Cum au devenit Beatles simboluri sexuale internaționale

Cum au devenit Beatles simboluri sexuale internaționale

La 26 decembrie 1963, Beatles a lansat Vreau să te țin de mână și am văzut-o stând acolo în S.U.A. Drept urmare, această dată a fost întotdeauna asociată cu Beatlemania care a atins niveluri cu adevărat globale.

În epoca Spotify și a rețelelor de socializare, amploarea succesului formației pare perfect naturală, dar la momentul respectiv răspândirea stilului lor nou și interesant pe tot globul era un fenomen cultural inovator.

Începuturi umile

Ridicarea meteorică a trupei a început în 1957 când un școlar Liverpudlian de șaisprezece ani, numit John Lennon, s-a reunit cu un grup de colegi de școală și a început să formeze o trupă improvizată care se numea „Quarreymen”.

În anul următor, prietenul lui Lennon, Paul McCartney, și prietenul său, George Harrison, s-au alăturat, de vreme ce colegii mai mari ai lui Lennon l-au părăsit pentru a continua alte cariere.

A ajunge pe Lună nu a fost o faptă ușoară, oricât de încrezător ar fi sunat Kennedy în celebrul său discurs din 1961. Fong povestește despre cât de aproape au ajuns la eșec și cât de riscant a fost.

Ascultă acum

Până în 1960 numele fusese schimbat în The Beatles, și au cunoscut un succes limitat în Liverpool și, după un scurt turneu în Scoția, managerul neoficial Alan Williams a asigurat rezidența grupului de trei luni și jumătate în orașul Hamburg, vestit, jalnic.

Acolo au jucat un număr imens de concerte și și-au perfecționat abilitățile ca grup de chitară - deși nu fără diverse nenorociri - cum ar fi faptul că Harrison a fost revelat că este minor și amenințat cu deportare.

Marea pauză a Beatles-ului

La întoarcerea în Anglia în 1962, au fost înregistrați de publicarea muzicală EMI după respingerea inițială și au început prima lor înregistrare la studiourile EMI’s Abbey Road în iunie. Acolo li s-a spus să găsească un toboșar mai priceput, iar legendarul patru a fost finalizat când Ringo Starr, toboșarul dintr-o formație rivală, a fost convins să-și schimbe loialitatea.

Abbey Road Studios astăzi.

1963 s-ar dovedi a fi anul lor de izbucnire, la fel ca singurii Ea te iubește și De la mine pentru tine a ajuns pe primul loc și a început să atragă un mare interes pentru trupă și membrii săi.

După un an de succes fenomenal până la sfârșitul anului 1963, s-a decis că a sosit momentul să abordăm cea mai mare și mai dură piață din lume - America.

Filiala americană a EMI - Capitol Records, a refuzat ferm să lanseze Beatles ’ muzică în SUA până acum, dar după negocierile cu eticheta independentă americană Vee-Jay, primele lor single-uri au fost lansate pe piața americană în decembrie. A urmat isteria.

Stardom și simboluri sexuale

Când grupul a pornit prima sa vizită peste Atlantic în februarie 1964, Vreau să te țin de mână era la numărul unu și 3.000 de oameni se adunaseră pentru a-și saluta avionul pe aeroportul John F. Kennedy din New York.

The Beatles care au ajuns la Aeroportul Internațional John F. Kennedy, 7 februarie 1964.

Când au primul lor spectacol live pe Ed Sullivan Show două zile mai târziu, un uluitor 34% din populația SUA s-a acordat vizionarea într-o epocă în care televizoarele erau încă o noutate. Ceea ce se numea „invazia britanică” începuse cu seriozitate.

Termenul Beatlemania a fost inventat ceva mai devreme în Anglia și a fost văzut pentru prima dată în tipar când Mail zilnic a publicat un articol numit BEATLEMANIA: Se întâmplă peste tot ... chiar și în Cheltenham. ”

În special după călătoria în SUA, Beatlemania a devenit caracterizată de țipetele înalte și de aproape isteria vastelor mulțimi de fete adolescente care au venit să vadă trupa în timp ce cei patru flăcăi din Liverpool cu ​​părul floppy deveneau simboluri sexuale internaționale improbabile.

După un concert la Hull, în Marea Britanie, s-a raportat că peste 40 de perechi de chiloți trebuiau îndepărtați.

Dan Snow îl întâlnește pe Calder Walton pentru un martini și o privire de ansamblu asupra istoriei de interferență a Rusiei în alegerile străine.

Ascultă acum

Motivele acestei explozii de obsesie aproape maniacală pentru trupă au fost dezbătute și analizate de atunci. Unele idei au coincis cu boom-ul post-al doilea război mondial, când existau mult mai multe fete adolescente decât înainte, chiar și în ultimele zile ale lui Elvis sau Frank Sinatra.

Un altul a fost părul lung care nu amenință sexual, tineretul și farmecul britanic al grupului, mult mai atrăgător pentru noua generație de fete decât vorbitul sexual Elvis sau alți interpreți mai în vârstă. Există o multitudine de alte explicații din ce în ce mai nebunești, deși în cele din urmă noutatea și strălucirea Beatles ' muzica este poate cea mai convingătoare.

Exportul culturii

Beatlemania întruchipează și anii 60 și contracultura sa rebelă. Părinții și frații mai mari ai Beatles fanii au disprețuit ceea ce vedeau ca aspectul lor neomatic și muzica, dar acest lucru le-a făcut atracția și mai puternică, mai ales după ce au luat o cale mai întunecată și mai psihedelică mai târziu în deceniul trecut.

În plus, această fază nu numai că începe era globală a istoriei muzicale, ci și zorii Marii Britanii, fiind cea mai importantă putere „moale” a lumii pe măsură ce imperiul său s-a prăbușit. Din moment ce Beatles, alte exporturi britanice din Pietrele rostogolite la O singura directie au luat SUA și lumea prin asalt.

Un alt mare export britanic de succes ... The Rolling Stones.


Raquel Welch

Raquel Welch (născut Jo Raquel Tejada 5 septembrie 1940) este o actriță și cântăreață americană.

Ea a câștigat mai întâi atenția pentru rolul ei în Călătorie fantastică (1966), după care a câștigat un contract cu 20th Century Fox. I-au împrumutat contractul studioului britanic Hammer Film Productions, pentru care a realizat Un milion de ani î.Hr. (1966). Deși a avut doar trei linii de dialog în film, imaginile ei în bikini din piele de capră au devenit afișe best-seller care au transformat-o într-un simbol internațional al sexului. Ulterior a jucat în Bedazzled (1967), Bandolero! (1968), 100 de puști (1969), Myra Breckinridge (1970) și Hannie Caulder (1971). A realizat mai multe tipuri speciale de televiziune.

Personajul unic al filmului lui Welch a făcut-o o icoană a anilor 1960 și 1970, datorită portretizării personajelor feminine puternice și ruperii matriței simbolului sexual arhetipal. Din această cauză, creșterea ei la vedete la mijlocul anilor 1960 a fost parțial creditată cu încetarea promovării viguroase a Hollywood-ului a bombei blonde. [3] [4] [5] A câștigat un premiu Globul de Aur pentru cea mai bună actriță cinematografică într-un musical sau comedie în 1974 pentru interpretarea sa în Cei trei muschetari. De asemenea, a fost nominalizată la Premiul Globul de Aur pentru cea mai bună actriță din filmul de televiziune pentru interpretarea sa în film Dreptul de a muri (1987). În 1995, Welch a fost ales de Imperiu revistă ca una dintre „Cele mai sexy stele din istoria filmului”. Joaca baiete clasat pe locul 3 Welch pe lista lor "100 de stele cele mai sexy din secolul al XX-lea". În 2011, Sanatatea barbatilor a clasat-o pe locul 2 în lista sa „Cele mai tari femei din toate timpurile”. [6]


Paul McCartney a venit cu ideea pentru turneul de mister magic

Magical Mystery Tour a fost o idee concepută în mintea lui Paul McCartney care a înzestrat recent lumii conceptele sale experimentale cu albumul revoluționar Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967). Din acel moment, The Beatles își lăsaseră în urmă atracția pop și se îndreptau complet către o direcție psihedelică cu elemente noi și unice. Se părea că orice cale pe care au luat-o Beatles a fost acceptată de lume cu entuziasm, ceea ce le-a dat curajul să exploreze noi căi. McCartney a fost inspirat de Ken Kesey’s Merry Pranskters și autobuzul Furthur și popularitatea călătoriilor cu autocarul (autobuzul) în toată Anglia, ceea ce a dus la un complot plin de spirit bazat pe aceleași idei. Întrucât grupul nu mai cânta în direct, a avut sens să le oferim fanilor un alt film. McCartney a avut câteva gânduri despre scenariu, dar asta s-ar întâmpla. A declarat Ringo Starr, „Paul avea o bucată grozavă de hârtie - doar o bucată albă de hârtie albă cu un cerc pe ea. Planul era: ‘Începem de aici și trebuie să facem ceva aici.’ ”


Pattie Boyd l-a prezentat pe George Harrison la învățăturile yoghinilor

Ca urmare a The BeatlesUltimul turneu din 1966, trupa a început să experimenteze droguri, diferite tipuri de instrumente și noi filozofii. George Harrison și soția sa, Pattie Boyd, au călătorit în India la sfârșitul anilor '60, unde Harrison a planificat să studieze sitarul cu Ravi Shankar. Aflat acolo, Boyd s-a regăsit în întâlnirile organizate de Mișcarea de Regenerare Spirituală, un grup care a folosit tehnicile de meditație ale Maharishi Mahesh Yogi.

În biografia ei, Boyd spune că a fost impresionată de ceea ce a învățat de la grup și că a transmis informațiile lui Harrison. La acea vreme, „liniștitul Beatle” se gândea la relația sa cu drogurile care modifică mintea. Folosise frecvent LSD și se întreba dacă va face ceva pentru el. După o călătorie la Haight-Asbury în 1967 a dezamăgit de cultura drogurilor hippie după întoarcerea sa în Anglia, el și John Lennon ambii au decis să nu mai folosească LSD și au început să caute înăuntru pentru a găsi ceva nou.


Cele 12 simboluri sexuale finale de odinioară pe care nu le vom uita niciodată

Toată lumea are nevoie de modele - oameni pe care îi putem urmări și emula, precum lideri mondiali, chirurgi creier, genii arhitecturali, vrăjitori matematici, artiști, oameni de știință cu rachete, scriitori. simboluri sexuale.

Ținerea pasului cu corpul gol al lui Kim Kardashian pare să fie pe lista de sarcini a tuturor. (De ce altfel ar poza în costumul ei de ziua de naștere la două săptămâni dacă nu ne uităm?) Simbolurile sexuale sunt adorabile. Avem favoritele noastre, printre care Jessica Simpson, Kate Upton, Jennifer Lopez, Penelope Cruz și Gisele Bundchen, pentru a numi doar câteva.

Pentru înregistrare, nu suntem chiar acum descoperirea simbolurilor sexuale. Au existat de secole (cel mai probabil din 50 î.Hr. cred Cleopatra) deci, să aruncăm o privire asupra unor femei care au trasat drumul modern în anii 1950, 60 și 70, când sânii au devenit o obsesie națională și Joaca baiete revista era micul secret murdar al fiecăruia. Femeile au parcurs un drum lung bebeluș. DAR, bărbații sunt încă aparent conduși de sâni. Așadar, iată 12 simboluri sexuale originale pe care le putem mulțumi pentru setarea acelor capcane pentru țâțe (cu o singură excepție în mix).

Marilyn Monroe

Marilyn Monroe este o legendă erotică-sex-simbol din motive întemeiate. În afară de a fi prezentat în numărul inaugural al revistei „Playboy”, devenind primul lor „Dragă al lunii” (schimbat în „Playmate of the Month după aceea) în numărul din decembrie 1953 al revistei (pe atunci) controversată,„ Gentlemen Prefer Actrița „Blondes” a devenit prima „blondă proastă” serioasă. Frumusețea și personalitatea senzuală a lui Monroe au făcut furori atunci când i-a cântat „La mulți ani, domnule președinte” președintelui John F. Kennedy la o sărbătoare de 45 de ani. Verificați aici În mod șocant, actrița „Some Like It Hot” a murit pe 5 august 1962 la vârsta de 36 de ani.

Jayne Mansfield

Jayne Mansfield, care a devenit una dintre bombele originale ale blondelor de la Hollywood, a jucat, de asemenea, imaginea „blondă mută” și a devenit cunoscută în unele cercuri sub numele de „Monroe al omului muncitor”. Popularul sex symbol din anii 1950/1960 s-a bucurat de succes pe scena de pe Broadway („Will Success Spoil Rock Hunter?”), Precum și în filmele de la Hollywood („The Girl Can’t Help It”). Trivia distractiv: „Mansfield a revendicat o linie de bust de 41 de inci și o talie de 22 de inci când a debutat pe Broadway în 1955. Era cunoscută sub numele de Cleavage Queen.” Căsătorit de trei ori cu cinci copii (actrița Mariska Hargitay este al patrulea copil), Mansfield a fost, din păcate, ucis într-un accident de mașină la 29 iunie 1967, la vârsta de 34 de ani.

Raquel Welch

Raquel Welch a fost printre cele mai iconice simboluri sexuale din anii '60 și '70, ceea ce a plasat-o în topul unor liste destul de sexy: Conform Wikipedia, „Welch a fost ales de Revista Empire ca una dintre cele mai sexy 100 de vedete din istoria filmului. Joaca baiete Revista numită Welch nr. 3 pe lista celor mai sexy stele ale secolului al XX-lea. În 2011, Sanatatea barbatilor Revista a clasat-o pe nr. 2 în lista sa cu cele mai tari femei din toate timpurile. "Actrița în vârstă de 74 de ani încă își strânge lucrurile pe covoarele roșii, oferind observație că femeile de peste 70 de ani încă stârnesc!

Brigitte Bardot

Este greu de crezut că Brigitte Bardot, fosta „pisicuță sexuală”, are 80 de ani! Sensualul model francez, actriță, cântăreață și activistă pentru drepturile animalelor a devenit un simbol sexual de mare anume în anii '50 și '60, în mare parte datorită primului ei soț, regizorul Roger Vadim (care avea să se căsătorească mai târziu cu Jane Fonda), care a prezentat-o ​​în filmul din 1956 „Și Dumnezeu a creat femeia”. Deși căsătoria nu a durat, cariera ei a durat mulți ani, până la retragerea ei din industria divertismentului în 1973. Unele actrițe sunt recunoscute imediat după prenumele lor. Bardot era cunoscută prin cele două inițiale ale ei: BB.

Lana Turner

Puloverele actriței Lana Turner ar fi trebuit să aibă propria lor vedetă pe Walk of Fame de la Hollywood. Actrița „Imitația vieții” a fost una dintre primele frumuseți cunoscute care au făcut o declarație de modă purtând un pulover strâns pentru a-și prezenta linia bustului, câștigând astfel porecla „fata pulover” (poreclă despre care se pare că ar fi detestat-o). Turner și-a valorificat figura curbată de-a lungul carierei. A fost nominalizată la premiul Oscar pentru cea mai bună actriță pentru rolul din filmul din 1957, „Peyton Place”.

Gina Lollobrigida

Această actriță italiană, care a fost una dintre cele mai înalte actrițe europene din anii '50 și '60, nu s-a temut să-și arate întreaga figură atunci când un film a cerut o actriță voluptuoasă. Actrița de 87 de ani a apărut în filme cu Yul Brenner, Frank Sinatra, Rock Hudson, Anthony Quinn și Burt Lancaster. Humphrey Bogart a spus odată: „Gina face ca Marilyn Monroe să arate ca Shirley Temple”. Mama Mia!

Ann-Margret

Ann-Margret a fost descrisă atât ca „fata de alături”, cât și „pisicuță sexuală”. Actrița, cântăreața și dansatoarea în vârstă de 73 de ani este cunoscută mai ales pentru rolurile sale din „Bye Bye Birdie”, „Viva Las Vegas” (unde ea și Elvis au rupt ecranul cu sex appeal!), „The Cincinnati Kid”. și pentru unul dintre cele mai voluptoase roluri ale sale, în „Cunoașterea trupească”. Deci, cât de sexy era? Odată a fost descrisă ca „versiunea feminină a lui Elvis Presley”. Capul roșu de la Valsjöbyn, Suedia, a vorbit întotdeauna cu un ton moale, sexy, descurcat, care i-a definit atracția sexuală masivă. Verifică-l aici.

Elizabeth Taylor

Elizabeth Taylor a devenit una dintre cele mai faimoase actrițe de film din toate timpurile și a fost considerată una dintre cele mai frumoase femei care au primit vreodată marele ecran. Apelul sexual nu a trecut neobservat în filme precum „Pisica pe un acoperiș fierbinte de tablă” și „Cleopatra”. Taylor a reușit cumva să realizeze o combinație a imaginii puternice a femeii, amestecată cu sexul ei viu pe ecran.

Sophia Loren

A existat vreun bărbat în acest univers care să nu bage la vederea acestui simbol sexual italian în anii 50, 60 și nu numai? Accentul ei moale italian doar a alimentat scânteile senzuale pe care le-a emis pe ecran și pe stingere. Nici figura ei cu clepsidră nu i-a rănit imaginea, iar talentul ei de actorie i-a făcut personajul sexy să fie și mai atrăgător. Loren a câștigat un premiu Oscar pentru cea mai bună actriță în 1962 pentru filmul „Două femei”. Octogenaria sexy are 80 de ani și este singură. Domnilor, porniți-vă motoarele!

Jacqueline Bisset

Alertă de tricou umed. Doar în cazul în care ați uitat cine a început nebunia tricourilor umede, nu căutați mai departe. După ce a distrat publicul la sfârșitul anilor '60 / începutul anilor '70 cu diferite roluri de film, Bisset a decis că este timpul să atragă o atenție serioasă din partea publicului american înotând sub apă purtând doar un tricou pentru un top în „The Deep”, ajutând la realizarea filmează un succes la box-office. Producătorul Peter Guber ar fi spus: „Acel tricou m-a făcut un om bogat”. Această mică cascadorie i-a determinat pe mulți să o merite cu popularizarea concursului de tricouri ude. "

Ursula Andress

Miere. Honey Ryder. 1962 a fost anul ei. Actrița „Dr. Nu” a devenit prima „Fată Bond” și a făcut din intrarea pe ecranul bikiniului umed un spectacol de privit în ceea ce „a devenit un moment iconic din istoria cinematografică și a modei când a ieșit din Marea Caraibelor într-un bikini alb sportiv un cuțit mare de scufundare pe șold. " Bikiniul nu a avut niciodată o prezentare mai bună și punem pariu că actrița de 78 de ani ar putea totuși să facă furori.

Farrah Fawcett

In cele din urma. Totul era despre păr! Nimeni din istoria divertismentului nu era mai faimos pentru un cap de păr decât Farrah Fawcett. Actrița „Îngerii lui Charlie” a devenit un nume cunoscut în 1976 după ce a preluat rolul lui Jill Monroe în serialul de succes ABC TV. Și apoi a fost Posterul! Pro Arts Inc. a transmis ideea unui poster FF agentului vedetei și știi restul poveștii. Acest poster a devenit cel mai bine vândut poster din vremea sa, vânzând peste 20 de milioane de exemplare. Acum este un înger sexy.


Simboluri sexuale, generali și boemi: o privire asupra tabloidului care a surprins euforia israeliană între războaie

În anii dintre războaiele de șase zile și războiul din Yom Kippur, această țară chiar și-a lăsat părul jos. Revista Ha'olam Hazeh a fost un cronicar fidel al acelor vremuri infidele. Amintiri din ultimele zile ale Pompei, în stil israelian.

Titlul din martie 1973 al revistei săptămânale Ha’olam Hazeh spunea totul: „Moshe Dayan versus Moshe Dayan: The Battle for the Cologne”. În centrul paginii erau ilustrate sticle de după bărbierit Moshe Dayan și apă de colonie, care veniseră pe piață cu câteva luni înainte. După cum se potrivea numelui, sticlele aveau linii foarte bărbătești, iar eticheta conținea profilul familiar și sloganul „un nume de neuitat”.

Aceasta nu a fost o inițiativă de afaceri a ministrului apărării de atunci - marea vedetă a vremii. A fost ideea unui director de publicitate în vârstă de 35 de ani, de asemenea, pe nume Moshe Dayan, care, spre disperarea „marelui” Dayan, se angajase în afaceri pentru el însuși.

„Până în 1972 am lucrat ca director de publicitate pentru Helena Rubinstein, iar numele meu era bine cunoscut în domeniul cosmeticelor”, relatează „micuțul” Dayan, care acum ține prelegeri pe diferite subiecte și este sculptor. „Era firesc ca după ce am plecat de acolo, să apară o oportunitate de afaceri: doi proprietari de magazine de cosmetice au venit la mine pentru a-i ajuta să vină cu o colonie pentru bărbați. Mi-au oferit bani pentru folosirea numelui meu sau a stocurilor, iar eu am ales stocurile. Retrospectiv, a fost o mișcare stupidă. ”

„Am ales un parfum, am conceput etichete frumoase, am mers în Italia și am ales o sticlă cu aspect masculin. În spiritul vremii, am vrut să-l bazăm pe un mesaj militarist - de fapt, am vrut să proiectez o sticlă în formă de grenadă de mână! Dayan avea imaginea unui comandant, o imagine care spunea victoria. Am reușit să vând 4.000 de unități în Germania și alte 4.000 în Africa de Sud. Dar când am început să facem publicitate în Israel, am început să primesc scrisori de la avocatul ministrului apărării și de la purtătorul de cuvânt al Ministerului Apărării, amenințând că vor fi acționate în justiție ”.

Agentul de publicitate Dayan intenționa să ducă cazul până la Înalta Curte de Justiție, „dar am subestimat puterea lui Dayan. La câteva luni după ce am început să-l vindem, am primit scrisori din Africa de Sud și Germania, spunând că își anulează contractele cu noi. Am rămas blocat cu sticle de după bărbierit și apă de colonie. Mai am câteva acasă. ”

Privind în urmă acum, această amuzantă anecdotă pare să exemplifice spiritul vremii sale: admirație neînfrânată pentru un comandant al armatei și manifestări militariste, pentru exploatările sexuale și pentru tot ceea ce Dayan - poate cel mai mare simbol al acelei perioade înainte de războiul Yom Kippur - întruchipat.

O examinare a numerelor dinainte de război ale lui Ha’olam Hazeh - cel puțin părțile care nu se ocupă de politică - dezvăluie o realitate care este destul de uimitoare pentru un cititor contemporan. Revista este plină de povești despre afaceri sexuale, bârfe, o pofta nemărginită de viață și o agendă care se referea la a întoarce un ochi curios asupra lumii. Scriitorii au acoperit tot felul de petreceri sălbatice, generali necinstiți și fete glamour care au schimbat „prietenele de sex feminin” și soții într-un ritm amețitor.

„Au fost ultimele zile ale Pompei”, își amintește editorul lui Ha’olam Hazeh de pe vremea aceea, Uri Avnery. „Oamenii care locuiesc în Pompei nu au crezut niciodată că un vulcan este pe punctul de a izbucni, la fel cum petrecătorii din Tel Aviv nu au visat niciodată că bucuria lor era pe cale să se sfârșească”.

„Cultura culinară israeliană, care câștigă mai multă importanță în viața israelianului mediu, primește o nouă adăugare în această săptămână”, se citea subtitul unui articol din 10 ianuarie din acea revistă despre un ghid al vinului care tocmai fusese publicat de Jurnalistul Haaretz Yoel Marcus. Cartea conținea un glosar de terminologie a vinului și o explicație a diferitelor tipuri de vin, toate selectate din anii lui Marcus ca corespondent la Paris. De asemenea, articolul a inclus în mod util câteva linii directoare pentru a ajuta cititorii „să vorbească inteligent despre vin”.

Fiți la curent: înscrieți-vă la newsletter-ul nostru

Va rugam asteptati…

Multumim pentru inregistrare.

Avem mai multe buletine informative despre care credem că veți găsi interesante.

Hopa. Ceva n-a mers bine.

Mulțumesc,

Adresa de e-mail pe care ați furnizat-o este deja înregistrată.

„În Israel în acea perioadă existau doar două feluri de vin - acru și dulce”, își amintește astăzi Marcus. „Vinul dulce era vin roșu și era sub toate criticile. Acru - vinul alb - era băut cu sifon. Am scris despre diferitele arome, cum să beți vin, tipuri de pahare. ”

De ce tocmai atunci? Ce s-a întâmplat chiar în acel moment care te-a determinat să ieși cu cartea?

„Sincer, cartea nu a vândut atâtea exemplare, poate 3.000, iar partea în care am vorbit despre piața israeliană a fost foarte mică. La acea vreme, Amos Kenan își publicase „Cartea plăcerilor” și, dacă trebuie să mă gândesc cu adevărat, aș spune că perioada dintre războiul de șase zile și războiul din Yom Kippur a fost o perioadă în care oamenii l-au trăit. sus. Au deschis restaurante mai sofisticate și oamenii au ieșit mai mult. Am fost populari, iar vinurile din străinătate au început să fie importate în Israel. Astăzi este posibil să obțineți cele mai bune vinuri din Israel, fără a menționa toate celelalte produse locale excelente. Dar nu era cazul atunci. Cartea mea a fost un manual. ”

Atmosfera festivă a fost evidentă câteva zile mai târziu în ianuarie, la nunta fastuoasă și foarte mediatizată a cuplului vedetă din 1973, actorii Yona Alian și Sassi Keshet. Cuplul, care s-a îndrăgostit nebunește de platoul filmului „Nurit”, s-a căsătorit într-o zi furtunoasă de iarnă. Reporterul „Rachel Bârfa”, alias Shula Yariv (mai târziu Tavor, după ce s-a căsătorit cu jurnalistul Eli Tavor, fondator al Ha’olam Hazeh), s-a făcut poetic. „Doi lei verzi enormi, confecționați din margarină înghețată, conduceau un vagon uriaș plin de fructe”, a scris ea, descriind ceea ce a avut loc în noul Hotel Pan American de pe plaja Bat Yam. „Peștele mare, fabricat tot din margarină, a servit drept fântâni pentru un bazin de margarină.”

La sfârșitul dublei răspândiri pline de imagini, ea a scris, mușcător: „Sărbătoarele acestui mare eveniment se potrivesc cu siguranță pe fundalul de la Hollywood: Ambele sunt vedete, ambele sunt superbe, ambele sunt pline de farmec. Deasupra capului lor era afișul filmului ‘Nurit’ - desigur din margarină. ”

„În dimineața nunții a fost anunțat la știri și am fost șocați - nu știam că va fi așa”, își amintește Alian acum. Reamintind de titlul „Nunta Margarinei”, ea râde. „Ne-am căsătorit într-un hotel care a organizat nunta gratuit, pentru publicitate. Nu ne-am implicat și ei au făcut recepția și l-au decorat cu aceste sculpturi de margarină - sculpturi de margarină cu adevărat mari. Era un fel de artă la vremea respectivă și au vrut să ne surprindă, dar nu am fost niciodată conștienți de ceea ce a fost planificat sau am crezut că nunta va face o stropire atât de mare. La vremea respectivă, nu existau atât de mulți oameni celebri, proporțiile erau diferite, pentru că existau doar canalul 1 și câteva filme pe care toată lumea le-a văzut - totul avea rating 100%.

„Îndrăgostirea noastră de pe platoul de filmare și tot ce s-a întâmplat după aceea, au primit o mulțime de acoperire, dar nu din cauza noastră”, continuă Alian. „Am fugit, am călătorit în străinătate. Expunerea și dragostea pe care le-am primit - totul a fost mult mai mare. Între războiul de șase zile și războiul Yom Kippur a fost o perioadă de normalitate. Am trăit într-un paradis. Totul a fost minunat și am fost cei mai buni. Nu ca toți ceilalți - am fost cei mai buni dintre toți și totul a fost cel mai bun și cel mai bun. Nu puteam merge pe stradă din cauza tuturor dragostei. Ne-au numit „zei” chiar, nu celebrități. Zei. ”

Poate că a fost cu adevărat această curiozitate despre care Alian vorbește și sentimentul euforic de bucurie sau poate că altceva a distins-o pe Ha’olam Hazeh - care, într-o strategie inteligentă de marketing, a amestecat critica politică incisivă cu articole tabloide și nuditate.

Sosirea paturilor de apă

O piesă lungă în Ha’olam Hazeh, care s-a închis în cele din urmă în 1993, a raportat sosirea binevenită a paturilor de apă în Israel. După ce aveau să devină un mare succes în America cu un an înainte, doi studenți au început să le importe aici în ‘73. Ceea ce aparent era doar un articol despre un nou produs de consum, a ajutat la vânzarea hârtiilor cu imagini ale unor tineri puțin îmbrăcați pe pat, în spiritul iubirii gratuite. „‘ Paturile de apă sunt un lucru bun, nu-i așa? ’, Îi șopti ea la ureche”, scrie revista, descriind flirtând dialogul dintre unul dintre antreprenori și iubita sa, după o „noapte de plăcere pe un pat dublu de apă”. „‘ Și amândoi știm asta. Și, în afară de paturile de apă, îl iubești și pe Israel - deci de ce nu amândoi împreună? ’”

Problemele sunt pline de imagini ale modelelor în creștere ale vremii: Cheli Goldenberg și „elevul de clasa a XII-a”, Tzipi Levine (mama Bar Refaeli). Coloana Rachel Gossip prezintă imagini cu tot felul de regine de frumusețe din concursurile care păreau să aibă loc în fiecare zi. Povestea dintre cântăreața-model Daliah Lavi și mult mai tânărul Mike Brant, un cântăreț popular, este raportată ca o veste fierbinte, la fel ca și căsătoria lui Tzadok Kraus (fratele muzicianului Shmulik) și stewardesa Rachel Perry, fostă Tyrie, cunoscută mai ales pentru o aventură cu Leonard Cohen. „Aș merge să o iau de la aeroport, doar să constat că nu urcase în avion pentru că Leonard venise în ultimul moment să o ia”, spune Kraus astăzi, despre căsătoria lor. „A fost vremea aceea nebună din anii ’70. Și era o persoană foarte liberă. Locuiește în Los Angeles în ultimii 33 de ani. "

La sfârșitul lunii februarie 1973, revista a raportat despre noul hot-spot de lângă ceea ce este acum Piața Rabin din Tel Aviv: restaurantul Jacky, frecventat de mulțimea boemă, precum și oameni de afaceri, ofițeri de armată și fete glamour. Imaginile lor împodobesc pagina: „Restaurantul care l-a uzurpat pe Cassit este locul unde trebuie să fie văzut tot„ cine este cine ”- în special din soiul feminin - vineri după-amiază.”

„A fost o perioadă a barurilor și cluburilor și a ieșirilor. Atunci era o anumită atmosferă ”, își amintește producătorul Micha Shaufstein. „O atmosferă de eliberare. S-au deschis cluburi și locuri fierbinți de viață de noapte, toți oamenii frumoși și nebuni, toată lumea mergea pe jumătate goală. Era o atmosferă de libertate totală. La Jacky ai avut ofițeri de armată, tipi cu bani și femei frumoase. Aveam puțin peste 20 de ani și mergeam acolo. Cred că Ha’olam Hazeh a înțeles atmosfera. Revista a sosit în fiecare joi și am aștepta. Moshe Dayan a fost vedeta și Gandhi [Rehavam Ze’evi], de asemenea. Ofițerii erau zei. Toți generalii se arătau în uniformă la cluburi și nu plăteau. I-ar invita să intre. Erau adevăratele vedete ale vremii. "

La începutul anului 1972, filmul „Ultimul tango la Paris” a apărut și a provocat o agitație imensă. Au existat rapoarte despre modul în care versiunea netăiată a filmului a fost introdusă de contrabandă la New York din Italia, unde nu a existat cenzură. Au fost povești despre scenele celebre, despre actori și regizor. Câteva luni mai târziu, pe 14 aprilie, revista a publicat un mare articol alcătuit din răspunsurile telespectatorilor locali la film, care, în mod surprinzător, a fost prezentat în Israel la Studio Cinema din Tel Aviv, fără ca o singură scenă să fi fost tăiată de cenzor. . Răspunsurile au variat de la „Așa se întâmplă în viață”, de la Haim Aharon, în vârstă de 25 de ani, până la „Ce este asta cu spatele?” - reacția îngrozită a unuia dintre Mitka Aharon când a părăsit cinematograful.

„A fost o senzație internațională uriașă”, își amintește criticul de film Haaretz, Uri Klein. „A fost cu siguranță evenimentul cinematografic din acel an. Și în Israel a provocat multă emoție. S-a vorbit mult despre scena untului și a existat un discurs, dar în principal a fost o senzație, un eveniment. Este greu să ne gândim la un alt film, deoarece acest lucru a provocat un astfel de entuziasm ”.

Klein continuă: „La acea vreme, nu toate filmele importante ale anului au ajuns în Israel. Asta nu se întâmpla încă. Cinemateca [din Tel Aviv] s-a deschis abia în 1972, iar în același an a fost creat departamentul de studii cinematografice de la Universitatea din Tel Aviv. A fost un moment de înflorire cinematografică în Israel, un moment de importanță istorică - acum aveți o instituție unde puteți studia cinema și o instituție unde puteți viziona filme importante. Înainte existau cluburi de film, dar totul era foarte întâmplător și întâmplător, nu instituționalizat. ”

Și dintr-o dată a apărut acest sentiment de „Suntem parte a lumii”?

"Absolut. Îmi amintesc, de asemenea, entuziasmul din jurul proiecției „Nașului”, care a apărut în același timp. Un sentiment că se întâmplă lucruri. ”

Sentimentul că am fost la un loc cu lumea și mesajele din acei ani - curiozitatea și rebeliunea, cultura sfidătoare a tinerilor, The Rolling Stones și The Beatles - și-a găsit expresia și în Israel. Dar poate că este mai exact să spunem că a fost o forță împotriva insularității și atitudinii de auto-protecție a anilor care au precedat victoria în războiul de șase zile din 1967.

Un aspect al acestei tendințe poate fi găsit în romanul din 1973 al jurnalistului Dahn Ben-Amotz „Lo Sam Zayin” („Nu dă naibii”), care a devenit un best-seller instantaneu în rândul tinerilor. „La doar două săptămâni de la publicare și, în ciuda secretului din jurul apariției sale, cartea promite să fie una dintre cele mai discutate opere literare ale anului.” Declarația făcută de Ha'olam Hazeh a apărut aparent din vânzările impresionante ale cărții având în vedere subiectul ei - un soldat de luptă rănit, contemporanul semnatarilor scrisorii seniorilor de liceu care se plângea de lipsa eforturilor de pace din partea guvernului Golda Meir. este plin de gândurile eretice ale soldatului împotriva armatei și a războiului. Și cu titlul său fără echivoc, cartea a fost, de asemenea, o provocare politică, precum și o ciocnire generațională.

„Dahn Ben-Amotz a adunat în jurul său un grup de tineri, liceeni din Tel Aviv, iar pentru ei a fost întreaga lume”, explică Levi Zini, regizorul filmului documentar despre Ben-Amotz, intitulat „Daba: Povestea lui o icoană israeliană ”Levi era el însuși adolescent la acea vreme. „A îndrăznit să pună întrebări. A fost o testare prudentă a granițelor patriotice, iar Ben-Amotz i-a dat expresie. Copiii generației mele au devorat cu nerăbdare cartea, deoarece a dat voce întrebărilor noastre și sinelui nostru individual. Dintr-o dată, părea să existe un loc pentru cine eram. Se potrivea spiritului vremii. ”

„Eram un fel de grup, cam radical, politic. Am făcut zgomot ”, își amintește Ami Amir, acum producător de televiziune, și unul dintre tinerii grupuri care s-au adunat în jurul lui Ben-Amotz. „Ne vedeam în jurul lui Cassit și într-o zi l-am întâlnit pe [scriitorul] Amos Kenan. Așa ne-am legat de el și Ben-Amotz ".

Cartea era despre voi toți?

“The book doesn’t depict the time. Ben-Amotz had to return to the army, he needed to exploit his hero’s disability to explain his heretical views. It was a banal reason, and meanwhile it was the time of the Greater Land of Israel − we’re kings of the world and anything goes. Our group was against that. We objected to that, and Ben-Amotz did, too. He saw something in us that he could identify with.”

Song and dance

In the early spring, the magazine reported that “a private businessman has volunteered to fund Israel’s representation in Europe − since the Israel Broadcasting Authority did not find the budget to do so.” It was referring to the Eurovision Song Contest of that year − the first year Israel participated − and Daphna Tours’ offer to pay to fly singers Ilanit, Shlomo Zach and Nurit Hirsch to the competition in Luxembourg.

“In 1972, I worked with Shlomo Zach in Germany, and I was approached and asked to represent Germany,” says Ilanit, who represented Israel in the competition and came in fourth with the song “Ey Sham” ‏(“Somewhere”‏). “I happened to see Israel on the lists of countries eligible to take part in the competition, and I contacted the Broadcasting Authority.”

It was already too late for 1972, and a year later the trip was nearly canceled due to funding problems, which the singer herself solved: “I went and did an ad for the travel agency Daphna Tours, and they put the picture on the cover of Lahiton [a weekly music magazine]. The agency paid for our flights − for me, Shlomo and Nurit − but there wasn’t money for the backup band, so I sang alone. I performed there without a band I got the dress from [designer] Roji Ben Yosef, and there was a whole story with the judges, too. According to the rules, two judges from each country were supposed to be there on stage − one senior and one junior − but the Broadcasting Authority didn’t have money to send judges. The [Channel 1] correspondent in Paris, Nakdimon Rogel, was recruited for the job, he brought his son with him, and that’s how Israel had its two judges.”

The 1973 Eurovision Song Contest was apparently one of the most-watched broadcasts in Israeli history: The streets were deserted that night, when the competition was being aired live for the first time, and beautiful, golden-haired Ilanit attracted the attention of the foreign media and forecasts for greater things.

On Israel’s 25th Independence Day, things looked good. Prime Minister Meir was interviewed on television and asked about the possibility of Egyptian aggression. In February 1973 Israel had downed a Libyan passenger jet that mistakenly entered Sinai airspace, and Golda blew a puff of smoke from her cigarette and replied to the interviewer: “If [Egyptian President Anwar] Sadat is thinking of messing with us, he should ask [Libyan leader Muammar] Gadhafi whether it’s worth it.”

In June 1973, the wax museum Armon Shalom opened in Tel Aviv’s Shalom Tower, and the ads for it starred the figures of Golda Meir and Moshe Dayan − more prominent personalities than even singer Yehoram Gaon, the big star of the period. Edna Lev’s “You and I were Born in ‘48” won that year’s Israel Song Festival, and Shlomo Artzi’s “The Song About the Land of Sinai” was playing frequently on the radio.

“There was great love for Israel then, and in Israel, too, people felt invincible and complacent,” says Ilanit.

“The whole early ‘70s was a time of cultural ferment,” adds Zini. “There was the Lul [comedy] troupe, and [poets Yona] Wallach and [Meir] Wieseltier, [artist] Jacques Katmor and [poet-writer] David Avidan, and everyone experimenting with drugs. It was like this giant valve had been released − this great discovery that there was a world outside that was trickling in to us here. It was the most marvelous cultural era ever here. A fantastic burst of creativity.”

“In retrospect, it was like everyone was going wild,” reflects Shula Yariv ‏(aka Rachel the Gossip‏) today. “People were carried away. There was this new openness and sexual permissiveness. And, by the way, I don’t think they were doing anything then that isn’t done today it’s just today it’s not reported on. There are stories, they’re just not being told. Maybe that’s something that’s happened since then. When the [Yom Kippur] war came it shattered everything. So it’s not that there were no more stories, but who felt like hearing them anymore? Who felt like telling them?”

Adds Avnery: “I called this period the ‘ship of fools,’ and it was a war between the two wars. The entire country was in a state of euphoria, the military officers were gods and the supreme god was Moshe Dayan. There was a general air of optimism: Our power was unlimited, our army was unbeatable and we could do whatever we pleased. It was reflected in everything − in poetry and art − until the Yom Kippur War came and put an end to it. We at Ha’olam Hazeh reflected the life around us, and the life of the bohemian crowd in Tel Aviv, of the cultural leaders, was carefree and pleasant. It really was.”

Total liberation? Permissiveness?

“Moshe Dayan was God, an international sex symbol, and tales of his sexual exploits were famous around the world. A cause for admiration. Dayan was the symbol of the time, and he embodied its spirit. You don’t find that anymore. The war put an end to that special time, a very fertile time in many ways, and it’s gone now.”

You make it sound like everything changed all at once.

“The Yom Kippur War changed the public atmosphere − or call it the public culture − all at once. The day after the war, it was a different Israel from that standpoint. The nightclubs emptied out, the whole thing came to a halt. I lived above Frederika’s nightclub at the time, and I often used to stop in there for a drink after work. From the time the war began [October 1973], all the nightlife was shut down. It was all over: the promiscuity and the sex, the whole ethos of the invincible army, the all-powerful Israeli supermen. The days of great joy did not return. In a certain sense, the present days of joy and euphoria are also the last days of Pompeii, just different ones.”

“The joy then came from excessive self-confidence. There were cultural figures and generals that everyone admired, and glamour girls. That doesn’t exist today because it’s not the same society anymore. What is similar is that feeling of the last days of Pompeii. Israeli society is closing its eyes so as not to see what’s right in front of it, but the self-confidence of that earlier time is gone now.”

Not so much the last days of Pompeii as: Eat and drink, for tomorrow we die?

“Like partying on the Titanic as we’re heading for the iceberg.”

Dahn Ben-Amotz. Yakov Agor Sassi Keshet and Yona Alian. Yakov Agor Ilanit. Yakov Agor “Last Tango in Paris,” 1972. The uncut version was shown in Israel.


How the Beatles Became International Sex Symbols - History

Intercommunal violence on Cyprus - tensions between the Greek and Turkish communities on Cyprus erupt into sporadic outbreaks of violence, with the UN called in the keep the fragile peace

Three years of peace followed Cypriot independence in 1960. Beneath the peace, however, lay the resentment of some Greek Cypriots at the prevention of political union with Greece and a growing conflict between Greek and Turkish Cypriots over the bicommunal provisions of the constitution.

EOKA, a Greek Cypriot nationalist guerrilla organisation that fought a campaign for the end of British rule had officially disbanded and surrendered its weapons in 1959. In fact, however, many former EOKA members had retained their weapons, and some joined groups of armed irregulars. The Turkish Cypriot community responded to the growth of these groups by reviving the TMT (Turkish paramilitary) in early 1962.

In late November 1963, the president, Archbishop Makarios, introduced a proposal to amend the constitution in a way that would ensure the dominance of Greek Cypriots. In the tense atmosphere that ensued, a street brawl broke out on December 21 in Nicosia, between Turkish Cypriots and Greek Cypriot police. This fight was followed by major attacks by Greek Cypriot irregulars in Nicosia and Larnaca. Looting and destruction of Turkish villages forced many Turkish Cypriots to withdraw into defensible enclaves guarded by the TMT paramilitary. Fearful that Turkey might carry out its threat to invade, Makarios agreed to British intervention from its bases on the island.

On December 27 British troops assumed positions between opposing irregular units, and the fighting, which had claimed 100 lives on each side during the previous week, subsided temporarily. The cease-fire held in Nicosia, but by mid-February 1964 Greek Cypriot attacks at Limassol brought a renewed threat of Turkish landings. Britain appealed to the UN Security Council, and on March 4, 1964, the UN approved a resolution to establish an international peace-keeping force for duty in Cyprus.

In June 1964, the National Guard was formed by the Greek Cypriot government, which also instituted male conscription. The National Guard absorbed the various private armies into a single national military force loyal to the government and served as a deterrent to a Turkish invasion. Greek Army soldiers were clandestinely transferred to the guard on a large scale by midsummer the National Guard consisted of an estimated 24,000 officers and men, about half from the Greek Army. Grivas, thought to be the only man who could enforce discipline over the disparate armed Greek Cypriot factions, returned from Athens to command the National Guard.

Meanwhile, the Turkish Cypriot community, in its newly created enclaves, organized militarily under the TMT, supported by conscription of Turkish Cypriot youths. Turkish Army troops trained the Turkish Cypriot forces, totaling an estimated 10,000 fighters, and directed the defense of the enclaves. Outbreaks of fighting continued, although the presence of UN prevented them from erupting into major hostilities. In August 1964, the National Guard carried out a coordinated sea and land assault against Kokkina on the northwest coast, in an effort to cut off the major Turkish Cypriot supply line to the mainland. Heavy attacks by Turkish jet fighter-bombers, operating beyond the range of the Greek Air Force, halted the Greek Cypriot offensive. Several years of peace followed, while the two communities improved their military readiness.


Bardot was master songwriter Bob Dylan’s muse for a time as well. In fact, he dedicated the first song he ever wrote to Bardot. In his second album, he mentions her by name in “I Shall Be Free.”

Well, my telephone rang it would not stop
It’s President Kennedy callin’ me up
He said, “My friend, Bob, what do we need to make the country grow?”
I said, “My friend, John, Brigitte Bardot…”


From sex symbol to angel of the wards

Link copiat

Julie in her modelling days

The obituaries for Norwegian Bond Girl Julie Ege, who died last month, swept in on a wave of seductive imagery. She was the poster-girl beauty of a generation and the stunning pictures from her raft of Seventies sex comedies provided a gallery of her charms that were celebrated with cinematic nostalgia.

The deserved recognition for her place on British film history’s timeline sold her short, though, for behind the saucy poses lies the remarkable story of a girl from a bicycle factory who became an international sex symbol, gave it all up and devoted her life to caring for others.

Julie’s astonishing life was dominated by a 22-year battle with cancer and a determination to support other sufferers through their dark days.

In 2001 with her daughters and grandson

Condolences have been flooding in to Julie’s Oslo home since her death aged 64 on April 29. There have been notes from film fans but also many from members of the public who viewed her as an inspiration for tackling cancer and empowering women across Scandinavia.

She discovered her breast cancer while revising for nursing exams and believes the knowledge from studying helped her to detect the disease early Sadly, though, this was was only the start as she then struggled with ovarian and lung cancer.

“We’ve been overwhelmed by the reaction from people whose lives she touched,” said her 29-year-old daughter Ella Ege Bye in an exclusive interview with the Sunday Express. “She got cancer at 42 and was always open about it. She also retrained to become a nurse in her 40s and that gave lots of women the confidence

“She was an incredibly beautiful woman but also a vibrant, caring person who had an impact on a generation of women. There was a different persona from the film star because she moved away from the bright lights to live in the country where she would make her own jams, grow vegetables and make her own clothes.

She was very independent and self-sufficient but then she could just transform and look so beautiful and glamorous.”

Ella, who is seven months pregnant, added: “It is so tragic that she has gone and she won’t be here

for the birth but her presence will never leave us. She had so much energy and one of the saddest parts of her getting ill was that she could not go out for walks in the country.”

Julie’s funeral took place in Norwegian capital Oslo last Friday and the congregation sang Imagine by John Lennon in a moving tribute.

She was working at a bicycle factory in the town of Sandness, south-west Norway, when her beauty was first noticed. She began modelling at 15, took the Miss Norway crown at 19, entered the Miss Universe competition and was soon travelling around the world. She married a Norwegian army officer and then a British dentist but both marriages failed.

Stardom really beckoned when she was picked for a part in the 1969 Bond film On Her Majesty’s Secret Service and she then almost trademarked the role of exotic temptress in a string of risqué films throughout the Seventies. She was pursued by high-profile actors and stars but she dated former Beatles confidant and record producer Tony Bramwell for seven years.

“She was the love of my life. She was amazingly beautiful and got the sort of coverage that Princess Di had but she was also a dynamic person and a wonderful mother,” said Bramwell, author of the acclaimed book, Magical Mystery Tours: My Life with the Beatles. “She was very funny and completely got British humour. That made her

a natural for those sort of films, but there was so much more to her than a beautiful figure.

“Those risqué films became soft porn, which she refused, so she turned to stage work. She really was a template for a lot of glamorous figures today who make fortunes. She got paid very little and had lousy agents. If she had started a decade ago, she would have made millions.”

The couple drifted apart and Julie returned to Norway where she joined the influential Rogaland Theatre in Stavanger. Fellow actress Gretelill Tangen, 58, recalled: “We have never had so much attention as when Julie joined us but there was nothing of the prima donna about her.

“She had no formal training as an actress but was willing to learn from older actors and everyone loved her because she was so down to earth.”

Her eldest daughter Joanna Syson, 38, a film editor based in Shanghai, was born in west London and remembers the early years on the London showbiz circuit and having Queen guitarist Brian May as a neighbour. “Mum wasn’t materialistic at all and we’d go around in a battered Mini,” said Joanna. “She loved being in the garden and would be digging around in the afternoon and then go inside and transform herself into this beautiful, glamorous woman to go

to shows or meet contacts.

“It is amazing to think that she started out in a bicycle factory and then became an international star and then a nurse. She spoke publicly about her cancer because she wanted to help other women and hope they wouldn’t suffer in silence or isolation. It became a cause for her.

“She had a mastectomy and then spoke about plastic surgery and her openness was a breath of fresh air. She refused to let it blight her life and hoped others would feel the same way. The fact that she was studying and determined to create a new life in her 40s also inspired people.”

Julie wrote her autobiography, Naked, and still attended premieres and events in Oslo while holding down a demanding job as a nurse in the Buskerud Hospital in Drammen. “She was a nurse and loved the job,” said Joanna. “You would never have known she had this rich, glamorous past if you’d met her. You would have just been struck by her energy, her smile and her determination to help people.

“Even at the very end she was strong and stunningly beautiful. The last thing she did was give us a big, blinding smile. It was a beautiful moment and she has gone way too soon.”

Julie’s family are not the only ones to feel so bereft. Her saucy film roles may have initially shocked the small-town society from whence she came, but Julie Ege soon won them over with her unpretentious and hardworking attitude.

“At first, her roles in glamorous films were frowned upon simply because no one from Norway had done that stuff before,” said Rogaland Theatre administrator Knud Helge Robberstad, “but she was much loved throughout the nation for her acting ability, her openness and her dignity. It was a great sense of national loss when she passed away.”

In the town that initially damned her, they are organising a statue to commemorate the life of a woman who stepped away from the showbiz shallows to have a deep, lasting impact on society.

Comments Unavailable

Sorry, we are unable to accept comments about this article at the moment. However, you will find some great articles which you can comment on right now in our Comment section.


Cuprins

Paul McCartney was inspired to write "Helter Skelter" after reading an interview with the Who's Pete Townshend where he described their September 1967 single, "I Can See for Miles", as the loudest, rawest, dirtiest song the Who had ever recorded. He said he then wrote "Helter Skelter" "to be the most raucous vocal, the loudest drums, et cetera". [5] On 20 November 1968, two days before the release of The Beatles (also known as "the White Album"), [6] McCartney gave Radio Luxembourg an exclusive interview, in which he commented on several of the album's songs. [7] Speaking of "Helter Skelter", he said:

Umm, that came about just 'cause I'd read a review of a record which said, "and this group really got us wild, there's echo on everything, they're screaming their heads off." And I just remember thinking, "Oh, it'd be great to do one. Pity they've done it. Must be great – really screaming record." And then I heard their record and it was quite straight, and it was very sort of sophisticated. It wasn't rough and screaming and tape echo at all. So I thought, "Oh well, we'll do one like that, then." And I had this song called "Helter Skelter," which is just a ridiculous song. So we did it like that, 'cos I like noise. [8]

In British English, a helter skelter is a fairground attraction consisting of a tall spiral slide winding round a tower, but the phrase can also mean chaos and disorder. [9] McCartney said that he was "using the symbol of a helter skelter as a ride from the top to the bottom the rise and fall of the Roman Empire – and this was the fall, the demise." [5] He later said that the song was a response to critics who accused him of writing only sentimental ballads and being "the soppy one" of the band. [10] Although the song is credited to the Lennon–McCartney partnership, it was written by McCartney alone. [11] John Lennon acknowledged in a 1980 interview: "That's Paul completely." [12]

The song is in the key of E major [13] and the 4/4 time signature. [14] On the recording issued on The Beatles, its structure comprises two combinations of verse and chorus, followed by an instrumental passage and a third verse–chorus combination. This is followed by a prolonged ending during which the performance stops, picks up again, fades out, fades back in, and then fades out one final time amidst a cacophony of sounds. [14] The stereo mix features one more section that fades in and concludes the song. [15]

The only chords used in the song are E7, G and A, with the first of these being played throughout the extended ending. Musicologist Walter Everett comments on the musical form: "There is no dominant and little tonal function organized noise is the brief." [16] The lyrics initially follow the title's fairground theme, from the opening line "When I get to the bottom I go back to the top of the slide". McCartney completes the first half-verse with a hollered "and then I see you AGAIN!" [17] The lyrics then become more suggestive and provocative, with the singer asking, "But do you, don't you, want me to love you?" [18] In author Jonathan Gould's description, "The song turns the colloquialism for a fairground ride into a metaphor for the sort of frenzied, operatic sex that adolescent boys of all ages like to fantasize about." [19]

"Helter Skelter" was recorded several times during the sessions for the White Album. During the 18 July 1968 session, the Beatles recorded take 3 of the song, lasting 27 minutes and 11 seconds, [20] although this version is slower, differing greatly from the album version. [21] [nb 1] Chris Thomas produced the 9 September session in George Martin's absence. [2] He recalled the session was especially spirited: "While Paul was doing his vocal, George Harrison had set fire to an ashtray and was running around the studio with it above his head, doing an Arthur Brown." [22] [nb 2] Ringo Starr recalled: "'Helter Skelter' was a track we did in total madness and hysterics in the studio. Sometimes you just had to shake out the jams." [24]

On 9 September, 18 takes lasting approximately five minutes each were recorded, with the last one featured on the original LP. [22] At around 3:40, the song completely fades out, then gradually fades back in, fades back out partially, and finally fades back in quickly with three cymbal crashes and shouting from Starr. [25] During the end of the 18th take, he threw his drum sticks across the studio [15] and screamed, "I got blisters on my fingers!" [5] [22] [nb 3] Starr's shout was only included on the stereo mix of the song the mono version (originally on LP only) ends on the first fadeout without Starr's outburst. [27] [nb 4] On 10 September, the band added overdubs which included a lead guitar part by Harrison, trumpet played by Mal Evans, piano, further drums, and "mouth sax" created by Lennon blowing through a saxophone mouthpiece. [27]

According to music critic Tim Riley, although McCartney and Lennon had diverged markedly as songwriters during this period, the completed track can be seen as a "competitive apposition" to Lennon's "Everybody's Got Something to Hide Except Me and My Monkey". He says that whereas Lennon "submerges in scatalogical contradictions" in his song, "Helter Skelter" "ignites a scathing, almost violent disorder". [29] In Everett's view, rather than the Who's contemporaneous music, the song "sounds more like an answer to [Yoko Ono]", the Japanese performance artist who, as Lennon's new romantic partner, was a constant presence at the White Album sessions and a source of tension within the band. [30]

"Helter Skelter" was sequenced as the penultimate track on side three of The Beatles, between "Sexy Sadie" and "Long, Long, Long". [31] [32] The segue from "Sexy Sadie" was a rare example of a gap (or "rill") being used to separate the album's tracks, and the brief silence served to heighten the song's abrupt arrival. [33] In Riley's description, the opening guitar figure "demolishes the silence . from a high, piercing vantage point" while, at the end of "Helter Skelter", the meditative "Long, Long, Long" begins as "the smoke and ash are still settling". [34] The double LP was released by Apple Records on 22 November 1968. [6] [35]

In his contemporary review for International Times, Barry Miles described "Helter Skelter" as "probably the heaviest rocker on plastic today", [36] while the NME ' s Alan Smith found it "low on melody but high on atmosphere" and "frenetically sexual", adding that its pace was "so fast they all only just about keep up with themselves". [37] Record Mirror ' s reviewer said the track contained "screaming pained vocals, ear splitting buzz guitar and general instrumental confusion, but [a] rather typical pattern", and concluded: "Ends sounding like five thousand large electric flies out for a good time. John [sic] then blurts out with excruciating torment: 'I got blisters on my fingers!'" [38]

În recenzia sa pentru Rolling Stone, Jann Wenner wrote that the Beatles had been unfairly overlooked as hard rock stylists, and he grouped the song with "Birthday" and "Everybody's Got Something to Hide Except Me and My Monkey" as White Album tracks that captured "the very best traditional and contemporary elements in rock and roll". He described "Helter Skelter" as "excellent", highlighting its "guitar lines behind the title words, the rhythm guitar track layering the whole song with that precisely used fuzztone, and Paul's gorgeous vocal". [39] Geoffrey Cannon of Gardianul praised it as one of McCartney's "perfect, professional songs, packed with exact quotes and characterisation", and recommended the stereo version for the way it "transforms" the song "from a nifty fast number to one of my best 30 tracks of all time". [40] Although he misidentified it as a Lennon song, William Mann of Timpurile said "Helter Skelter" was "exhaustingly marvellous, a revival that is willed by creativity . into resurrection, a physical but essentially musical thrust into the loins". [41]

In June 1976, Capitol Records included the track on its themed double album compilation Rock 'n' Roll Music. In the United States, the song was also issued on the single promoting the album, as the B-side to "Got to Get You into My Life". [42] In 2012, "Helter Skelter" appeared on the iTunes compilation album Tomorrow Never Knows, which the band's website described as a collection of "the Beatles' most influential rock songs". [43]

Charles Manson told his followers that several White Album songs, particularly "Helter Skelter", [44] were part of the Beatles' coded prophecy of an apocalyptic war in which racist and non-racist whites would be manoeuvred into virtually exterminating each other over the treatment of blacks. [45] [46] [47] Upon the war's conclusion, after black militants had killed off the few whites that had survived, Manson and his "Family" of followers would emerge from an underground city in which they would have escaped the conflict. As the only remaining whites, they would rule blacks, who, as the vision went, would be incapable of running the United States. [48] Manson employed "Helter Skelter" as the term for this sequence of events. [49] [50] In his interpretation, the lyrics of the Beatles' "Helter Skelter" described the moment when he and the Family would emerge from their hiding place – a disused mine shaft in the desert outside Los Angeles. [51]

Los Angeles Deputy District Attorney Vincent Bugliosi, who led the prosecution of Manson and four of his followers who acted on Manson's instruction in the Tate-LaBianca murders, named his best-selling book about the murders Balmeș talmeș. [52] At the scene of the LaBianca murders in August 1969, the phrase (misspelt as "HEALTER SKELTER") was found written in the victims' blood on the refrigerator door. [53] [54] In October 1970, Manson's defence team announced that they would call on Lennon for his testimony. Lennon responded that his comments would be of no use, since he had no hand in writing "Helter Skelter". [55]

Bugliosi's book was the basis for the 1976 television film Balmeș talmeș. The film's popularity in the US ensured that the song, and the White Album generally, received a new wave of attention. As a result, Capitol planned to issue "Helter Skelter" as the A-side of the single from Rock 'n' Roll Music but relented, realising that to exploit its association with Manson would be in poor taste. [42] In the final interview he gave before his murder in December 1980, Lennon dismissed Manson as "just an extreme version" of the type of listener who read false messages in the Beatles' lyrics, such as those behind the 1969 "Paul is dead" rumour. [56] Lennon also said: "All that Manson stuff was built around George's song about pigs ['Piggies'] and this one, Paul's song about an English fairground. It has nothing to do with anything, and least of all to do with pe mine." [12]

Reflecting on "Helter Skelter" and its appropriation by the Manson Family in his 1997 authorised biography, Many Years from Now, McCartney said, "Unfortunately, it inspired people to do evil deeds" and that the song had acquired "all sorts of ominous overtones because Manson picked it up as an anthem". [57] Author Devin McKinney describes the White Album as "also a black album" in that it is "haunted by race". [58] He writes that, in spite of McCartney's comments about the song's meaning, the recording conveys a violent subtext typical of much of the album and that "Here as ever in Beatle music, performance determines meaning and as the adrenalized guitars run riot, the meaning is simple, dreadful, inarticulate, and instantly understood: She's coming down fast." [1] In her 1979 collection of essays about the 1960s, titled The White Album, Joan Didion wrote that many people in Los Angeles cite the moment that news arrived of the Manson Family's killing spree in August 1969 as having marked the end of the decade. [59] According to author Doyle Greene, the Beatles' "Helter Skelter" effectively captured the "crises of 1968", which contrasted sharply with the previous year's Summer of Love ethos. He adds: "While 'Revolution' posited a forthcoming unity as far as social change, 'Helter Skelter' signified a chaotic and overwhelming sense of falling apart occurring throughout the world politically and, not unrelated, the falling apart of the Beatles as a working band and the counterculture dream they represented." [60]

Writing for MusicHound in 1999, Guitar World editor Christopher Scapelliti grouped "Helter Skelter" with "While My Guitar Gently Weeps" and "Happiness Is a Warm Gun" as the White Album's three "fascinating standouts". [61] The song was noted for its "proto-metal roar" by AllMusic reviewer Stephen Thomas Erlewine. [62] Coinciding with the 50th anniversary of the album's release, Jacob Stolworthy of Independentul listed the same three songs as its best tracks, with "Helter Skelter" ranked at number 3. Stolworthy described it as "one of the best rock songs ever recorded" and concluded: "The fiercest, most blistering track that arguably paved the way for heavy metal is far removed from the tame love songs people were used to from [McCartney]." [63] Writing in 2014, Ian Fortnam of Rock clasic magazine cited "Helter Skelter" as one of the four songs that made the Beatles' White Album an "enduring blueprint for rock", along with "While My Guitar Gently Weeps", "Yer Blues" and "Don't Pass Me By", in that together they contained "every one of rock's key ingredients". [64] In the case of McCartney's song, he said that the track was "one of the prime progenitors of heavy metal" and a major influence on 1970s punk rock. [65]

Ian MacDonald dismissed "Helter Skelter" as "ridiculous, [with] McCartney shrieking weedily against a massively tape-echoed backdrop of out-of-tune thrashing", and said that in their efforts to embrace heavy rock, the Beatles "comically overreached themselves, reproducing the requisite bulldozer design but on a Dinky Toy scale". He added: "Few have seen fit to describe this track as anything other than a literally drunken mess." [66] Rob Sheffield was also unimpressed, writing in The Rolling Stone Album Guide (2004) that, following the double album's release on CD, "now you can program 'Sexy Sadie' and 'Long, Long, Long' without having to lift the needle to skip over 'Helter Skelter.'" [67] David Quantick, in his book Revolution: The Making of the Beatles' White Album, describes the song as "Neither loud enough to bludgeon the listener into being impressed nor inspired enough to be exciting". He says that it becomes "a bit dull after two minutes" and, after its laboured attempts at an ending, is "redeemed only" by Starr's closing remark. [68]

Doyle Greene states that the Beatles and Manson are "permanently connected in pop-culture consciousness" as a result of Manson's interpretation of "Helter Skelter", "Piggies" and other tracks from the White Album. [69] "Helter Skelter" was voted the fourth worst song in one of the first polls to rank the Beatles' songs, conducted in 1971 by WPLJ and Vocea Satului. [70] According to Walter Everett, it is typically among the five most-disliked Beatles songs for members of the baby boomer generation, who made up the band's contemporary audience during the 1960s. [71]

In March 2005, Î magazine ranked "Helter Skelter" at number 5 in its list of the "100 Greatest Guitar Tracks Ever". [72] The song appeared at number 52 in Rolling Stone ' s 2010 list of "The 100 Greatest Beatles Songs". [25] [73] In 2018, Kerrang! selected it as one of "The 50 Most Evil Songs Ever" due to its association with the Manson Family murders. [74]

Since the producers of the 1976 film Balmeș talmeș were denied permission to use the Beatles recording, the song was re-recorded for the soundtrack by the band Silverspoon. [75] In 1978, Siouxsie and the Banshees included a cover of "Helter Skelter", produced by Steve Lillywhite, on their debut album The Scream. [76] [77] Fortnam cites the band's choice as reflective of how the song's "macabre association with Charles Manson . only served to accentuate its enduring appeal in certain quarters". [78] [nb 5] While discussing the stereo and mono versions of the Beatles' 1968 recording and the best-known cover versions of the track up to 2002, Quantick highlights the Siouxsie and the Banshees recording as "the best of all of them". [68] [nb 6] In an article about the legacy of the song, Timpuri financiare further commented the Banshees' version, saying: "The abrupt ending on “stop” also leaves the listener mentally stuck at the top of the slide with no way down". [80]

In 1983, Mötley Crüe included the song on their album Shout at the Devil. Nikki Sixx, the band's bassist, recalled that "Helter Skelter" appealed to them through its guitars and lyrics, but also because of the Manson murders and the song's standing as a "real symbol of darkness and evil". [81] Mötley Crüe's 1983 picture disc for the song featured a photo of a fridge with the title written in blood. [81] That same year, the Bobs released an a-cappella version on their album The Bobs. [82] It earned them a 1984 Grammy nomination for Best Vocal Arrangement for Two or More Voices. [83]

In 1988, a U2 recording was used as the opening track on their album Rattle and Hum. The song was recorded live at the McNichols Sports Arena in Denver, Colorado on 8 November 1987. [84] Introducing the song, Bono said, "This is a song Charles Manson stole from the Beatles. We’re stealing it back." [75] Aerosmith included a cover of "Helter Skelter", recorded in 1975, on their 1991 compilation Pandora's Box compilare. [85] Aerosmith's version charted at number 21 on the Album Rock Tracks chart in the US. [86]

Oasis recorded a cover of "Helter Skelter", released in 2000 as a B-side on their "Who Feels Love?" single. They also performed the song on their world tour promoting their fourth album Standing on the Shoulder of Giants in the early 2000s. A live version was included on their live album Familiar to Millions.

"Helter Skelter" has been covered by many other artists, including Pat Benatar, Vow Wow, Hüsker Dü, Dianne Heatherington and Thrice. [87] Shock rock band Rob Zombie collaborated with Marilyn Manson on a cover of "Helter Skelter", which was released in 2018 to promote their co-headlining "Twins of Evil: The Second Coming Tour". [88] [89] Their version peaked at number nine on Panou 's Hard Rock Digital Songs. [90]

Since 2004, McCartney has frequently performed "Helter Skelter" in concert. The song featured in the set lists for his '04 Summer Tour, The 'US' Tour (2005), Summer Live '09 (2009), the Good Evening Europe Tour (2009), the Up and Coming Tour (2010–11) and the On the Run Tour (2011–12). [75] He also played it on his Out There Tour, which began in May 2013. In the last tours, the song has been generally inserted on the third encore, which is the last time the band enters the stage. It is usually the last but one song, performed after "Yesterday" and before the final medley including "The End". McCartney played the song on his One on One Tour at Fenway Park on 17 July 2016 accompanied by the Grateful Dead's Bob Weir and New England Patriots football player Rob Gronkowski.

McCartney performed the song live at the 48th Annual Grammy Awards on 8 February 2006 at the Staples Center in Los Angeles. In 2009, he performed it live on top of the Ed Sullivan Theater during his appearance on the Late Show with David Letterman. [75]

At the 53rd Grammy Awards in 2011, the version of the song from McCartney's live album Good Evening New York City, recorded during the Summer Live '09 tour, won in the category of Best Solo Rock Vocal Performance. [91] [92] It was his first solo Grammy Award since he won for arranging "Uncle Albert/Admiral Halsey" in 1972. [93] McCartney opened his set at 12-12-12: The Concert for Sandy Relief with the song. [94] On 13 July 2019, the final date of his Freshen Up tour, [95] McCartney performed "Helter Skelter" at Dodger Stadium in Los Angeles with Starr playing drums. [96]


Priveste filmarea: The Beatles - While My Guitar Gently Weeps