nu se descompune sau se dezintegrează. Chiar dacă o oală se sparge, cioburile vor rămâne mii de ani și pot fi puse la loc împreună ca piesele unui puzzle de către arheologi. Poturile sunt una dintre cele mai comune surse de dovezi pentru arheologi. Privind materialul, forma și decorarea unui șir, arheologii ar putea fi capabili să stabilească din ce perioadă de timp provine și, astfel, din ce perioadă de timp au provenit alte artefacte găsite cu acel șir.

Despre cultură și perioadă
Perioada geometrică în Grecia antică a durat de la aproximativ 900 î.Hr. până la 700 î.Hr. Această vază este un bun exemplu de ce este numită Perioada Geometrică, deoarece majoritatea artelor din această perioadă includ forme și modele geometrice decorative. De asemenea, în acest timp, s-au spus poeziile epice ale lui Homer, au fost fondate poleis (sau orașe) grecești și s-au construit temple și sanctuare majore. Acesta a fost un moment revoluționar în istoria Greciei.

Conexiuni
Ce fel de modele geometrice ați folosi dacă ați decora o oală?

Comparați și contrastați cu Amfora Nolan cu figuri roșii și vasele găsite cu Modelul Altar.


Muzeul Gilcrease

Producția de ceramică în sud-vest s-a schimbat puțin de la apariția sa în jurul anului 300 î.e.n. Femeile Pueblo înfășoară de obicei ghivece, întotdeauna cu mâna, și nu folosesc roata olarului. Unele modele s-au schimbat, în special cu utilizarea diferitelor culori, iar unii olari au inovat pentru a crea noi efecte. Alții au reintrodus metode vechi de tragere, în special Maria Martinez, care a creat faimoasa ceramică negru pe negru. Alți olari, în special Nampeyo, au reînviat modele și modele tradiționale, exprimându-și totodată propriile lor.

Triburile Pueblo creează cea mai bună ceramică din sud-vest și sunt cunoscute pentru abilitățile lor dincolo de acea regiune. Mulți oameni din Pueblo au considerat poturile „ca având propria lor existență conștientă, capabilă să simtă și să exprime emoții” (Furst și Furst 1982, 38). Această credință se dezvăluie în producerea ghivecelor. Numai anumite cântece și zgomote puteau fi cântate sau făcute în timpul creației olăritului, olarul așezase niște alimente cu oala atunci când era pus în cuptor, iar când olarul termina o piesă, „ea și-a exprimat profunda ușurare că acum era un ' Ființă făcută, „cu o existență personală” (Furst și Furst 1982, 39).


Introducere

Incendiul din 1949 de la Myott Son & amp Co & rsquos Alexander Pottery, Staffordshire a fost martorul distrugerii nefericite a unor cărți de modele și înregistrări valoroase care, nu numai că au șters o adevărată biblie de informații și design, ci a fost unul dintre factorii care au contribuit la creșterea oarecum împiedicată a Myott în tărâmuri. de Art Deco, antichități și colecții.

Produsele decorative populare Myott & rsquos din 1920 & rsquos, 1930 & rsquos și 1940 & rsquos sunt Myott Collectors Club raison d & rsquoetre. O bucată bună din Myott poate sta lângă unele dintre cele mai bune Clarice Cliff și, în mod justificat, își ține capul sus. Se pare că Myott & rsquos & lsquoart & rsquo a fost învăluit de o lipsă de cunoaștere și înțelegere și acoperit de anonimat. Anonimatul cauzat, nu numai de distrugerea raportată a cărților de modele, ci de natura invariabil nesemnată a pieselor. Cu o paletă de toamnă (nuanțe popularizate de mișcarea Art Deco din anii 1920 și rsquos și 1930) și plăci îndrăznețe de colour aplicat și na & iumlve, spălări aproape neglijent, piesele Myott sunt extrem de distinctive și unice în ceramica din secolul al XX-lea. După ce ați văzut câteva piese de Myott pictate manual, vă veți obișnui să vedeți cu ușurință stilul distinctiv al altor piese Myott. Acest gen de design tipic fiind un rezultat direct al naturii orientate spre familie a companiilor de ceramică din epocă din olărie, producând înfățișări deosebit de distincte în întreaga gamă de olării deținute în mare parte de familie.

Colectarea Myott a atins abia recent nivelul pe care îl merită atât de bine, Internetul jucând un rol important în educarea colecționarilor și a dealerilor în recunoașterea varietății și a importanței pe care aceste minunate lucrări din trecut le pot oferi. Pare incredibil faptul că majoritatea cărților publicate pe Art Deco (indiferent dacă sunt orientate în mod specific spre ceramică sau nu) nu conțin sau chiar menționează lucrările familiei Myott și ale designerilor asociați, care nu au fost nicidecum nesemnificativi în zona Potteries din Staffordshire în timpul perioada dintre Primul și Al Doilea Război Mondial în care Myott Collectors Club este în primul rând interesat. Cu toate acestea, în ultimii cinci ani sau cam așa s-a înregistrat o creștere dramatică a valorii „mărfurilor de artă” Myott, în special în ceea ce privește desenele și modelele geometrice Art Deco. Se aude adesea de la dealeri (descriind forme precum vaza Torpedo) fraze în rândul „Nu cu mult timp în urmă ridicam aceste piese pentru douăzeci de lire sterline!”. Prețurile umflate și disponibilitatea în scădere a mărfurilor Deco, cum ar fi Clarice Cliff, sunt un agent probabil. Se pare, totuși, că unele dintre modelele Myott mai rare, cu un design mai convențional sau mai conservator, nu au fost meritate cu valoare proporțională în comparație cu modelele mai comune. Pe măsură ce înțelegerea și informațiile cresc, poate fi catalogat un ghid de preț cuprinzător și precis, care va oferi colecționarilor și dealerilor, deopotrivă, imaginea de ansamblu a Myott.


Stuart Lonsdale explică istoria și proiectarea ceramicii Gouda

În acest interviu, Stuart Lonsdale vorbește despre ceramica Gouda, concentrându-se în special asupra desenelor și marcajelor artiștilor. Cu sediul în Anglia, Stuart poate fi contactat prin intermediul site-ului său web, Gouda Design, care este membru al Hall of Fame.

Cred că totul a început cu o mică vază de ceramică pe care mama a obținut-o de la magazinul de ceramică de artă unde a lucrat la începutul anilor '20 și '30. După ce a murit în 1988, inițial nu am observat prea mult vaza, dar într-o zi am întâmplat să mă uit dedesubt și m-am întrebat ce înseamnă toate semnele. Am început să încerc să-l cercetez, dar a fost foarte dificil, pentru că atunci nu aveam internetul. Am dat peste o carte de Phyllis Ritvo, The Lumea ceramicii Gouda, și a început de acolo. Apoi am luat un computer și am început să investigăm pe internet.

Am început site-ul web și de atunci este doar ghiocel. Am început să primim e-mailuri de la colecționarii din Olanda care au fost uimiți să constate că cineva din Anglia scria despre Gouda. Am făcut o mulțime de prieteni olandezi foarte buni pe care îi vizităm de două sau trei ori pe an. Și totul a început de la această vază foarte mică.

Am fost atras de vază pentru că erau atât de multe culori diferite pe o piesă atât de mică. Culorile nu erau gratuite și aveau un fundal negru. Nu mai văzusem așa ceva. Nu m-a interesat ceramica, singurul meu interes a fost faptul că vaza era în casă. Pur și simplu a plecat de acolo. Este greu de spus de ce.

Collectors Weekly: Ne puteți spune ceva despre istoria ceramicii Gouda?

Lonsdale: Nu există o fabrică numită ceramică Gouda, ceramica se numește așa deoarece principalele fabrici erau în Gouda. Gouda (pronunțat „cum-da”) este termenul generic pe care îl folosim pentru toate fabricile de ceramică din Olanda - toate ceramicii olandeze, altele decât Delftware, adică.

Zona din jurul Gouda avea lut pentru a face ghivece, motiv pentru care cele mai multe fabrici s-au stabilit acolo. O mulțime de lut a venit și din Anglia. Olandezii au început să producă țevi de lut în jurul anului 1740, iar unele dintre fabricile care produceau țevi de lut s-au orientat către fabricarea ceramicii, deoarece exista cerere. Nu au făcut-o pentru dragoste ci au făcut-o pentru profit. Oamenii doreau olărit pentru casa lor.

Acest stil de ceramică a fost inițiat în jurul anului 1898 de către o companie numită Plateelbakkerij Zuid-Holland sau PZH, dar nu au produs tipul de ceramică pe care îl vedeți pe site-ul nostru. Acest lucru nu a fost făcut până în 1910, când au descoperit un nou proces de producere a ceramicii vitrate mate. A fost cunoscut ca procesul rodian, care este de fapt numele unuia dintre cele mai populare decoruri. A fost cunoscută sub numele de ceramică mată.

Collectors Weekly: Ce caracterizează ceramica Gouda pe care ați prezentat-o ​​pe site-ul dvs. web?

Lonsdale: Designurile înflorite și curbate. În timp ce Olanda a început cu Art Nouveau. Mainly you concentrate on the matte glaze, which for us is the mixture of abstract and floral designs. You can mix the two together and it makes a lot of bright colors. The use of bright colors and the mixture of floral, abstract, and geometric designs all on the same piece is a lot more attractive to us.

Collectors Weekly: Was there a strong differentiation between the Art Nouveau movement and Art Deco in terms of Gouda designs?

Lonsdale: Not necessarily between the periods… the designs, shapes, forms, and patterns blend together. Holland also produced simple abstract designs which are definitely Art Deco, not Art Nouveau. Whichever design you like, that is the most attractive part of it. They produced abstract floral – not just the Art Nouveau floral, but abstract floral, which sounds a bit silly. It wasn’t floral and it wasn’t abstract it was a mixture of both. Of course, they also produced a lot of geometric designs, which a lot of Art Deco pottery did.

Collectors Weekly: Were there any particularly influential designers or pottery schools?

Lonsdale: I’d have to say just the Amsterdam school. There were quite a lot of designers who worked for other factories and moved to Zuid-Holland when the PZH factories started. A lot of really good designers started working for PZH and carried on the designs from the Art Nouveau period into the Art Deco period. That’s what attracted us to them – the mixture of abstract forms with floral forms, which were highly unusual. No other pottery factory has done that. It’s not just one form it’s a mixture of all different forms. I think what most people find attractive is the mixture of different bright colors.

Gouda pottery was exported by the millions all over the world. You name a country and it was exported to it all over England, America, South Africa, Australia, New Zealand. Millions of pieces were exported – vases, plates, you name it. They’re not hand-thrown, they’re all molded from liquid clay, but every one is hand-painted. That’s why there were so many different artists that worked for all the different factories.

They’re signed on the bottom, mostly by the person that painted them. It’s not really their signature in full but their initials, because when they were making them, they had to know which particular person made which pot. They were paid by the number of pots they produced, so the initial was used by the factories to determine how many pieces were made.

We collect all sorts, all designers, all painters, all years, from 1900 up to the 1950s and the 1960s. We collect everything.

Collectors Weekly: Was Gouda made in sets?

Lonsdale: Yes, there were some sets. There were lots of tea sets. There were smoking sets. There were drinking sets with trays and cups. There were individual pieces with pairs of vases. You can think of anything and it was made. A lot have survived in sets, but mainly you will find individual pieces, because sets tend to get broken up. One piece tends to get broken. You can still find sets, but most pieces you’ll find were part of a set or produced individually.

Collectors Weekly: Was there a certain period of time when people really started to get interested in collecting Gouda pottery?

Lonsdale: I don’t know when people started collecting Gouda pottery. We have some friends in Holland who’ve been collecting it for many years, a lot longer than we have. If I would guess when people first started collecting, it would be mainly after World War II.

You have to remember, pottery wasn’t made for collecting it was made to be used. It would have been found in a lot of homes in Holland, and the people who owned it wouldn’t have thought twice about it. For them, it was everyday household pottery that just happened to be bright and colorful. After World War II when the factories started to close is probably when people started to take an interest in it.

I suppose you could say the heyday of Gouda pottery ended in the mid-1930s with the recession, which was all over the world. After that, a lot of the factories, not just Gouda factories but factories all around the world, just simply didn’t recover. During World War II, when the Germans invaded Holland, they took over the Zuid-Holland factory, and the employees were forced to make pottery for the German market. There were still some pieces made, but mainly they were forced to make pottery for the domestic German market.

Collectors Weekly: Are there certain Gouda pottery items that are particularly sought after?

Lonsdale: We never use the word “rare.” I don’t think there’s such a thing.” Names such as Chris van de Hoef are highly sought after by collectors, and some of their pieces can command very high prices.

Most people start collecting Gouda pottery because they like the look of it. They probably even didn’t know what it was when they started out. Maybe they looked at a piece, thought it was nice, turned it over and saw it said “Gouda” on the underneath.

We get that in e-mails. People say, “We went to an antique shop and we picked up this piece because we liked it. Then we discovered that it was Gouda, and we went on the Internet and typed in the word ‘Gouda,’ and it brought us to your website.” They send us a picture and they want to know more about it. When we tell them information about it, they say “Well, perhaps we should collect some more.” It’s so colorful it’s so bright. It does stand out.

Like I said, pottery wasn’t made for people to collect it was made for people to buy. If the Arts and Crafts movement was what people liked, then that’s what the pottery factories would make. It’s the same reason why the pottery factory declined after the war: people’s tastes changed, so the factories had to start making items that people wanted. The trouble was that there were lots of other countries that started making it a lot cheaper.

Collectors Weekly: You have pages from other collectors on your website. How did you start doing that?

Lonsdale: They just contacted us by email and said, “We have a collection. Would you like to put it on the website?” So we did. I think most people collect like we do, which is a varied selection, not necessarily themed. Mostly what I can see on our website are the very varied collections. We have lots of wall plates, lots of vases, lots of figurines. We also have a lot which will never be on the website because it’s a private collection.

Collectors Weekly: Tell us a little bit about the figurines.

Lonsdale: In Dutch it’s “plastiek,” which means “figurine.” We have quite a lot of figurines in our collection, mainly the plain cream ones or plain white ones. They were not necessarily for use in the home they were more decorative.

Think of a shape and that’s it all types of shapes, not necessarily one particular one. Animals are very popular. Shapes of people are very popular. Naked ladies are very popular. Figurines of all sorts are quite collectible, particularly by the designer Chris van de Hoef. His figurines are very collectible, mainly from the 1920s and 1930s.

I think the figurines were all sold individually, although there may have been a theme. We particularly like bears and elephants. We have quite a few in the collection.

Collectors Weekly: What are the best places to look for Gouda pottery?

Lonsdale: Nowadays, you can find it on eBay, but we don’t tend to buy off eBay anymore. We tend to buy mainly from antique shops and antique fairs or on our travels to Holland. Our friends will often buy pieces for us or tell us of pieces available in Holland that we buy when we visit.

There are no Gouda collectors clubs. A lot of our friends in Holland do get together and travel to collectors’ fairs, but they don’t actually sit down and discuss the pottery. Occasionally the museum in Gouda has an appraisal where people can bring in their pieces of Gouda pottery and the collectors give information on them, but they don’t do that on a regular basis.

(All images in this article courtesy Stuart Lonsdale of Gouda Design)

More Articles

183 comments so far

Further to my previous comment, I think the number could be 509 and initials JZ

Thanks for the reference to Hongan Ware on your site. Do you have any other resources I could try for more info. Thanks agin.

Hazel. Arnhemsche Fayancefabriek was founded in Arnhem in 1910 until 1934. The Rooster mark was in use on items between circa 1920 until circa 1933. To give a more precise date I would need to see the style of the marks. The style of the Rooster did vary according to the date. The Rooster and just the word Arnhem with no other words would indicate a date circa 1910 to circa 1920. I would need to see the marks to tell you the painter – if known. Also the decor name – if known. There were a couple of painters who used a Z style in their mark. Without a picture I cannot tell you which one it was. Deciphering painters marks can sometimes be a real nightmare! The number refers to the model/shape.
Please send me a good quality picture to [email protected]
Please ensure the subject line contains the word Gouda.
If not it may be deleted as spam.
Stuart.

Don. Sorry I have no other information to give you. I was once in touch with a collector, David in Ontario, Canada, but lost touch many years ago. Our Dutch friends have no more information. It’s a case of searching the internet and one may be lucky. If you find any information let me know! Stuart.

I have purchased a jardinière with a house mark and the words Zomer Holland.It has a colourful pattern. Could you tell if you are familiar with this mark and if so, the date. Many Thanks Vera

Vera. Your jardinière was made by Plateelbakkerij Zuid-Holland (PZH). The decor name is Zomer. It is a very commonly seen decor and was mass produced between 1917 and circa 1930. If you go to our website Gouda-Design and put Zomer in the search box you will see some examples.
Without a picture I obviously cannot tell you the exact date.
Please send me a good quality picture to [email protected]
Please ensure the subject line contains the word Gouda.
If not it may be deleted as spam.
Stuart.

My husband inherited a Gouda vase from his parents. It was the first gift his grandfather presented to his grandmother. Anyway, I’ve always wondered about this piece because it is beautiful. Its rather tall, with 2 handles. The bottom is a dark, cobalt blue in color and grows to a green and beige color and looks like a sunflower with a leafy vine. I cannot find any information about where it was made or who the designer is. It is inscribed with a Y S Z, Zuid-Holland, Gouda. Can you tell me more about this piece? Mulțumesc!

Lee. Thanks for asking a question. I can tell you that your vase was made in Gouda by Plateelbakkerij Zuid-Holland (PZH). As for more information I really do have to see a picture! There are many decors as you describe with the same colours and floral design, including lots with stylized sunflowers – they were a popular subject.
Please send me an email with good quality pictures of the vase and backstamp to [email protected]
Please ensure the subject line contains the word ‘Gouda’.
If not it may be deleted as spam.
Stuart.

Dear Mr. Lonsdale,
My Husband and I inherited two Zuid.Holland Gouda Vases from his parents, they have been in the house for about 70 years by pure accident, and while we were packing we find out. I made my research and read your interview with Collectors Weekly, and all your information about Gouda. Brief the First Vase is about 102 cm composed of 4 pieces, the upper bowl is removable while the three others are connected with an ax from the bowl’s base to the lower stand. On the reverse side of the bowl written: 121 N.P. after a house then below Zuid.Holland.
Gouda.
.B.
while on the underneath: first a House, then Gouda
Then Holland and on the left side 139. N.P. on the same line H

The second Vase composed of three pieces about 100 cm related to each other with an internal ax ,we wouldn’t remove the bowl to avoid broken it. so we cannot tell u what prescription is under the bowl, but on the reverse side of the base : Zuid.Holland then a House then 139 Gouda H.
we will be much grateful to you if you kindly furnish us, if possible, with : production Date and by whom was made, because they really beautiful.
Awaiting your reply to send you photos.
Thank you so much for you precious help.
Best Regards,
Guita Oweida

I have a small shallow octagon shaped piece of pottery with a little teacup style handle. It was made by Goedewaggen and looks to be hand embossed with the number 951. As well it has been hand painted with the number 620 and capital letters IRAK. Inside the cup is a hand painted bird with foliage. I am curious to know how old the item may be and if it carries any follow. Your thoughts and insight would be very much appreciated.

I have this pot which is pottery blue/green in colour, has one purple flower,one yellow flower and what look like berries on a stick. these are on a white back ground with a dark brown rim top and bottom. on the base of the pot is FLORA GOUDA HOLLAND no date no and no other names. I am just trying to find out about it. After looking at photos on google, I can not see another like it, any information would be helpful. Thank you for reading

Hello Sue. Thanks for your question. This was made in Gouda by Plateelbakkerij Flora. Founded in 1945 and taken over by Koninklijke Goedewaagen in 1993. Flora used many decors with purple and yellow flowers. Some had names others did not. From your description it could be decor ‘Sylvia’. Date would be between circa 1959 – 1967. Flora did not use date codes. All were mass produced. If you send a picture I may be able to tell you the decor. Send it to [email protected]co.uk and ensure the subject line has the word ‘Gouda’ or it may be deleted as spam. Stuart.

I inherited my gouda vase from my brother inlaw, it’s 81/2 ” tall, has the number 976, Woerden, with a tree and the # 1 under the tree and beside the tree is a house/windmill with initials A.V.W. and last followed by Gouda, Holland. It has a two cracks in the lower portion of the handle that has been repaired. Could you tell me anything about this vase, such as age, value and should I get it repaired by an expert?

Louise. An email has been sent to your email address. Stuart.

I found a vase that has a 701 on the bottom the seven has a line through it ,its about a foot tall part of the top is folded over into like a v.Onthe front is a grape leaf and a bunch of grapes .Its colors are beige and like a darker around the grapes.Around the sides it has like square stamps one of a circle round and round ,a square with a flower in it,.These all around the vaescan you tell me anything about it Thank You

Sharon. An email has been sent to your email address. Stuart.

I HAVE SOME SERVICE WARE PLATES W/ THE Plateelbakkerij Zuid-Holland (PZH) ON THE BACK, I WAS TOLD FROM PEOPLE I HOLLAND THESE ARE FROM THE 1930’S, I THOUGHT THE COLORS WERE MORE 1950’S/1960’S, I THINK THEY ARE PRETTY AND BRIGHT I HAVE (4) 7.5″ AND (1) 6″ AROUND

Donna. An email has been sent to your email address. Stuart.

Please note. As from October 15 we will no longer be able answer questions. Please don’t post them as we will not reply. This is due to personal and business reasons. We want to thank everyone who has submitted comments. You can find lots of information at our website Gouda-Design. Stuart & Kim.

Hello we have a decorative pot I think is duch it has
361/20 corona plazuid holland dated I think
17 37
I was reading u r stuff and thought it would be interesting on this piece of pottery

I just found a beutiful floral ashtray with 2860 Royal zuid holland Gouda on the back that I am trying to find more information on. It has a red flower in the middle with leaves and yellow outline. It looks like it has the word Areo RV with a little house symbol. Orice informație ar fi apreciată.

I have inherited 2 identical items ( 21cms tall) bulbous vases. Frumoasa! Base marks read from the top the no 800 then below the name RHODIAN then below that a small diamond and alongside that a windmill and then a small shape like the letter f. the bottom line reads HOLLAND. Also on the base is imprinted a large mark – on one vase similar to the letter P, but with a tail, and on the other similar to the letter T. Any information would be appreciated. Mulțumesc.

Dear Stuart, I have 2 candlesticks – green and orange tones. The name on top of inscription is Lairo. Also Royal Zuid-Holland, Gouda. The rest is a bit difficult – could be an ‘s’, a house with 2 lines through it then 10 (maybe). At the bottom it seems to say 54dy. Very vague – I do apologise. Should I put them away in the cabinet or is it fine to have them within reach of the grandkiddies? Many thanks in anticipation of your reply. Good wishes. Heather Purdy

My Dutch wife inherited a small (10cm high) twin handled vase with gently flared neck and deep yellow / gold lava flow border. The body of the vase is decorated with flowers in muted yellow / orange / purple flowers and foliage. The handles and inner surface of the vase are vivid blue in colour. The bottom of the vase is decorated in the same colour as handles in the style of the lava rim but upside down.
The underside is marked VEA KPZ HOLLAND with a central TILTED HOUSE and the numbers 3409 and 2297 at the top and bottom respectively. The initials right centre possibly read WG and the symbol centre left looks similar to an anchor (?).
Any assistance you could provide with age and history of this piece would be greatly appreciated.
Kind regards,
Paul Whyatt

I have a jug 6″ high, cream coloured with flower and bird decoration on crackle glaze.
It has a 3″ base and a backstamp
114:
IRAK
ROYAL GOEDEWAAGEN
GOUDA
Made in Holland
I would be grateful if you could give me some idea of its date
Mulțumesc
Mary Taffler

I have a small bowl with a brass top it has the words
It seems like “grety Gouda” there seems to be an ml and the
And the number 176 again not sure if the first
Number is actually a 1 it is also marked made in
Holland. There seems to be an x on the ml too.
Any information re date and how much is it worth
Thanks in advance

I have a small bowl with markings 3172-underneath unique-under that the house symbol and beside it the letters J A B I think.Under that Gouda Holland and the mark for 1949. It is 4 1/2 in. Across top and 3 1/2 I’m on bottom. It has an olive green border around bottom and a lighter green scalloped border around top. Bunches of 2 brown leaves around it. It is a whitish grey color with water droplet marking. It is light green inside. I would appreciate any information about it. Thank you Beth

I have a small bowl that says “Regina” on the first line, then on the second line it says “Gouoda:Holland”, under that it says �” and under that it says “Rosario” so no initials. Just wondering if it’s rare or quite common. It is beautiful regardless.

I have a vase that is typical hand-painted flowery Gouda-style. It has quite a bit of crazing and the bottom is signed IVORA HOLLAND 105 Delft and something that looks like OBO or 180. Also has an etched 105 on the base.

I would think this would be Ivor a gouda, although there is nothing to say Gouda on it. Is this common?

I just inherited a beautiful Gouda vase about 10 1/2 inches tall. It has a brown background with colorful swirls. In teal, burnt orange, colbalt blue and ivory. The marks on the bottom are:
824
T ‘18
E
Gouda
Holland
T
Are you able to tell me a little about it?
Mulțumesc!

I have a pair of vases that I bought because I liked them and particularly the impressionistic cows in a field against a background of a farm building with hay bakes with the back comprising the wild flowers at the edge of the field in close up. Curious about these impressive vases ( approx 32 cms high) I found an Australian website of a Gouda collector with similar bucolic scenes apparently inspired/copied by artists of the 19/20th century. The problem is they have no marks whatsoever to the foot. I have images if you’d care to see but was wondering if Gouda ware of the 1900 period was ever unmarked. They are very skilfully hand painted. Thank you for any consideration you might be able to provide. Clive Tunnicliffe

Hi I have a vase with two handles and sunflowers on it. The vase is 15 inches high. On the base is a number I think 187 with the word ZUM under it. Then Arnhem followed by Holland and bellow that it looks like a WH but the W looks more like a V with a line coming down almost joining the H. Do you know anything about this, is it an earlier style of Gouda or a later one. Many thanks suzie

I have two long necked Gouda vases, both with number 1302 on them. One has initials CW and the other has a number 49. Another vase with a shorter neck is marked 804 with initials JB and an image with a 12 under it. There is also a frog vase with number 124 and initials JB. All of these vases are of the same design. I would like to know more about them.

Leave a Comment or Ask a Question

Dacă doriți să identify an item, try posting it in our Show & Tell gallery.


Key Figures in Wedgwood History

26
Sept Famous Potters, Fenton | Fara comentarii

It is generally claimed that William Greatbatch was apprenticed to Thomas Whieldon and first met Josiah Wedgwood I at Fenton, but there is no documentary evidence to support this. Greatbatch may have been acting for Wedgwood in London as early as June 1760. It is certainly the case that in 1762 he began a close business association with Josiah I, as well as setting up a pottery in his own right at Lower Lane, Fenton.

Greatbatch began to supply Wedgwood with a wide range of block moulds and biscuit earthenware (for colouring and glazing at Burslem) and probably finished wares also. An arrangement between the two potters seems to have been maintained until the mid-1770s.

Greatbatch continued in business for 20 years but was declared bankrupt in 1782. By 1786 he had gained employment at Etruria, on very favourable terms, and probably became general manager from 1788 until his retirement in about 1807. Josiah I evidently had high regard for his colleague and allocated him a substantial pension.

Brother to Enoch Wood, a celebrated Staffordshire potter and modeller, William Wood was apprenticed to Josiah Wedgwood I in Burslem and later became chief modeller of useful wares. He also worked on the first edition of the Portland Vase.

In 1768 Josiah I helped his nephew, Thomas Byerley, emigrate to America. Byerley was an aspiring writer and actor but he eventually settled in New York as a schoolmaster. He returned to England in 1775 due to the outbreak of the American War of Independence and was employed at Etruria before becoming the London manager on Thomas Bentley’s death. Byerley was succeeded in London by his son, Josiah.

The French spirit of the Barbizon School of naturalistic painters was brought to the Potteries by artists such as Edouard Rischgitz (employed by Minton c1864-70) and Emile Lessore. The latter was born in Paris and studied under Hersent and Ingres.

Lessore first painted on ceramics in Laurin’s factory at Bourg-la-Reine, near Paris, and he later worked at Sèvres for six years from 1852. Following the death of his wife in 1858, he moved to England and was employed by Minton. However, he felt artistically constrained and oversupervised, so in the spring of 1860 he approached Wedgwood for work. His appointment was confirmed in August that year.

At Wedgwood, Lessore enjoyed artistic freedom, and he built up a decorative art studio that boosted the firm’s national and international standing. A large selection of his work received widespread acclaim at the 1862 Paris Exhibition, and the retailers Phillips, of London, subsequently purchased the entire display. Lessore’s only remaining complaint was the English climate, which had an adverse effect on his health, and he negotiated a flexible arrangement with Wedgwood which allowed him to return to Paris with the option of living in London in the summer.

In time, Lessore assumed a somewhat ambassadorial role and concentrated on providing outline sketches and designs suitable for enhancement by Wedgwood’s workforce. By 1867 demand for his style of work had declined, and two years later both parties reluctantly entered into a new agreement whereby he continued to work for Wedgwood in a very limited way only.

Regarded as the leading Staffordshire painter of the 19 th century, Allen trained at the Stoke-on-Trent school of Art and won a National Art Training Scholarship in 1852. After studying at the South Kensington School of Design in London, he was employed by Minton as a figure painter. In 1876 he joined Wedgwood, and the firm thus gained a prestigious replacement for Emile Lessore. He maintained his position as director of the Fine Art Studios (effectively art director) at Etruria for 20 years from 1878 and fully retired in 1904. Allen’s figure work – often depicting romantic, scantily clad females – is predominant on vases and plaques, but he was also responsible for the development of tile and tableware designs at Etruria.

John Goodwin joined the design staff at Etruria in 1892 and was appointed art director in 1904. This was a time of great rationalization for Wedgwood and Goodwin proved a realistic manager. He replaced the Victorian-inspired art wares with more conventional ranges and adopted many of Wedgwood’s original 18 th -century tableware shapes and patterns to suit 20 th century demands. Goodwin particularly targeted the American market, which had traditionally always admired Wedgwood’s wares in the “Federal” (neo-classical) style.

An ideal balance was formed at Wedgwood, with Goodwin overseeing the manufacture of commercial ornamental wares (by designers such as Daisy Makeig-Jones) and Alfred and Louise Powell concentrating on art wares. Before his retirement in 1934, Goodwin’s marketing experience with traditional middle-range tableware helped Wedgwood to survive the disastrous effects of the Depression.

Alfred Hoare Powell (1865 – 1960) – Ada Louise Powell (1882 – 1956)

In 1903 Wedgwood received a series of contemporary designs from Alfred Powell and, conscious of the public interest generated by the Arts and Crafts Movement, immediately realized their potential and put them into production. Powell trained as an architect, but in the 1890s abandoned the traditions of “drawing board” design and became involved with the revival of vernacular styles. In 1906 he married Emile Lessore’s granddaughter, Ada Louise, and the couple began working together as Alfred H and Louise Powell. Early in the following year Wedgwood set up a studio for them at Bloomsbury, London.

Louise Powell trained at the Central School of Art in London, and was for many years closely associated with the Arts and Crafts Exhibition Society. She and her husband often worked together on important commissions and it is therefore sometimes difficult to distinguish the individual hand. Their designs tend to fall into two categories: either fairly simple flower and foliage sprig patterns for tableware or rich Islamic-and-Renaissance-inspired pictorial, foliate and armorial designs for ornamental pieces.

The Powells visited Etruria regularly, and on one occasion forwarded the idea of producing some existing printed and painted tableware patterns in a totally free-hand form. This met with approval and a number of such patterns were retailed through the firm of James Powell & Sons, to whose owner Alfred was related. This successful revival of hand-painting at Etruria led to the establishment of the handcraft department, under Millicent Taplin, during the 1920s.

The volume of work that Alfred and Louise Powell executed for Wedgwood declined after Francis Wedgwood’s death in 1930, but the couple continued to purchase blanks from Etruria. Much of their later work comprised armorial chargers for country house owners and depictions of historic buildings.

Millicent Jane Taplin (1902 – 80)

Under the influence of Alfred and Louise Powell, girls from various art schools began to be trained at Etruria in free-hand pottery decoration. Initially, Alfred (“Beaver”) Powell gave them drawing lessons, and only after several months’ training were they allowed to progress to the overglaze painting of earthenware. By the mid-1920s the girls were hard at work on the Powell’s Queen’s ware designs and in 1826 a handcraft painting studio was opened under the supervision of Millicent Taplin.

Taplin began working for Wedgwood in 1917, when she was still a part-time student at the Stoke and Burslem Schools of Art. She became involved in the painting of Persian and Rhodian wares and was selected to train under Powell. In 1928 she started to create her own patterns and by the late 1930s had become one of the Wedgwood’s most productive designers.

During World War II, Taplin took up full-time teaching at the Stoke School of Art, but remained a consultant for Wedgwood and returned to Etruria when peace prevailed. From about 1956 to her retirement in 1962 she ran the newly combined china and earthenware hand-painting departments.

Keith Day Pearce Murray (1892 – 1981)

Born in New Zealand, Keith Murray moved with his family to England in about 1906. He served with distinction in the Royal Flying Corps during World War II, and afterwards trained as an architect, but found it impossible to obtain work in the depressed financial climate. As a result he began to take an interest in contemporary glass design and in 1932 he was engaged at the Stevens and Williams Glassworks in Brierly Hill. In the same year, Wedgwood first used his freelance services and within a matter of months he was secured to work for the company on a regular basis.

Murray rapidly developed a series of simple, functional tableware and vases incorporating Wedgwood’s newly developed matt opaque glazes, as well as traditional bodies such as black basalts and red stoneware. The range was exhibited in London and on the Continent from 1933 to 1937 and was well received. Most of his designs were included in Wedgwood’s Catalogue of Glazes, Bodies and Shapes Current for 1940-1950 and many were still being produced well into the 1950s. His last major ceramic design task for Wedgwood came in 1946 – a completely new table service combining plain utilitarian appeal with the capacity to carry any form of decoration. Not surprisingly, the “Commonwealth” service took two years, and a large production team, to complete.

During 1938 a foundation stone was laid at the site of Keith Murray’s largest physical achievement for Wedgwood. In his capacity as an architect he was selected to design, with his partner Charles S White, the modern factory at Barlaston.

Cecily Stella (“Star”) Wedgwood (1904 – 1995)

Star, the daughter of Francis Hamilton (Major Frank) Wedgwood, was introduced to pottery decoration in the late 1920s by way of Alfred Powell’s painting classes at Etruria. During the early 1930s she became a designer herself and was responsible for a number of patterns on bone china and Queen’s ware. In 1937 she married Frederick Maitland Wright, who later became Wedgwood’s company secretary and joint managing director with Norman Wilson.

Norman Wilson (1902 – 1985)

The son of a china manufacturer, Norman Wilson spent the early 1920s at the North Staffordshire Technical College. When his father’s health began to suffer, Wilson found himself running the family business as well as continuing his studies. Growing tired of the continuous struggle, he emigrated to Canada and began to earn a living breaking ponies.

In 1927 he was contacted by Francis Hamilton Wedgwood and returned home to replace Major Bernard Moore as works manager at Etruria. He supervised the installation of new kilns and developed various bodies and new matt glazes. His design work included new tableware shapes, such as “Barlaston”, “Globe” and “Leigh”.

After serving in World War II he was appointed production director at Barlaston in 1946, and from 1961 until his retirement in 1963 he served as joint managing director with Frederick Maitland Wright. Throughout his career with Wedgwood, Wilson produced a number of “Unique” studio wares, which were not designed to be retailed through the normal channels. A selection of these were shown at the Grafton Galleries in 1936.

Arnold Machin (1911 – 1999 )

Born and educated in the Potteries, Machin joined Minton as an apprentice paintr while also studying modelling at the Stoke School of Art. During the Depression he left to work for Royal Crown Derby and then became a student at the Derby School of Art, later winning a scholarship to the Royal College of Art. In 1940 he was employed as a full-time figure modeller at Barlaston, where he spent the war years producing figures and groups in a manner reminiscent of traditional Staffordshire “flat-backs”.

In the 1950s Machin taught at art schools in both Stoke and London. During the 1960s he designed new coinage and was awarded the honour of an OBE in 1964 for his work in this field.

Walter Robert Minkin (1928 – 2012)

Robert Minkin trained at the Wimbledon College of Art and the Royal College of Art. He joined Wedgwood as chief designer in 1955 and progressed to design director by 1979. As well as producing a number of distinctive tableware patterns, he is renowned for a cylindrical coffee set which was first issued in black basaltes and later in ravenstone matt glaze. Minkin was also responsible for the gilt plaques, adapted from originals in the Tutankhamun treasure, which formed part of the 1978 “Egyptian collection”. He retired in 1989.

Eduardo Luigi Paolozzi (1928 – 2005 )

Paolozzi studied at the College of Art in his home town of Edinburgh before training at the Slade School of Fine Art, Oxford and London. Thereafter he lectured at various art institutions, both national and international, and his work achieved many awards. In 1970 he designed a limited-edition set of six brightly coloured silk-screen printed plates for Wedgwood, entitled “Variations on a Geometric Theme”.


Priveste filmarea: Sculpting Timelapse - HEAD MODELING tutorial