Celadon: aprecierea ceramicii pentru valoarea sa estetică și calitățile sale magice

Celadon: aprecierea ceramicii pentru valoarea sa estetică și calitățile sale magice


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Ceramica celadon (cunoscută și sub numele de „celadon”) este un tip de ceramică originară din China antică. Celadon este bine cunoscut pentru culoarea sa de jad, pe care o obține datorită glazurii care se aplică pe suprafața unei bucăți de ceramică. În limba chineză, celadon este cunoscut sub numele de 青瓷 (transliterat ca „qing ci”), care înseamnă „porțelan verde”.

O explicație populară pentru utilizarea cuvântului „celadon” în Occident este că acest cuvânt a fost derivat dintr-un roman pastoral francez din secolul al XVII-lea numit L’Astrée. În acest roman, scris de Honoré d'Urfé, există un personaj pe nume Céladon, care a fost descris ca un tânăr îmbrăcat în verde.

Originile Celadonului

Istoria celadonului în sine precedă d'Urfé cu multe secole. Potrivit unei surse, producția de celadon își are originea în perioada celor cinci dinastii și zece regate, adică la un moment dat din secolul al X-lea d.Hr.

Celadon chinezesc cu decupaj și decorație gravată, secolul al X-lea.

O altă sursă oferă o dată anterioară, sugerând că acest tip de ceramică a apărut pentru prima dată în secolul al VII-lea d.Hr., fie în timpul dinastiei Sui, fie dinastiei Tang. Celadonul acestei perioade a fost o dezvoltare a articolelor Yueh anterioare, care au fost produse în perioada celor șase dinastii, un termen colectiv pentru șase dinastii chineze care încep cu cele trei regate și se termină cu dinastiile sudice și nordice.

  • Misterul insulei vizitat de exploratorul chinez din secolul al XV-lea, Zheng He, acum rezolvat
  • Amprenta digitală găsită pe bolul ceramic are o vechime de peste 5.000 de ani

Ulciorul cu duș cu cap în formă de fenix, China de Nord, Shaanxi, Yaozhou. Sfârșitul celor cinci dinastii, începutul dinastiei Song Nord, a doua jumătate a secolului al X-lea. Celadon din gresie gri. Muzeul Guimet, Paris.

Celadon coreean

Indiferent de momentul în care a început să fie produs, celadonul a devenit popular printre vechii chinezi și chiar dincolo de granițele țării respective. De exemplu, producția de celadon s-a răspândit în peninsula coreeană în secolele IX / X d.Hr. Înainte de acest moment, tipul obișnuit de ceramică produs în această regiune era în cea mai mare parte gresie netezită. Se spune că geamurile ceramicii s-au făcut ocazional în perioada Unificată Silla (secolele VII - X d.Hr.).

Ceainic dragon, din celadon. Fabricat în secolul al XII-lea. Comorile naționale din Coreea de Sud nr.61 ( Comori naționale din Coreea de Sud )

Cu toate acestea, în timpul dinastiei Koryo / Goryeo care a urmat, celadon a început să se facă în peninsula coreeană. În afară de a fi un semn al progresului tehnologic în domeniul producției ceramice, fabricarea celadonului în Coreea a marcat și o schimbare a modului în care coreenii priveau ceramica. Înainte de această perioadă, ceramica a servit fie unui scop funcțional, fie simbolic. Odată cu introducerea celadonului, ceramica a început să fie apreciată pentru valoarea sa estetică.

Recipient de apă în formă de barcă al cuptorului Longquan, dinastia Yuan. ( CC BY SA 3.0 )

Un produs valoros pentru comerț

Popularitatea celadonului nu s-a oprit cu siguranță în Coreea. Din naufragii descoperite în Marea Chinei de Sud, a existat o piață pentru celadon în afara Chinei. Cererea pentru acest tip de ceramică a fost probabil suficient de substanțială pentru ca oamenii să își producă propria celadonă atunci când oferta din China a încetat. În 1371, primul împărat al dinastiei Ming, împăratul Hongwu, a decis să-și oprească supușii să se angajeze în comerțul de peste mări. Cam în același timp, producția de celadon a început în Thailanda. Migranții chinezi din acea regiune au început să producă celadon, deoarece exista o cerere fără aprovizionare.

  • Un centru de ceramică de înaltă tehnologie a fost descoperit pe site-ul Chinei din epoca bronzului, cu 3.000 de ani înainte de Revoluția Industrială
  • Palat imens de lună plină Excavat de o echipă de colaborare rară din Coreea de Nord și de Sud

Un celadon din Dinastia Ming Longquan din Zhejiang, secolele 14-15, găzduit acum în Smithsonian din Washington, D.C. (CC BY-SA 3.0 )

Este de netăgăduit că celadon a fost apreciat pentru frumusețea sa. Cu toate acestea, atracția sa a depășit simpla estetică. Datorită culorii sale asemănătoare jadului, celadon se credea că ar fi fost ca jadul și, ca această piatră, se credea că posedă calități magice. De exemplu, se credea că celadonul va suna dacă se apropie pericolul și că ar schimba culoarea dacă mâncarea / băutura plasată în el ar fi otrăvită.

Poate că un alt factor care a făcut din celadon un obiect atât de apreciat este faptul că nu este exact un lucru ușor de produs. Producția de celadon poate dura între patru și zece săptămâni, în funcție de dimensiunea vasului și de complexitatea designului său. În afară de aceasta, procesul de producție este, de asemenea, oarecum complex, implicând etape care trebuie urmate cu precizie pentru a se asigura că produsul dorit poate fi obținut.

Vas cu design Twin Fish, China, cuptoare Longquan, provincia Zhejiang, dinastia Song din sud, secolul al XIII-lea d.Hr., ceramică longadon celadon - Muzeul etnologic, Berlin.

Timp de mai multe secole, celadonul a fost foarte apreciat de curtea imperială chineză, iar mai târziu dorința pentru obiectele artistice s-a răspândit odată cu contactul și comerțul. Chiar și astăzi, oamenii prețuiesc cu drag moștenirile și antichitățile făcute în verde.

Vază funerară și copertă, China, cuptoare Longquan, provincia Zhejiang, dinastia Song din nord, secolele X sau XI d.Hr., gresie vitrată verde - Muzeul Etnologic, Berlin.

Imagine prezentată: (L-R): O vază de celadon din dinastia cântecului chinezesc datată din secolul al XIII-lea. Celadon Longquan din colecția de celadon chinezesc; Palatul Topkapı, Istanbul, Turcia. ( CC BY SA 3.0 ) Arzător de tămâie Celadon din dinastia coreeană Goryeo, cu glazură de pescar. Comoara Națională din Coreea de Sud # 95 Coreea din secolul al XII-lea. ( CC BY SA 3.0 ) Celadon este locul 68 în Tezaurul Național al Coreei de Sud. Secolul al XII-lea Coreea. ( CC BY SA 3.0 )


Distribuție educație generală A & ampS: cursuri de artă și științe umaniste

Cursul oferă un studiu analitic și comparativ al operelor din literatură din Antichitate până în secolul al XVII-lea. Include lucrări precum Odiseea lui Homer, tragedia greacă, Simpozionul lui Platon, Infernul lui Dante, Decameronul lui Boccaccio, selecții din Eseurile lui Montaigne și Regele Lear al lui Shakespeare.

HUMN 1120 Introducere în literatura umanistă II

Mai multe secțiuni

Prezintă studenților lucrări din perioadele literare occidentale majore (baroc, iluminism, romantism, realism, modernism, post-modernism) din secolele XVII - XXI în afara granițelor lor literare naționale.

HUMN 1210 Introducere în științe umane 1 Artă și muzică

Giulia Bernardini

Humanities 1210 este un curs de 3 ore de credit care se întâlnește de trei ori pe săptămână. Cursul oferă un studiu analitic și comparativ al lucrărilor în muzică și arte vizuale din Antichitate până în secolul al XVII-lea.

Muzică: un studiu cronologic al muzicii clasice occidentale din Antichitatea clasică până la Renaștere, cu accent principal pe evoluțiile artei compoziției muzicale occidentale în contextul său natural: tradiția intelectuală a civilizației occidentale. Vom studia compoziții clasice occidentale semnificative atât ca structuri artistice, cât și ca expresii ale gândirii și experienței umane și vom observa similitudini între muzica occidentală timpurie și muzica altor culturi, timpuri și locuri. Nu sunt necesare cunoștințe prealabile despre muzică.

Artă: prelegerile de artă vor începe prin investigarea exemplelor de artă și arhitectură din Grecia și Roma antice și vor trece apoi la arhitectura și sculptura arhitecturală medievală timpurie, romanică și gotică. Semestrul se încheie cu o analiză a principalelor lucrări renascentiste, renascentiste și de reformă în pictură, sculptură și arhitectură. De-a lungul tuturor perioadelor de studiu, vom lua în considerare problema - și problema - contextului care încearcă să înțeleagă mai bine tendințele politice, religioase, sociale și filozofice care stau la baza fiecărei ere pe care o întâlnim. Nu este necesară o experiență prealabilă cu arta sau istoria artei.

HUMN 1220 Introducere în științe umane II Artă și muzică

Giulia Bernardini

Conferințele pentru cursul Introducere în științele umaniste 1220 prezintă studenților un sondaj interdisciplinar al producției de artă și muzică din perioada barocă până în prezent. Ca rezultat al situării operelor majore în contextele lor economice, istorice și culturale, studenții dezvoltă abilitatea de a lua în considerare operele vizuale și muzicale nu numai în ceea ce privește calitățile lor formale sau stilistice, dar cel mai important să mediteze la modul în care aceste caracteristici subliniază aspectele politice, religioase. , și tendințele filosofice ale perioadelor de producție care sunt analizate. Textele primare și secundare selectate din domeniile istoriei artei, muzicologiei, teoriei artei, teoriei muzicii, filosofiei, istoriei, științei, studiilor culturale și sociologiei contribuie la întărirea înțelegerii studenților cu privire la tendințele investigate și metodologiile care au fost utilizate în discursuri științifice și „mainstream” în jurul lor. Scopul final al cursului este familiarizarea studenților cu moștenirea umanistă occidentală pentru a deveni critici culturali articulați și analitici ai lumii în care locuiesc.

HUMN 2000 Metode și abordări ale științelor umaniste

Oferă o tranziție de la cursurile introductive la cursurile de divizie superioară. Prezintă diferitele metode tehnice și subiecte întâlnite în cursurile comparative, interdisciplinare ale diviziei superioare ale departamentului, inclusiv studii culturale, retorică, traducere, hermeneutică, studii de cuvinte / imagini.

HUMN 2100 Arte, cultură și mass-media

Promovează o mai bună înțelegere a problemelor estetice și culturale fundamentale prin explorarea definițiilor concurente ale artei și culturii. Accentuează abilitățile critice și analitice cerându-le elevilor să citească și să compare diferite teorii despre arte, cultură, mass-media și identitate, apoi să aplice și să evalueze acele teorii în raport cu o selecție de texte vizuale și verbale dintr-o serie de tradiții culturale și lingvistice .

HUMN 3092 Studii în științe umaniste

Consultați cursuri individuale pentru descrieri

HUMN 3092 Studies in Humanities: Modern Poetry

David Ferris

Explorează semnificația literară și critică a poeziei lirice în epoca modernă. Începe cu transformarea modernă a poeziei în romantism, în special Wordsworth și Shelley, apoi lucrează prin poezia lui Baudelaire, Mallarmé, Dickinson, Yeats, Hughes, Celan, Bachmann, Bishop, Sexton, Attridge, Adonis și Hill. Va include, de asemenea, material critic asupra conceptului de poezie „modernă”.

HUMN 3092 Studies in Humanities: Aesthetic Theory

Graham Oddie

Obiectivul principal al acestui curs este explorarea filozofiei artei. Crearea, bucurarea și aprecierea artei este una dintre cele mai distinctive trăsături ale ființelor umane. Lucrările de artă sunt printre cele mai apreciate entități din cultura noastră, dar și din majoritatea culturilor umane. Dar ce este arta și de ce ar trebui să o apreciem atât de mult? Acestea sunt întrebările de bază pe care le vom aborda în acest curs. Vom explora o varietate de răspunsuri pe care filosofii le-au dat acestor întrebări de bază. Poate în mod surprinzător, se dovedește a fi dificil de formulat o teorie coerentă și consecventă a artei și a valorii acesteia. Un obiectiv al cursului este familiarizarea cu principalele răspunsuri la aceste întrebări și cu argumentele pentru și împotriva lor. Gama de teorii pe care o vom explora include: teoria reprezentării, teoria expresiei, formalismul, neo-wittgensteinianismul și teoria instituțională. Dar teoria estetică cuprinde mai mult decât domeniul artei. Un obiectiv secundar al cursului va fi localizarea artei în domeniul mai larg al obiectelor estetice, al proprietăților estetice și al experiențelor estetice. Vom examina o relatare generală a valorii estetice, care reapare din când în când și a fost explicată cel mai explicit de Francis Hutcheson în An Inquiry into the Original of Our Ideas of Beauty and Virtue (1725). Conceptul de frumusețe, despre care se credea cândva că este esențial pentru înțelegerea artei, a fost trimis în exil în filosofia artei din secolul al XX-lea, dar recent unii filozofi ai artei au început să-i acorde din nou atenție. Teza lui Hutcheson este că frumusețea este o complexitate unificată. Vom explora în ce măsură această idee ne poate oferi o teorie generală a artei și valoarea acesteia și modul în care aceasta s-ar putea potrivi unei teorii generale a valorii. La fel ca Phil 3700

HUMN 3092 Studii în științe umane: cultura lecturii: semnificații și metafore

Cathy Comstock (secțiunea Onoruri)

Deoarece metafore ne structurează interpretările experienței, ele sunt „metafore pe care le trăim”: metafore care ne pot modela percepțiile și acțiunile fără ca noi să le observăm vreodată. În această clasă, vom vizualiza textele culturale și literare prin prisma teoriei critice, pentru a ajunge la o mai bună înțelegere a modului în care creăm sens, a modului în care aceste semnificații ne fac și a modului în care am putea folosi această conștientizare pentru a deschide noi câmpuri de posibilitate .

Esențial pentru această considerație va fi ceea ce Jacques Derrida a descris drept „ierarhii violente”. Acest concept se referă la tendința noastră culturală de a da sens prin binare precum sus și jos, masculin și feminin, uman și animal, alb-negru. Deoarece, de asemenea, avem tendința de a privilegia un termen față de celălalt, în moduri care pot avea impact asupra tuturor celor implicați, învățarea modului de analiză a acestor procese poate oferi o lentilă puternică prin care să citim și să răspundem la cultura noastră.

Texte: Metafore pe care le trăim, Lakoff și Johnson „Un raport către Academie”, Disciplina și pedeapsa Kafka, Animalele gânditoare Foucault, Teoria critică literară Weil, Eagleton și alte texte interesante

HUMN 3093 Subiecte în științe umaniste

Consultați cursuri individuale pentru descrieri

HUMN 3093 Subiecte în științe umane: cinema, peisaj și arhitectură amplificatoare

Suranjan Ganguly

Acest subiect este o investigație multiculturală a modurilor în care peisajul și arhitectura sunt reprezentate pe film, concentrându-se pe probleme precum marginile și centrele, geografia politică, exilul, spațiul interior, memoria și timpul, sublimul și transcendența. Cursul are un conținut intelectual puternic și se bazează exclusiv pe cinematograful internațional. La fel ca FILMUL 3043

HUMN 3093 Subiecte în științe umaniste: Studii de joc

Andrew Gilbert

Studiile de joc introduce alfabetizarea de bază prin media, explorând principiile estetice și culturale din spatele utilizării și creării uneia dintre (dacă nu chiar) formele culturale cele mai mari ale mass-media moderne. Deoarece 60% din toți americanii joacă zilnic jocuri video, iar industria în sine depășește cinematografia, întrucât piața globală a jocurilor a ajuns la 148,8 miliarde, este înțelept pentru noi să putem citi și critica o parte atât de masivă a culturii noastre. Această clasă va explora teoriile specifice asociate cu media jocurilor, precum și se va scufunda profund în mai multe aspecte unice jocurilor (avatarul, fluxul live Dungeons and Dragons etc.).

HUMN 3093 Subiecte în științe umaniste: literatură și drept

David Ferris

Acest curs va examina modul în care literatura se angajează cu modul în care legea (juridică, științifică, estetică) este stabilită și aplicată și cu modul în care literatura expune contradicția și violența în cadrul legii. Cursul va acoperi o gamă largă de materiale și forme, fiecare dintre ele prezentând un conflict între tendința literaturii de a amâna și suspenda judecata și dorința legii de a o pune în aplicare. Lucrările și autorii care vor fi examinați includ misterele lui Conan Doyle Sherlock Holmes, Antigona lui Sofocle, povești selectate din Decameronul lui Boccaccio, Întoarcerea lui Martin Guerre (carte și film), Hamletul lui Shakespeare, „Cutremurul din Chile” al lui Kleist, „The Foundling” și „Veridicități improbabile”, „În fața legii” și „Problema legilor noastre” a lui Kafka, Carl Schmitt privind legea și decizia suverană și fragmente din „Critica violenței” a lui Benjamin.

HUMN 3093 Subiecte în științe umane: Avatare: Narațiuni ale sinelui

Andrew Gilbert

Acest curs urmărește să introducă studenții în analiza gândirii postumane prin intermediul conceptului de avatar în cadrul culturilor noastre digitale. Printr-o abordare interdisciplinară a teoriei, artei și culturii, elevii se vor familiariza atât cu discursul umanismului, cât și al postumanismului, în ceea ce privește jocurile, spațiile virtuale și întruchipările digitale. Elevii vor citi teorii selectate despre definirea avatarurilor și postumanismului și se vor angaja cu aceste texte într-o manieră critică pentru a-și dezvolta abilitățile în lectură atentă, gândire critică și scriere analitică. Textele noastre creative principale vor acoperi diferite moduri și genuri de media, de la jocuri video la poezii din întreaga lume. Nota finală va fi evaluată pe baza testelor, lucrărilor, testelor și participării. Dorința mea este ca elevii să dobândească o cunoaștere fundamentală a complexității umane. Aceste abilități vor fi esențiale pentru studierea ulterioară a textelor culturale care modelează societatea în cadrul oricărei clase date sau în cadrul realității tale de zi cu zi unde granițele sinelui uman sunt măsurate sau testate.

HUMN 3093 Subiecte în științe umaniste: A face semnificație: limbă, mituri și vise

Audrey Burba

Cum se produce sensul? Cum circulă? Cum este consumat și interiorizat? „Definirea sensului: limbaj, mituri și vise” va lua în considerare modul în care funcționează sensul, modul în care ne configurează experiența noastră despre lume și înțelegerea noastră despre sine. Pe măsură ce elevii sunt introduși în diferite teorii legate de semnificație, comunicare și sens, vor descoperi prin ce procese lumea noastră haotică rămâne inteligibilă și locuibilă.
Cursul se va concentra pe moștenirea studiului lui Ferdinand de Saussure asupra semnului, cunoscut sub numele de semiologie sau semiotică. Vom examina modul în care ideile lui Saussure au fost puse în funcțiune într-o varietate de contexte intelectuale, de la analiza literară, la antropologia culturală și psihanaliză. Citirile cheie vor include cele ale lui Saussure Curs de lingvistică generală, Lui Barthes Mitologii, Levi-Strauss Mitul și semnificația, și a lui Freud Pe vise. Cu fiecare introducere teoretică, vom analiza și interpreta texte, mituri și imagini de la arte plastice la cultura populară.

HUMN 3093 Subiecte în științe umane: romanul arab

HUMN 3104 Critica filmului

Studiază gama și funcția criticii de film, introduce poziții și concepte majore ale teoriei filmului și se concentrează pe abilitățile elevilor de a scrie despre film. Condiție preliminară FILM 1502. La fel ca FILMUL 3104.

HUMN 3200 Ficțiuni de boală: medicina modernă și imaginația literară

Audrey Burba

Examinează modurile în care ascensiunea medicinei moderne a alimentat imaginația literară cu un nou accent, noi tipare de percepție și metafore puternice.Prin studiul diferitelor lucrări de ficțiune, teorie critică și istorie medicală, cursul urmărește modul în care descoperirile medicale și profesionalizarea crescândă a medicinei s-au manifestat în literatura modernă.

HUMN 3210 Narațiune

Annje Wiese

Acest curs va examina narațiunea ca formă centrală de reprezentare în secolele XX și XXI, analizând efectele formei asupra modului în care înțelegem și reprezentăm lumea noastră. Două întrebări vor ghida această examinare: „ce fel de relație (dacă există) există între narațiuni și realitate (sau„ viață ”)?” (pus de Shlomith Rimmon-Kenan) și „ce fel de noțiune de realitate autorizează construirea unei relatări narative a realității?” (pozat de Hayden White). Cu ajutorul diferitelor teorii ale narațiunii, vom încerca să răspundem la aceste întrebări analizând îndeaproape modul în care forma narativă reprezintă și informează percepția și experiența, precum și modul în care aceasta s-a schimbat de-a lungul secolului trecut.

Pe parcursul semestrului vom analiza lucrările de ficțiune pentru a vedea cum funcționează narațiunea și vom privi narațiunea ca o modalitate de organizare a gândirii care se aplică contextelor interdisciplinare, inclusiv cultura pop, artă, studii de identitate, medicină și drept.

HUMN 3240 Tragedie

Paul Gordon

În acest curs vom examina teoriile tragediei (Aristotel, Hegel, Nietzsche) și vom aplica aceste teorii, pentru a examina eficacitatea lor potențială, la diferite opere de artă. După o examinare atentă a tragediei grecești, începând cu Eschil și Sofocle și încheind cu ultima piesă a lui Euripide pe The Bacchae, singura tragedie existentă care tratează Dionis și „nașterea tragediei”, vom examina supraviețuirea tragediei în 19- operele de artă din secolul al XX-lea și al XX-lea - în special, lucrările lui William Butler Yeats, Ibsen (Hedda Gabler), Cehov (Livada de cireși) și Tennessee Williams (Un tramvai numit dorință).

HUMN 3310 Biblia ca literatură

Sue Zemka

Nici o carte nu a fost la fel de influentă pentru lumea vorbitoare de limbă engleză ca Biblia. Vom citi Biblia ebraică și Noul Testament pentru povești, poezie și tradiții ale înțelepciunii. Vom aborda Biblia ca literatură analizându-i comploturile, personajele și semnificațiile. Studenții studiază istoria sa textuală, cum a ajuns să existe o „Biblie” și numeroși scriitori, conflicte și culturi din care a apărut. Vom lua în considerare influența puternică a Bibliei asupra eticii și filozofiei. La fel ca ENGL 3310.

HUMN 3500 Literaturi ale conștiinței

Annje Wiese

Acest curs este un studiu interdisciplinar al conștiinței umane și al reprezentării sale. Vom analiza o varietate de lucrări, inclusiv literatură, film, teorie cognitivă, filozofie și studii științifice pentru a vedea ce putem învăța prin sintetizarea diferitelor perspective pe care fiecare le oferă. Mai precis, vom analiza reprezentarea gândirii în ficțiune (atât literatură, cât și cinematografică) alături de informațiile pe care abordările mai teoretice și științifice le pun în aplicare cu privire la următoarele întrebări cheie: Ce este conștiința? Cum gândim și percepem? Ce înseamnă a fi „neurotipic” sau, în schimb, a fi afectat cognitiv? Și ce legătură au toate acestea cu cine suntem? Scopul nostru este de a vedea cum o astfel de abordare interdisciplinară poate facilita o înțelegere complexă și productivă a conștiinței și a implicațiilor sale.

HUMN 3660 Postmodern

David Ferris

Acest curs va examina evenimentul postmodern și efectul său în literatură, film, arhitectură, cultură și teorie critică. Începând cu lucrări care semnalează și examinează apariția modernității, vor fi prezentate consecințele postmodernității pentru înțelegerea noastră modernă ca semn al progresului nostru intelectual, cultural și social. Odată definite în raport cu modernul, atenția noastră se va îndrepta către problemele și problemele puse de postmodern în ceea ce privește istoria, percepția și conceptul unei ere care este și prezentul nostru. Vom examina, de asemenea, diferite încercări recente de a gândi dincolo de postmodern. Cursul va include o selecție largă de lucrări de la teoria arhitecturii la arta performanței.

HUMN 3702 Dada și literatura suprarealistă

Anchetează principalele concepte teoretice și genuri literare ale mișcărilor dada și suprarealiste. Subiectele includ performanța și cabaretul Dada, manifestul, montajul, gata pregătit, romanul suprarealist, colonialismul și avangarda și precursorii literari și filosofici ai avangardei.

HUMN 3800 Paris, modernitate și avangardă

Giulia Bernardini

Investighează dezvoltarea conceptului de „avangardă” în Parisul de la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea, pe fondul revoluției politice și sociale. Analizează natura inovatoare a anumitor opere de artă, teatru, fotografie, muzică și literatură, precum și influența orașului. Sondează și problematizează conceptul artistului ca outsider social și critic cultural.

HUMN 3850 Mediterana: religia înainte de modernitate

Brian Catlos

Oferă o abordare inovatoare a istoriei multiforme a interacțiunii creștin-musulmane-evreiești din Mediterana. Evită paradigmele stabilite (de exemplu, Europa, lumea islamică) care denaturează înțelegerea noastră asupra acestora și îi împinge pe studenți să reconsidere paradigmele acceptate ale istoriei occidentale. Elevii vor reevalua ipotezele cu privire la natura identității etnice, religioase, naționale și culturale și rolul lor în istoria umană. La fel ca RLST 3850.

HUMN 4000 Întrebarea romantismului

Acest curs se concentrează pe idealul romantic al artei atât ca forță spirituală, cât și socială. Printr-o atenție deosebită la pictură, poezie, dramă, proză-ficțiune și teoria estetică a perioadei, vom examina unele dintre problemele estetice centrale ale romantismului, inclusiv tropele sale de inspirație și alienare, ideea naturii ca sursă de artă și obiectul ei și rolurile exotismului, supranaturalului și imaginației. Cerințele cursului: sarcini de scriere informale la lecturi două examene și o lucrare finală.

HUMN 4004 Subiecte din teoria filmului

Consultați cursuri individuale pentru descrieri

HUMN 4011 Criminal Hero Paul Gordon

Studiază diferite teorii ale transgresiunii literare ale lui Aristotel, Nietzsche, Freud, Bataille și alții pentru a înțelege numeroasele lucrări, începând cu Geneza și Iliada și incluzând lucrări contemporane precum The Executioners Song de Norman Mailer și filmele lui Herzog (Aguirre, Nosferatu) și Scorsese (șofer de taxi, Cape Fear) care prezintă această figură paradoxală.

HUMN 4030 Arta de a călători

Giulia Bernardini

Examinează arta călătoriei: nu unde să merg și ce să fac, ci mai degrabă concepte filosofice despre motivul pentru care călătoresc oamenii. Domeniile de discuție vor include explorarea, descoperirea, evadarea, pelerinajul, marele turneu, expatriotismul, exilul, nomadismul, călătoria în fotoliu și sentimentul de acasă. Materialele vor include cărți ale scriitorilor de călătorie, romane, filme, eseuri, nuvele, artă, muzică și documente istorice.

HUMN 4050 Reprezentări ale persoanelor cu dizabilități

Oliver Gerland

Introduce studenții în domeniul interdisciplinar al studiilor cu dizabilități prin investigarea conceptelor cheie în teoria dizabilității, istoria și cultura dizabilităților, reprezentările media ale persoanelor cu dizabilități și problemele bioetice pertinente.

HUMN 4135 Artă și psihanaliză

Paul Gordon

Explorează teoria psihanalitică în legătură cu înțelegerea noastră despre literatură, film și alte arte. După ce s-au familiarizat cu unele noțiuni esențiale freudiene (represiune, narcisism, ego / libido, muncă de vis etc.), studenții aplică aceste idei lucrărilor unor artiști (de exemplu, Flaubert, James, Kafka, Hoffmann și Hitchcock). FILM 4135.

Humn 4150 Decameronul lui Boccaccio: Povești despre sex și moarte în Evul Mediu

Suzanne Magnanini

Analizează ascensiunea realismului în literatura italiană din secolele al XIII-lea și al XIV-lea și manifestările paralele în artele vizuale. Se concentrează pe Decameronul lui Boccaccio și pe proza ​​și poezia realistă contemporană, cu accent pe problemele de gen și diversitatea culturală medievală. Predat în engleză. La fel ca ITAL 4150.

HUMN 4155 Filosofie, artă și sublim

Paul Gordon

„Poate că cea mai sublimă afirmație este cea inscripționată pe templul lui Isis:„ Eu sunt tot ceea ce este, a fost și care nu va fi vreodată, niciun muritor nu mi-a ridicat vălul ”. (Kant) În acest curs vom examina teoriile sublimului și vom aplica aceleași teorii diferitelor opere de artă. Începând cu Longinus, vom trece apoi la începutul discuțiilor moderne despre sublimul din Burke și Kant înainte de a trece la „epoca de aur” a sublimității, romantismul german și englez din secolele 18-19. După un studiu al sublimității din Faustul lui Goethe, ne vom îndrepta atenția asupra scrierilor poeților romantici englezi (Shelley, Wordsworth, Coleridge), precum și asupra romanului de la începutul secolului al XIX-lea, Frankenstein al lui Mary Shelley. După o examinare a picturilor sublime ale lui Turner (și ale predecesorilor săi), vom trece, în secțiunea finală a cursului, la o examinare a supraviețuirii sublimului în picturile și filmele din secolul XX ale lui Barnett Newman, Georgia O'Keefe. , Werner Herzog și John Carpenter.

HUMN 4170 Ficțiune și realitate

Annje Wiese

Televiziune de realitate, ficțiune, meta-ficțiune, realitate virtuală, realism magic, documentar, propagandă, autobiografie, mărturie, manipulare digitală a imaginilor, robotică - toate sunt populare astăzi pentru capacitatea lor de a explora și pune sub semnul întrebării linia dintre ficțiune și realitate. Această problemă nu este un fenomen nou de-a lungul istoriei, oamenii au încercat să înțeleagă distincția dintre ficțiune și realitate. Dar cultura noastră contemporană pare deosebit de interesată atât de diferențele, cât și de asemănările dintre cele două concepte. În acest curs vom explora ramificațiile presupunerii că există o distincție recunoscută între realitate și ficțiune sau că nu există un mod obiectiv de a le distinge pe cele două. Cu ajutorul diverselor surse teoretice, vom analiza o selecție de opere literare, științifice și culturale pentru a vedea cum definesc realitatea și ficțiunea. În același timp, ne vom gândi profund la nuanțele implicate și la consecințele acestor definiții. Scopul acestei abordări este dublu: 1) să ajungem la o idee despre ceea ce înseamnă aceste concepte deseori ambigue în cultura noastră și 2) să putem aplica în mod critic această idee problemelor ridicate de statutul discutabil al separării dintre realitate și realitate. fictiune.

HUMN 4502 Nietzsche: Literatură și valori

Se pune accentul pe scrierile majore ale lui Nietzsche, cuprinse în anii 1872-1888, cu o atenție deosebită la critica valorilor occidentale. O explorare sistematică a doctrinelor, conceptelor și ideilor care conduc la valorile creativității. La fel ca GRMN 4502.

HUMN 4730 Feminisme italiene: cultură, teorie și narațiuni ale diferenței

Studiază scriitoarele, artiștii și realizatorii de filme italiene. Textele literare și vizuale sunt analizate în dialog cu lecturi ale teoreticienilor italieni de gen. Istoria și cultura italiană sunt recitite urmărind dezvoltarea unui discurs despre femei. Învățat în lecturi în limba engleză în italiană pentru majori italieni. La fel ca ITAL 4730.

HUMN 4811 Literatura rusă din secolul al XIX-lea

Sondaje ale literaturii ruse din 1800 până în 1900. Scriitorii ruși și problemele literare din secolul al XIX-lea subliniind autorii principali: Pușkin, Lermontov, Gogol, Dostoievski, Turgenev, Tolstoi și Cehov. La fel ca RUSS 4811.

HUMN 4821 Literatură și artă rusă din secolul XX

Curs interdisciplinar care subliniază influența literaturii și artei în literatura rusă din secolul al XX-lea. Urmează peisajul cultural în schimbare de la momentul în care Rusia era în avangarda literaturii europene moderne până la perioada stalinismului. La fel ca RUSS 4821.

HUMN 4835 Literatură și violență socială

Cathy Comstock

Acest seminar de onoare se concentrează atât pe textele literare, cât și pe cele non-fictive despre violența socială, astfel încât să putem compara înțelegerea și efectele posibile prin intermediul diferitelor medii, inclusiv filmul în unele cazuri. Vom studia cultura bandelor, homofobia și SIDA, efectele rasismului și sărăciei asupra cartierelor și sistemelor școlare evazate, precum și politica foametei. Ne vom uita, de asemenea, la surse de mare speranță și acțiune pozitivă, cum ar fi Munții dincolo de munți, Jurnalul scriitorilor libertății, Îngerii în America și alte moduri în care atât arta, cât și acțiunea socială pot face o diferență transformatoare. Toate acestea sunt combinate cu opțiunea de a obține un credit suplimentar prin munca voluntară în agențiile comunitare, deoarece experiența personală cu efectele violenței sociale ne ajută să înțelegem mai profund materialele clasei - și cultura noastră în ansamblu -.

Ca mijloc de abordare a lucrărilor din toate disciplinele și nu numai, vom învăța cum să facem analiza discursului atât al limbajului textelor, cât și al societății noastre. În acest fel, clasa se va concentra în special pe metodele noastre de a înțelege sensul și modul în care acele semnificații acționează pentru a menține sau transforma structurile noastre culturale. Textele clasei includ Do or Die, Angels in America, The Blueest Eye, Freedom Writers ’Jurnal, Savage Inequalities, Gandhi the Man și Cortina Tortilla.


Artă africană

Pentru cronologia artei primitive timpurii, vezi Cronologia artei preistorice.


Statuetă în teracotă (c. 1.000 î.e.n.)
Civilizația Nok din Nigeria.

ARTA PREISTORICĂ
Pentru mai multe informații despre
Paleolitic, mezolitic sau neolitic
artefacte, vezi: Arta epocii de piatră.
Pentru detalii despre epocile ulterioare, consultați:
Epoca bronzului și epoca fierului Art.

Scopul acestui articol este să plaseze arta tribală africană în contextul său social, mai degrabă decât să discute despre atracția estetică, zonele stilistice și calitățile formale ale obiectelor de artă. Arta europeană folosește frecvent simboluri care sunt imediat semnificative pentru oamenii educați - simboluri ale lui Hristos, ale sfinților, episoade istorice. Cunoașterea semnificației din spatele acestor simboluri joacă un rol important în înțelegerea și aprecierea picturii și sculpturii.

Același lucru este valabil și pentru sculptura africană și alte forme de artă: este esențial să descoperiți dacă o mască sau o figură sculptată este făcută pentru a distra, a înspăimânta, a promova fertilitatea sau pentru a fi doar artă de dragul artei. Trebuie să știm dacă o mască înfățișează un șef, un zeu, un sclav, un erou-animal sau o vrăjitoare dacă o mască este purtată pe cap sau peste față, purtată sau păstrată în secret într-o cultă. Deși arta africană este prezentată aici ca un element integrant al instituțiilor economice, sociale și politice, în ultimă instanță, elementul principal este estetic. În ciuda splendorilor artei „clasice” africane - precum sculpturile din Nok, Ife, Benin - principala preocupare aici este cu artele care continuă să înflorească în regate, sate și corturi nomade. (Notă: Pentru arta funerară din Africa de Nord și designul templelor, a se vedea: Arhitectura egipteană.)

EGIPT
Pentru detalii despre arhitectură
și alte forme de artă din
Egiptul antic, vezi:
Arta egipteană.
Piramide egiptene.

ARTA ISLAMULUI
Pentru o scurtă trecere în revistă a influențelor
și istoria artelor vizuale musulmane
vezi: Arta Islamică.

DIFERITE FORME DE ARTE
Pentru definiții, semnificații și
explicații ale diferitelor arte,
vezi Tipuri de artă.

Arta rock preistorică africană

Cea mai veche artă preistorică cunoscută a Africii - cum ar fi Gravurile peșterii Blombos (circa 70.000 î.Hr.), Gravurile Diepkloof Eggshell (c.60.000 î.Hr.) sau Pietrele peșterii Apollo 11 (25.500-23.500 î.Hr.) - a fost probabil opera boșimani cu pielea galbenă, popoarele aborigene din Africa de Sud. (Pentru un ghid al simbolurilor folosite la Blombos, vă rugăm să consultați: Semne abstracte preistorice 40.000-10.000 î.Hr.) Bushmenii sunt cei mai vechi nativi cunoscuți din Africa de Sud, deși exact când au apărut și cât de departe datează istoria lor, rămâne un mister. Nici măcar nu este sigur dacă strămoșii lor au fost responsabili pentru pictografiile și petroglifele care au fost găsite în diferite situri preistorice din țară. Boșimanii au fost alungați înapoi în zonele deșertice, nu numai de omul alb, ci și de invadatorii hotentoti. Hotentotii sunt, de asemenea, o rasă cu pielea galbenă, care seamănă atât de mult cu boșimienii, încât, potrivit unor experți, nu este recomandabil să îi separați. Cu toate acestea, rămâne o diferență enormă între realizările lor artistice. Niciuna dintre consecințe nu poate fi atribuită hotentotilor, dar vechii boșimani au în creditul lor unele dintre cele mai frumoase și mai vechi arte din lume, pe site-uri din toată Africa de Sud.

Caracterul general al artei rock Bushman este naturalist și multe dintre imagini pot fi văzute ca pictograme, în sensul că exprimă idei și nu sunt „artă de dragul artei.” Marea majoritate a figurilor sunt bărbați și animale, dar există o puține alte obiecte care sunt probabil simbolice, deși semnificația lor nu este întotdeauna clară. În unele regiuni, imaginile sunt pictate în culori în altă parte, au loc doar gravuri sau așchii. Diferența se datorează condițiilor naturale ale țării, deși se presupune în general că gravurile sunt mai arhaice decât picturile. Paleta de culori preistorice folosită de artiștii boșmenilor în pictura lor rupestră consta din pigmenți de pământ. Roșu și maro din bol sau heematit galben din fier ocru alb din oxid de zinc negru din cărbune sau albastru de funingine din fier și acid silicic. Albastrul este deosebit de neobișnuit și nu apare în picturile rupestre din Europa. Liniile fine găsite în picturile Bushman au fost trasate cu tije subțiri goale ascuțite și folosite ca niște plume.

Notă: Cea mai veche artă a continentului african - excluzând controversata statuetă de cuarțit din epoca de piatră din Maroc, cunoscută sub numele de Venus din Tan-Tan (200.000-500.000 î.Hr.) - constă din gravurile din peșterile Blombos de pe coasta Capului din Africa de Sud, datând din 70.000 î.Hr., urmate de figurile animalelor din peștera Apollo 11 din Munții Hunilor din sud-vestul Namibiei, datând din aproximativ 25.000 Î.Hr.

În mod curios, picturile și gravurile africane au fost descoperite mai devreme decât cele europene: cele din Africa de Sud încă de la mijlocul secolului al XVIII-lea, cele din nord în 1847 când au fost găsite de un grup de soldați francezi care au raportat gravuri de elefanți, lei , antilope, bovide, struți, gazele și ființe umane înarmate cu arcuri și săgeți. Cel mai cunoscut site de picturi în deșert din nord este Platoul Tassili, activ din epoca artei mezolitice, care a fost explorată și descrisă de Henri Lhote în anii 1950. Aceasta este o zonă muntoasă - 5180 km pătrați de stâncă și nisip în mișcare - locuită acum doar de câțiva păstori tuareg. Cu mii de ani în urmă, când au fost realizate picturile, terenul era roditor, acoperit cu păduri și străbătut de râuri vii cu pești.

Stilul imaginilor este naturalist, animat și complet diferit atât de stilul convențional libian-berber, cât și de grupul naturalist timpuriu al Atlasului. Se pare că sunt mult mai strâns legate de arta Bushman din Africa de Sud. Un interes deosebit sunt mai multe picturi policrome din munții Tassili care reprezintă figuri umane grațioase, cu bovine dappled în apropiere. La sud-vestul acestei regiuni, expediția franceză Ahagger a descoperit în 1935 un alt sit cu același tip de picturi de perete policrom, care prezintă diferite animale, dar mai ales bovine. Câteva figuri umane se disting prin mișcări extraordinar de animate și adesea grațioase. Lucrarea este realizată în întregime în spații, astfel încât să fie picturi autentice și nu desene liniare. Totuși, pe același site, există și o serie de gravuri preistorice similare tipului din regiunea Atlas. Există o puternică similitudine între picturile Ahagger și arta Bushman și, în plus, au o asemănare izbitoare cu arta Egiptului antic.

Unele dintre picturile sahariene înfățișează negrii și un mod de viață de vânătoare (datând din perioada preistorică Roundhead), în timp ce altele (din perioada bovinelor, 4000 î.e.n. - 800 e.n.) prezintă păstoriști, figuri cu pielea de culoare cupru și părul drept care seamănă păstorii Fulani ai savanei vest-africane. Istoricii de artă au sugerat și cercetările etnografice au confirmat parțial că aceste lucrări de artă neolitică au fost create de grupuri proto-fulani: ele conțin elemente care corespund trăsăturilor miturilor fulani predate în timpul riturilor de inițiere a băieților, cum ar fi vaca hermafrodită din al cărei piept să apară capetele animalelor domestice și portretizarea grafică a ceea ce seamănă cu un câmp de inițiere Fulani (un cerc cu soarele în centru și capetele altor vaci, reprezentând diferite faze ale lunii, distanțate în jurul său).

Imaginile de stâncă din regiunea Atlas din Algeria au fost cercetate pentru prima dată în 1913. Sunt aproape toate gravuri: au fost descoperite doar două tablouri pictate în ocru și aparțin unor perioade anterioare. Se pot distinge trei grupuri principale de artă. Există mai întâi desenele naturaliste foarte timpurii ale animalelor care sunt acum dispărute în această zonă sau aparțin unei perioade geologice foarte îndepărtate. Imensul design impresionant al unui leu la Djattou este un bun exemplu. Urmează un grup de desene ceva mai puțin naturaliste, de o dată puțin mai recentă. În cele din urmă, există modele relativ târziu libian-berber, descrise ca parțial contururi de animale destul de brute, parțial modele care au un caracter pur geometric și schematic.

Sculptură clasică africană

Mulțumită în principal arheologilor, bronzurile și teracotele africane nu mai aparțin unui trecut „necunoscut”. Studii comparative detaliate ajutate de datarea cu radiocarbon le-au localizat în contexte istorice și tradiții continue. Unul dintre cele mai cunoscute exemple ale unei tradiții sculpturale timpurii este cel al „Nok”, o etichetă care acoperă o gamă de sculpturi din teracotă cu figuri umane și animale, care se găsesc larg răspândite în nordul Nigeriei. Au ieșit mai întâi la lumină în minele de tablă de lângă satul Nok în provincia Zaria și de atunci au fost datate în secolele IV sau V î.Hr. Unii istorici de artă au detectat similitudini între figurile umane stilizate și animalele naturaliste din Nok și sculpturile de piatră nedatate ale Esie, Nomoli figurile din Sierra Leone și fildeșurile afro-portugheze sculptate la Sherbro. Dar o sugestie mai convingătoare este că stilul Nok - caracteristicile sale principale sunt un cap sferic sau conic și ochi reprezentați ca segmente ale unei sfere cu capacul superior orizontal și capacul inferior formând un segment al cercului - are multe caracteristici în comun cu cea a Ife, capitala religioasă și unică a regiunii Yoruba oameni.

Un lucru este cert: tradițiile artei africane nu au fost lipsite de dezvoltare. Datarea cu radiocarbon și tradițiile orale sugerează, de exemplu, că stilul naturalistic al sculpturii de la Ife a durat aproximativ cât a fost turnarea bronzului în Benin. Cu toate acestea, bogatul stil Ife prezintă un canon invariabil din secolele X-XIV, în timp ce în Benin, din secolele XV-XIX, progresul de la un naturalism moderat la un grad considerabil de naturalizare este foarte marcat.

Pentru o comparație cu sculptura din America, vă rugăm să consultați și: Arta precolumbiană (până în 1535 CE).

Se știe mai puțin despre artele și civilizațiile din Sao (Lacul Ciad) și Zimbabwe, dar suficient pentru a arăta că sunt culturi africane indigene: nu mai este nevoie să invocăm influențe egiptene, feniciene sau portugheze. Arheologii au arătat, de exemplu, că zidurile și turnurile din Zimbabwe au fost ridicate de constructorii africani și din surse africane de inspirație. Nici nu există nicio îndoială cu privire la africanitatea râului Cross akwanshi din sud-estul Nigeriei și vecinii plictisitori ai Camerunului - figuri de piatră care nu seamănă cu alte opere de artă în niciun mediu din întreaga Africa. Au o formă falică, cu o progresie stilistică generală de la falus la forma umană. Unele sunt puțin mai mult decât bolovani îmbrăcați și decorați, dar se disting prin decorarea abundentă a suprafeței centrată pe față, sâni și buric.

Alte exemple mai puțin cunoscute ale artei „clasice” africane sunt sculpturile din bronz ale Nupe și Ibo, în Nigeria. Bronzurile de Ibo Ukwu au fost descoperite în 1938 când a fost săpată o cisternă în sat. Site-ul s-a dovedit a fi un depozit pentru obiecte decorate în mod elaborat - vase, capete de buzdugan, centură și alte articole de îmbrăcăminte ceremonială. Un mormânt excavat în apropiere conținea o coroană, un pectoral, un ventilator, o moscă și un braț metalic cu margele, împreună cu mai mult de 10.000 de margele. Testele radiocarbonului sunt de acord în datarea acestor obiecte la sfârșitul mileniului I, ceea ce face din aceasta cea mai veche cultură de bronz din Nigeria. Bronzurile sunt piese turnate extrem de detaliate, cu decorațiuni de suprafață elaborate, dar diferă de alte tradiții africane de turnare, cum ar fi cele de Benin și Ife. Mai mult, standardul ridicat de bogăție pe care îl dezvăluie nu are nicio paralelă în „țările Ibo„ democratice ”unde nu există șefii centralizate sau aristocrațiile bogate ca printre Yoruba și Benin.

La fel ca arta oceanică, unul dintre cele mai izbitoare aspecte ale artei africane este că este întotdeauna o parte intimă viata sociala, se manifestă în fiecare aspect al muncii, jocului și credințelor africane. Stilul și simbolismul picturilor, figurilor și măștilor depind, așadar, de contextele lor politice, economice, sociale și religioase, a căror examinare oferă adesea informații valoroase despre semnificațiile artei africane. The Boșimani din deșertul Kalahari, de exemplu, vânează într-un mediu inospitalier, ducând o viață dominată de dependența lor absolută de resursele disponibile imediat pentru supraviețuire. Există o relație intensă între vânători și vânat, între viață și ploaie. Anxietățile boșmanilor sunt exprimate în miturile, ceremoniile și riturile lor și sunt reprezentați și în tablouri și gravuri. Picturile rock ale lui Bushman nu numai că descriu animalele pe care le vânează, ritualurile ploii și vânătorii înșiși, ci și speciile de animale care au cea mai mare semnificație mitică. Un alt grup, Kalabari Ijo, sunt pescari care depind, de asemenea, de șansă - norocul mareelor, mișcările de pești. Arta lor reflectă în mod direct modul lor de viață, anxietățile și miturile lor. Locuind în comunități izolate și autonome din mlaștinile de mangrove din sud-estul Nigeriei, ei cred în spiritele de apă, „Domnii pârâurilor”, care trăiesc într-o lume subacvatică fabuloasă, care sunt, precum sculpturile care le reprezintă, antropomorfe sau zoomorfe sau amestecul celor două. Esența spiritelor este conținută de măștile și pălăriile sculptate purtate de pescari la mascarade. Tipurile de animale descrise în măști sunt selectate nu pentru importanța lor economică, ci pentru semnificațiile și rolurile lor simbolice în mitul și ritualul Ijo.

Arta Nomazilor

Numeroasele popoare nomade din Africa sunt împiedicate de însăși natura modului lor de viață să dețină opere de artă voluminoase sau grele. În multe cazuri preferă literatura, cea mai portabilă formă de artă - poezii bucolice, epopee, povești și piese satirice care exprimă în mod viu o estetică nomadă. The Fulani din vestul Africii sunt un exemplu. Ei au o dispreț pozitivă față de prelucrarea lemnului, fierului și pielii, orice obiecte culturale realizate din aceste materiale pe care le posedă sunt făcute de grupuri de negri pe ale căror pământuri își pasc vitele. Chiar și Fulani care s-au stabilit în sate preferă să dea expresie artistică arhitectură, haine elaborate, și ornamente. Prin urmare, arta autentică Fulani este rară și se limitează la detalii despre rochie, amulete, rochii de cap, curele pentru fete, instrumente ceremoniale și recipiente și corpul în sine. Într-adevăr, Fulani au dezvoltat un veritabil estetica aspectului personal, care implică diverse forme de artă corporală, inclusiv pictura corporală și pictura feței, precum și piercinguri și tatuaje. Încă din copilărie ei învață să se decoreze și să se picteze singuri, își modelează părul în forme și modele minunate, cultivă stiluri splendide de mame umblătoare, chiar masează craniile copiilor lor pentru a obține forme ideale. În timpul ceremoniilor anuale, care sunt atât teste sadice ale bărbăției, cât și concursuri de frumusețe masculină, tinerii folosesc toate artele decorării personale - corpul este uns, pictat și ornamentat. Bărbații se aliniază în fața judecătorilor, „ca niște imagini somptuoase ale zeilor”, fețele lor pictate în modele roșii și indigo, părul decorat cu ciuperci și înconjurat de coafuri înalte. Pe ambele părți ale fețelor lor atârnă franjuri de barbă de berbec, lanțuri, mărgele și inele. Femeile în vârstă îi plâng cu voce tare pe acei tineri care nu se ridică la cele mai înalte standarde de frumusețe fulană.

Cea mai mare contribuție pe care Africa a adus-o culturii mondiale este tradiția sa excelentă sculptură, deși abia dacă era cunoscut în afara continentului „întunecat” până la sfârșitul secolului trecut. Apoi, lucrările care au fost considerate anterior doar ca trofee coloniale și obiecte ciudate de muzeu au atras atenția artiștilor europeni dornici de experiențe noi. Andre Derain (1880-1954), Maurice De Vlaminck (1876-1958), Picasso (1881-1973) și Matisse (1867-1954), au fost la rândul lor copleșiți de calitățile expresive și abstracte ale figurilor și măștilor care au apărut la Paris din îndepărtatul Congo și Sudanul francez. Juan Gris a făcut chiar și o copie din carton a unei figuri funerare din Gabon. Interesul acestor pictori a dus la o sensibilitate în general sporită la calitățile sculpturii africane, deși timp de mulți ani a fost o sensibilitate care nu a putut reacționa decât la forma pură și misterul sculpturii din ignoranța funcției sau simbolismului ei.

Astăzi suntem mai bine informați, deși corpuri întregi de artă africană rămân entități misterioase, deoarece au fost colectate cu mult timp în urmă, ca curiozități, de la oameni care își pierduseră conștientizarea utilizărilor sau a semnificațiilor lor simbolice.

Printre Dogon din Mali există o serie de sculpturi vechi celebre, cunoscute sub numele de spune-le, despre care nici dogonul, nici arheologia nu ne pot spune nimic (deși nenumărați istorici de artă continuă să facă presupuneri mai mult sau mai puțin inspirate). Cifre Tellem de obicei au brațele înălțate și sunt în majoritate femei sau uneori hermafrodite. Altele includ animale sau figuri antropomorfe sculptate de-a lungul liniilor pieselor originale de lemn curbate. Cu sculpturi de acest fel suntem limitați la comparații formale de stil și apreciere estetică subiectivă. La această clasă aparțin Măști colti și Cifre Kota, odată nou-găsit & quot; cotidianul lui Derain și Epstein. Plăcuța din spatele capului figurii Kota a fost descrisă, cu încredere, ca „cotrays of the sun”, „quothorns of a capra”, „quoting semilună” și „crucea creștină”.

Agricultorii Bambara și arta lor

Majoritatea africanilor nu sunt regi, preoți, vrăjitori și vrăjitori, ci fermieri care își petrec cea mai mare parte a vieții producând cereale sau cultivând rădăcini. Viața lor estetică este strâns legată de acest fapt al existenței lor. Unele dintre cele mai mari tradiții sculpturale din Africa sunt reprezentate de măști și figuri produse pentru a asigura fertilitatea câmpurilor și supraviețuirea cultivatorilor lor. The Bambara, un grup Mandinka de peste un milion de oameni care trăiesc în Mali, au devenit cunoscute pentru prelucrarea metalelor, coșeria, piele, ţesut, vopsire, și sculptură în lemn. Măștile de bambara sunt asociate cu patru asociații de cult majore: n'domo, komo, kove, și tyi wara. Aceste societăți își scot măștile atât în ​​anotimpurile secetoase, cât și în cele umede, în care semănează, plivesc și recoltează culturile de bază ale meșterii Bambara, și sărbătoresc venirea și plecarea ploii.

The n'domo mask, cu coarnele sale verticale, simbolizează creșterea mei - porumbul se va ridica puternic și înălțat ca coarnele măștii. Coarnele sunt în număr de opt și se ridică drept într-un rând, ca degetele întinse deasupra vârfului capului și pe același plan cu urechile. Coarnele reprezintă, într-un mod schematic, diferitele episoade ale mitului creației Bambara, cele opt coarne din masca ideală reprezentând cele opt semințe primordiale create de Dumnezeu pentru construirea universului. Sensul de bază al simbolismului cornului derivă din asimilarea acestor organe la creșterea cerealelor și a ficatului uman - Fermierii din bambara spun că coarnele animalelor sunt pentru animale ceea ce ficatul este pentru oameni și ce lăstari vegetali sunt pentru pământ.

Simbolismul și riturile altor societăți și măști bambare sunt, de asemenea, strâns legate de activitatea prozaică a agriculturii. The masca komo reprezintă hiena, marele muncitor al solului și păzitorul vieții. The tyi wara mask reprezintă o ființă fabuloasă, pe jumătate om, pe jumătate animal, care în trecut îi învăța pe bărbați să cultive. În timpul însămânțării și al anotimpurilor de creștere tyi wara antelope mask reprezintă spiritele pădurii și ale apei și asigură fertilitatea câmpurilor și a omului.

NOTĂ: În 2007, oamenii de știință elvețieni care au excavat un sit din Mali Central au descoperit bucăți de ceramică antică datând din 9500 î.Hr., făcându-l cel mai vechi obiect ceramic cunoscut din Africa. Pentru mai multe informații, vă rugăm să consultați: Cronologia ceramicii.

Arta regatelor africane

Arta este universal un mijloc de glorificare a persoanelor de rang. Prezența obiectelor sculptate în mod elaborat în materiale prețioase precum aur, argint, sau fildeş indică de obicei prezența unei clase conducătoare, a surplusului de avere și a mijloacelor necesare angajării unor meșteri specializați. În Africa, cele mai multe piese turnate din bronz cu ceară pierdută, de exemplu, necesită o tehnică de producție foarte specializată și, deși nu este o artă cu totul limitată la regate, primește cea mai mare elaborare în care șeful sau o castă bogată își poate permite să mențină un grup de artiști specializați. În Benin privilegiul de a lucra bronzul era rezervat unei corporații speciale care locuia într-un cartier special al orașului și care a intrat sub controlul Oba - conducatorul. Printre Bamileke, artiștii erau gândiți și tratați ca slujitori, chiar sclavi, ai șefilor lor în ale căror palate trăiau și prin care își vindeau lucrările. În aceste situații arta africană nu este rezultatul „instinctului” - capturarea sufletului unui animal sau a unui obiect printr-o „imaginație extatică primitivă” - ci produsul antrenamentului, uceniciei și al unei cunoașteri strânse a tradiției.

Artistul dintr-o șefie africană a lucrat portrete, însemne și embleme pentru a-l înfățișa pe rege și rudele sale regale ca pe niște figuri speciale, uimitoare și pentru a-i face să depășească perioadele scurte ale vieții lor, prin comemorarea lor în artă. Așadar, regii sunt arătați ca fiind puternici și frumoși, fără pete și, de obicei, fără expresie, împodobite cu simboluri regale. Șefii înșiși poartă pânze și ornamente splendide, stau pe scaune înalte și ornamentate și dorm pe paturi sculptate în mod elaborat. Producția artistică sub control regal este, de asemenea, utilizată pentru a sublinia necesitatea ca casta regală să-și controleze supușii, iar prinții folosesc adesea obiecte de artă pentru a îngrozi cetățenii.

În Africa, precum și în Europa, concentrarea bogăției și puterii în mâinile unui șef sau a unei oligarhii duce adesea la o renaștere locală a artelor. Ashanti și Dahomey sunt exemple moderne bune, unde curțile strălucitoare, receptive la influențe multiple, au produs stiluri de artă distincte și somptuoase. În Dahomey regele s-a concentrat pe lucrul argint, alamă, și producția de aplica & eacute lucrează în curtea lui. Sculpturi de perete a decorat palatul, reprezentând scene și bătălii istorice și alegorice. Printre Ashanti, comerțul cu aur și sclavi a adus o mare bogăție regilor care au făcut din lucrul aurului un monopol al curții. Orașii lor au format o castă respectată și privilegiată și au produs obiecte ceremoniale și portrete, dintre care cel mai faimos este mască de aur din tezaurul din Regele Kofi Kakari (Colecția Wallace, Londra). Au fost produse și greutăți mici turnate în alamă pentru a cântări praful de aur.

Una dintre cele mai bogate zone artistice din Africa acoperă bazinele Kwango, Kasai, Katanga, și nord-vest Angola. Aceasta este o zonă intermediară între pădure și savana ocupată de fermieri ai căror strămoși au fost supuși unor regate puternice - Luba, Tshokwe, Lunda, și Kuba. În fiecare, artiștii erau strâns legați de curte și cultele regale. Printre Luba, de exemplu, statui ale regilor și reginelor, scaunele cariatidei, tetierele, sceptrele, buzduganele și brațele au fost produse pentru a reflecta puterea și gloria conducătorilor. Printre Kuba dominanta Bushong grupul a inspirat o cultură aristocratică care a îmbibat viața socială cu o pasiune pentru frumusețe și decor. Kuba arta și decorul au înflorit în toate aspectele vieții de zi cu zi - în construcție, prelucrarea metalelor, coșeria, și ţesut. Efortul artistic a devenit un mod de viață pentru mulți: chiar și conducătorii erau deseori artiști și sculptori. Arta a fost folosită pentru a glorifica regii Bushong, ale căror statui sunt capodopere ale Sculptura Kuba și au fost realizate încă din secolul al XVII-lea. Toate arată regele așezat, cu picioarele încrucișate, purtând embleme ale împărăției sacre. Sunt mici, cu abia peste 50 cm înălțime.Fețele lor sunt inexpresive, pleoapele pe jumătate închise, artiștii au obținut aparențe remarcabile de odihnă atemporală și gravitate profundă. La fel ca toți regii buni, acestea sunt grase și împodobite cu brățări, brățări, curele și coliere. În timp ce statuile au o formă generală similară, ele nu sunt identice și au fost date detalii individuale fețelor lor. Cu toate acestea, ele nu sunt portrete realiste: mai degrabă, reprezentări convenționale ale regilor cu caracteristici distinctive. Scopul principal al sculptorului a fost de a sugera esența regatului, o esență care este transferată de la un rege la altul.

Masca societăților secrete Art

Șefii și indivizii bogați nu sunt singurii patroni ai artei. În Africa obiecte importante pot fi comandate de grupuri de descendenți și, în societăți fără șefi, operele de artă sunt cel mai frecvent ținute în comun de membrii asociațiilor de bărbați importanți care îndeplinesc funcții de guvernare, precum și funcții religioase. Calificările pentru apartenența la astfel de asociații de cult, clase de vârstă sau societăți secrete diferă de la societate la societate. Uneori sunt incluși toți bărbații adulți, uneori calitatea de membru este limitată la persoanele cu abilități speciale sau la cei care posedă anumite statui sau alte accesorii sacre.

Poate că cea mai faimoasă & quotsecret society & quot este cea a Poro, a cărui membru este cel mai dens concentrat printre Mande- și Kpe-popole vorbitoare de Liberia și sudică Sierra Leone deși se răspândește, de obicei sub nume diferite, în Guineea si coasta de Fildes. Strâns legat de bărbați Poro sunt Sande sau Bundu asociații de femei care iau forma lojilor în rândul femeilor din anumite căpetenii. Atât societățile masculine, cât și cele feminine mențin cicluri de ceremonii legate de recrutarea și inițierea membrilor. Actorii principali ai ceremoniilor sunt tinerii neinițiați, toți bărbații adulți ai Poro, femeile adulte din Sande, și bătrânii sacri reprezentând strămoșii. Lor li se alătură imitații mascați ai spiritelor naturii care sunt aliați cu fondatorii țării.

De-a lungul zonei Paro și Sande găsim în general două tipuri de măști: măștile elegante și naturaliste asociate cu numele Dan și „Măștile mărețe”, cu un contrast violent, aproximativ finisat. Există, de asemenea, măști subsidiare utilizate pentru a impune legea și ordinea și pentru a educa tinerii în timpul riturilor de inițiere a para. Dan măștile sunt bine echilibrate și armonioase. Frumusețea lor derivă din forma lor naturalistă, dar extrem de simplificată. Există, de asemenea, copii în miniatură ale măștilor mari, de 7,5 până la 10 cm lungime, care sunt purtate de cei inițiați în societățile secrete.

The Marea Mască a Poro este o reprezentare acerbă și abstractă a demonului pădurii. Chipul său stilizat ar trebui să reprezinte un strămoș de multă vreme, aproape mitic, cu o mare înțelepciune - eroul culturii care a introdus Poro în țara oamenilor. Masca este simbolul și oracolul preotului, căruia, în calitate de judecător și lider al clanului, i se permite să păstreze masca în numele Poro. Folosind-o, el poate obține sancțiunea strămoșilor pentru a pedepsi infractorii criminali și civili. Atunci când disputele importante vor fi soluționate, preotul duce masca la ședința bătrânilor și o așează pe pământ sub un
pânză albă. Orice judecată umană atinsă este considerată provizorie până când Masca nu și-a indicat aprobarea.

Utilizarea Marii Măști într-o astfel de manieră oferă în mod util o ratificare divină: judecata este considerată a proveni din lumea spiritelor, prin intermediul Măștii, nu de la ființele umane. Masca își asumă responsabilitatea, de exemplu, pentru moartea cauzată de otrăvirea cuiva care a suferit calvarul din sasswood. La ședințele importante ale consiliului, Masca participă pentru a asigura prezența și aprobarea strămoșilor. În timpul certurilor violente, preotul pune masca și oprește justițiabilii cu cuvântul său. Măștile mai mici, sunt, de asemenea, utilizate pentru a acționa ca mesageri sau polițiști.

Marea Mască în sine este caracterizată de ochi protuberanți, confruntați cu porțiuni perforate din china sau metal, buze roșii de pâslă și o barbă lungă atârnată cu nuci de palmier sau margele. Patina sa groasă tipică provine din sânge negru și uscat din sacrificii și rămășițele roșiatice ale nucilor de cola mestecate scuipate în gura măștii de către preot.

În timpul riturilor propriu-zise de inițiere Poro, Marea Mască apare misterios de patru ori, doar pentru a rosti o frază secretă la care toți cad prosternate pe pământ. Măștile minore, cunoscute sub numele de ge, sunt folosite pentru a disciplina și educa inițiații. Măștile acționează ca oficiali care controlează femeile și copiii din afara satului sau lucrează ca scuturi care rotunjesc mâncarea cerșind, împrumutând și furând de la cetățeni.

Aparent Ge masti sunt hidoase, combinând trăsături animale și umane. Se spune că sunt încercări artistice de a reprezenta credința că puterea spirituală are atât atribute animale cât și spirituale - combinația de trăsături, plus distorsiunea, sugerând că există anumite fenomene inexplicabile mai puternice decât forțele posedate de animale și de oameni separat.

În timpul riturilor lungi de inițiere, femeile sunt conduse să creadă că copiii lor sunt înghițiți de măști, iar scarificarea se spune că este cauzată de măști atunci când ingeră băieții și, ulterior, îi dau naștere. După renașterea lor din stomacul măștilor, inițiații stau pe rogojini cu pături peste fețe și în două zile măștile îi învață totul din nou - cum să meargă, să mănânce și să își facă nevoile. Aproape de sfârșitul sesiunii, Marea Mască, cu vocea ei profundă mârâie, îi duce pe băieți la malul apei, unde sunt spălați și li se dau nume noi.

Fetele sunt, de asemenea, inițiate în Bundu sau Sande societăți. La venirea lor - ceremonia noastră sunt unși cu ulei, părul lor este frumos coifat și poartă haine și bijuterii bogate. Ei defilează însoțind cântece, dansuri și spectacole acrobatice, toate interpretate de măști. Masca Sande strălucește negru, iar femeile purtătoare sunt ascunse în spatele unui costum de pânză și voaluri de rafie. Forma și simbolismul măștii variază puțin. Cele mai evidente caracteristici sunt gâtul spiralat, decorarea complicată a coafurii și fața mică triunghiulară.

Cea mai importantă caracteristică a multor societăți africane și sursa acțiunii politice din interiorul lor este rudenia, sub forma unor organizații de descendență corporativă. Arta servește frecvent ca adjuvant și simbol al puterilor descendenței și clanului. Printre Bakwele, bătrânii descendenți se întâlnesc împreună în perioade de criză și încearcă să ocolească necazul prin utilizarea măștilor. Printre Colț si Tiv triburi, în care puterea politică este transmisă prin descendențe, măști și statui sunt simboluri ale drepturilor șefilor de descendență de a avea succes și sunt utilizate în administrarea afacerilor sociale. În mod similar, printre Lega de est Zaire acolo unde șefia nu există și sistemul descendent funcționează fără lideri politici, există bărbați de prestigiu care câștigă influență prin vârsta lor, magia lor personală și posesia lor de obiecte de artă. Lega a inclus sculptori capabili să producă lucrări originale și realizate cu pricepere într-o varietate de materiale, măștile și figurinele lor sunt folosite de către bwame asociere în spectacolele sale dramatice și rituale. Obiectele folosite în ceremoniile de inițiere prezintă un complex de simboluri care ajută la traducerea esenței societății și gândirii Lega de la bătrâni bwame la inițiați. Acestea sunt deținute corporativ de descendenți și, pe măsură ce trec din mână în mână, acționează ca simboluri ale continuității descendenților Lega și ca legătură între morții și membrii vii ai familiei patriliniare.

În Ghana descendențele matriliniare joacă un rol important în menținerea bunăstării Akan comunitate, chiar și atunci când această comunitate, ca în cazul Ashanti, este un regat centralizat. Toată lumea își urmărește descendența prin mama sa și aparține descendenței mamei sale, care este formată din toți descendenții unei strămoșe comune. Altarul descendenței este sub forma unui scaun căruia șeful descendenței îi oferă hrană strămoșilor. În ritul principal în instalarea unui șef Ashanti, noul șef este coborât și ridicat de trei ori peste scaunul sacru al fondatorului descendenței sale. Deci scaunul Ashanti este un simbol al strămoșilor și al descendenței. Se compune dintr-un piedestal dreptunghiular cu un scaun curbat susținut de stâlpi sculptați. În Kumasi scaun există zece scaune negre păstrate în memoria a zece regi Ashanti. Scaunul de Aur, considerat în mod tradițional că a fost adus din cer de către preotul și consilierul primului rege, este o masă de aur solid cu clopote de cupru, alamă și aur atașate.

Deși cunoașterea noastră sporită a societăților africane înseamnă că funcțiile sociale și estetice sunt acum atribuite multor opere de artă considerate anterior ca obiecte destinate exclusiv utilizării religioase, o mare parte a artei africane are în esență un rol religios și simbolic. Membri ai Yoruba, de exemplu, sunt cele mai prolifice Cioplitori africani iar cea mai mare concentrare a sculpturii lor este arta religioasă dedicată cultelor diverselor orishas sau zei. În altă parte, mascaradele și alte spectacole rituale folosesc măști și figuri sculptate pentru a promova mituri de bază.

Dogon arta are un caracter explicit religios: descrie strămoșii, primele ființe mitice, fierarul atavic, călărețul cu arca care poartă abilități și meșteșuguri și animale mitice. Sistemul lor cosmologic și relația sa cu conținutul artei lor au fost explorate în detalii minunate de o echipă de antropologi și istorici de artă francezi. Deci, pentru a înțelege semnificația Marea Mască Dogon trebuie să înțelegem semnificația mitului creației Dogon și a periodicului Sigi festival, care reglementează viața religioasă Dogon. Marea Mască este dublul strămoșului mitic în realizarea noii măști, cioplitorul înșeală sufletul strămoșului și îl convinge să intre în noua sa locuință. Când Marea Mască este expusă vizibilității publice, este vizibil doar stâlpul de bază, deoarece capul este îngropat într-o grămadă de pietre. Alte măști Dogon sunt mai puțin sacre, deși performanțele lor pot reflecta semne și simboluri speciale și părți ale mitului creației.

O mare parte din gândirea cosmologică a multor societăți africane se concentrează pe gemene și androginie. Printre Bangwa, A Bamileke oamenii din Camerun, gemenii și părinții lor sunt venerați, nașterile gemene fiind considerate nașteri perfecte reprezentând o lume primordială și androgină când nașterile duale erau regula. O femeie care produce gemeni este adusă de tot satul și sculpturi elaborate sunt sculptate în cinstea gemenilor. Ambii părinți primesc o atenție specială și sunt inițiați într-o asociație religioasă care joacă un rol important la ceremoniile fertilității și la înmormântări. Sculptura Bangwa s-a inspirat de la acești părinți gemeni și există o serie de statui ale femeilor și bărbaților care poartă gemeni sau poartă simbolurile înfrățirii. Poate că cea mai cunoscută dintre toate sculpturile Bangwa este o figură dansantă, purtând un colier cowrie și purtând o trâmbiță cu zăngănit și bambus de genul celor purtate de preotese mamă-de-gemeni atunci când cheamă zeii.

Printre Yoruba, gemenilor li se acordă, de asemenea, o atenție specială și există tradiția de a face imagini ale acestora dacă unul sau amândoi ar trebui să moară. Aceste Ibeji figurinele sunt hrănite și îngrijite ca niște copii adevărați, deoarece se crede că fiecare conține sufletul unui geamăn mort. Tot ce se face pentru un copil viu se face pentru ibeji: primește cadouri și haine noi. I se fac sacrificii obișnuite, în încercarea de a preveni sufletul decedatului de a-i face rău gemenei sau mamei sale vii. Purtarea ibeji împiedică, de asemenea, mama să devină infertilă.

Figurinele Ibeji au o formă omogenă - statuete mici, în picioare, nud în majoritatea cazurilor, deși unele sunt sculptate cu o haină de tip șorț. De obicei, dimensiunea proporțională a capului cu corpul este mai mare decât cea a modelului, organele genitale sunt sculptate, iar obiectul finit este colorat - capul a pătat adesea o culoare diferită de corp. Fața este ovală cu globi oculari proeminenți, fruntea convexă, nasul larg, urechile stilizate. Buzele sunt în general proeminente, sculptate pentru a forma un fel de raft, deoarece mamele le hrănesc ca și ceilalți bebeluși. Brațele sunt grele și lungi, mâinile stilizate și unite la coapse. Ibeji au o varietate de semne de scarificare și coafuri.

Arta vrăjitoriei

În toată Africa, vrăjitoria are câteva trăsături remarcabil de comune, termenul în sine referindu-se, de obicei, la activități maligne atribuite ființelor umane care activează puteri supranaturale pentru a face rău altora. Majoritatea vrăjitoarelor lucrează noaptea, au capacitatea de a zbura și de a parcurge distanțe mari într-o clipită. În timpul peregrinărilor, corpul vrăjitoarei rămâne în urmă, celălalt sin călătorind invizibil sau în formă animală. Le place carnea umană, îmbolnăvind victimele și consumându-și trupurile după înmormântare.

Deci boala și moartea pot fi imputate unor cauze supranaturale și obiecte de artă, în asociere cu tehnici și ritualuri magice, sunt folosite pentru a le combate. Aceste obiecte sunt de obicei cunoscute sub numele de fetișuri, un cuvânt care ar trebui cu adevărat rezervat pentru un fel de „mașină” - cuvântul „fetfetish” vine de la „quotfetico”, cuvântul portughez care înseamnă „un obiect făcut de mâna omului fabricat de ghicitori sau vrăjitori și compus din diverse materiale și medicamente pentru a atrageți asupra forțelor de viață imanente ale acestor substanțe ”. De fapt, materialul aditiv poate fi mai important decât sculptura de bază și constă din obiecte diverse - crabi, oase și coarne de animale, dinți, pene, părți de păsări, nasturi, pânză și bucăți de fier. Chiar dacă la prima vedere acest conglomerat de obiecte pare întâmplător și banal, accesoriile unui fetiș au toate valoare și semnificație simbolică pentru proprietarii lor și persoanele afectate de acestea.

Cele mai cunoscute fetișuri au fost găsite inițial în Zaire regiune: există câteva piese foarte timpurii. În 1514 regele creștin al Congo, Alfonso, se pare că a plâns de idolatria care predomina atunci printre supușii săi, declarând: „Domnul nostru a dat, în piatra și lemnul pe care îl închinați, pentru a construi case și a aprinde focul”. Sute de tipuri de fetișuri au fost de atunci colectate printre Bakongo și popoarele vecine sunt cunoscute sub numele de Nkisi și toți au aceeași proprietate generală a figurilor magice: sunt capabili să provoace boli grave persoanelor despre care se crede că sunt cauza rănilor supranaturale altora. În ciuda faimei sale, această formă de artă nu a fost studiată în detaliu.

În toată Africa, obiectele de artă sunt folosite în ghicirea cauzelor supranaturale ale bolilor. Printre Bamileke, societatea tradițională anti-vrăjitorie, kungang, este chemat împreună în perioadele de criză și epidemie pentru a purifica țara și a decima vrăjitoarele prin intermediul fetișurilor lor puternice. Figurile Kungang sunt sculptate cu o mare pricepere, de obicei au stomacul exagerat umflat pentru a indica hidropezia groaznică, care este una dintre sancțiunile supranaturale ale fetișului. De asemenea, ele simbolizează o magie mai simpatică: brațele îndoite reprezintă atitudinea unui orfan care cerșește sau a unei persoane fără prieteni, poziția ghemuită este poziția unui sclav modest. The kungang se crede că figurile sunt impregnate de puteri acumulate de-a lungul generațiilor: aceste puteri sunt concentrate într-o patină groasă formată din sângele găinilor sacrificate în timpul ritualurilor de ovăz anti-vrăjitorie. Majoritatea au un panou mic în stomac sau în spate, care poate fi deschis pentru introducerea medicamentelor.

Arta africană este multifuncțională: servește ca femeie de serviciu a guvernului, a religiei și chiar a economiei. De asemenea, servește pentru a distra. Mascaradele din Africa de Vest, în special, cred că generalizarea că în culturile africane tradiționale nu există așa ceva ca arta de dragul artei. Chiar și atunci când spectacolele sunt asociate cu ritualul și credința, estetica și teatralitatea nu sunt niciodată ignorate. În multe societăți din Africa de Vest, mascaradele apar în timpul celei de-a doua ceremonii de înmormântare efectuate pentru toți adulții morți. În majoritatea cazurilor, scopul spectacolului nu este doar de a înmulți venerația religioasă sau de a căuta protecție ancestrală, deși acestea joacă un rol, ci de a distra pe cei plângători și de a aduce glorie în memoria mortului și a succesorului său. În toate aceste dansuri contează masca și, din acest motiv, personalitatea dansatorilor este în întregime subordonată celei a măștii. Pentru membrul mascaradelor, măștile ar trebui să fie cât se poate de spectaculoase și nimic - nici măcar craniul unei maimuțe sau o păpușă europeană - nu este inacceptabil pe o mască care de obicei devine mult mai elaborată odată ce a lăsat mâinile sculptorului său. Pene vopsite sunt adăugate în partea de sus și coarne striate în fiecare colț. Cocadele sunt făcute din părul fin al barbei unui berbec, iar rafia este împletită și adăugată la bărbie sub formă de urs sau atașată la partea din față și din spatele capului măștilor. Acoperirea pielii poate fi utilizată, ca printre Bangwa și Ekoi, pentru a realiza efecte texturale mai degrabă decât simbolice. Alte măști Bangwa sunt cu margele, în timp ce cele mai multe dintre ele sunt colorate în culori vii cu coloranți vegetali sau vopsele policrome moderne.

O considerare a decorului Ibo mbari casele vor demonstra că o formă de artă nu poate fi pur și simplu clasificată ca „primar religioasă” sau chiar „primar estetică”. Aici, sunt create înfrumusețări elaborate din stuc în cinstea zeiței Ala la începutul ciclului de cultivare a ignamului. În timpul unei perioade de izolare, persoanele special selectate creează o abundență de sculpturi și reliefuri care sunt apoi expuse publicului larg. În această perioadă ei cântă cântece în cinstea zeiței pământului și a zeilor subsidiari. The mbari obiectele sunt diverse și pot reprezenta zei, ființe umane, scene de vânătoare, femei și bărbați care copulează și femei care nasc. Cifra principală este Ala care este sculptată și pictată ultima, uneori cu cei doi copii ai ei. Asociate cu ea sunt figuri falice, construite pentru invocarea fertilității umane și a fermei. Mbari nu este doar arta religioasă, ci și o sursă de plăcere. Multe dintre figuri sunt comice, unele sunt obscene. Practicile nenaturale sunt ilustrate cu femei pline de bucurie care își afișează cu ardoare părțile intime. Indecențele brute sunt explicate pe motiv că a mbari ar trebui să dezvăluie fiecare fază a existenței umane deoarece este o concentrare a întregii vieți umane, inclusiv tabuurile sale. Ibo art, ca orice artă africană, este minunat de eclectică. În mbari, Hristos pe crucea sa stă alături Ala zeița pământului. Tradiția este reînnoită de inspirația individuală a artistului și de utilizarea influențelor externe. Scopul moral profund și divertismentul pur se combină pentru a crea mbari o formă de artă dinamică și imediată.

Sursa: Recunoaștem cu recunoștință utilizarea materialului din articolul de mai sus din „Istoria artei” (1983), editat de Sir Lawrence Gowling.


A beleza mística do Celadon

A cerâmica celadon é um tipo de cerâmica originada na China antiga. Celadon é bem conhecido por sua cor de jade, que é obtida pelo esmalte that is aplicated over a superfície da peça cerâmica. Em Chinês, a palavra celadon é escrita assim: 青瓷 (transliterat por & # 8220qing ci & # 8221), care înseamnă „porcelana verde”.

Tigela de Dragons între as ondas.
Período das Cinco Dinastias (907–960d.C). China. séc. X. Muzeul Metropolitan, Nova Iorque.

Uma explicação do uso da palavra “celadon & # 8221 no ocidente é que esta palavra veio de um romance pastoral francês do séc. XVII chamado L’Astreé. Neste romance, escrito por Honoré d’Urfé, existia um personagem cujo nome era Céladon, e era descrito ca um homem jovem vestido de verde.

Așa cum origini fac Celadon

A história do celadon antecede d’Urfé por muitos séculos. De acord cu uma sursă, a produsului celadon originou în timpul As Cinci Dinastii și o perioadă de doi Reini, asta este, em algum ponto durante o séc. X d.C.

Uma altă fonte ne dă uma data mai anterior, sugerind că acest tip de ceramică a apărut primiramente în timpul sau séc. XVII d.C., na dinastia Sung ou Tang. O celadon deste período era o development de uma cerâmica anterior, Yueh, care era produzida durante o perioada das Seis Dinastias, um termo genérico paras as six dinastias chinesas, começando com os Três Reinos e terminando com as Dinastias do Norte e do Sul.

Seja qual for a época em que começou a ser produzido, o celadon tornou-se popular entre os antigos chineses e até além das fronteiras do seu país. De exemplu, a produção do celadon espalhou-se pela península coreana durante o sécs. XIX e X d.C. Antes desse ponto, o tipo de ceramică produsă lá era, em sua maioria, ceramică de alta ceimă sem esmalte. Pensa-se que a esmaltação das cerâmicas na Coréia trebuie ter ocorrido occasionally during o period Silla (séc. VII até o séc. X d.C.)

Celadon coreano. Dinastia Goryeo. Séc. XII. Garrafa de oliu cu desenuri de folii de peonii. Muzeul Metropolitan, Nova Iorque.

Entretanto, durante a dinastia Koryo / Goryeo que a sucedeu, o celadon começou a ser produzido na península coreana. Além do fato de ter sido um sinal do progresso tehnologic na área da cerâmica, a manufatura do celadon alsom marcou uma mudança na forma com that os coreanos viam a cerâmica. Antes desse period, a cerâmica tinha tanto o proposition functional as symbolic. Com a introdução do celadon, a cerâmica passou a ser apreciada por seu valor estético.

Um produs valorizat pentru o comerție

A popularitate do celadon certamente não parou na Coreia. Dos naufrágios descoperits no mar sul da China, existia um market for o celadon fora da China. A demanda por esse tipo de cerâmica era, provavelmente, suficient de substanțial pentru care să se producă celadon nesses locais când o forneciment pela China cessou. Em 1371, o 1º imperador da dinastia Ming, o imperador Hongwu, decidiu proibir seus súditos de engajamentos comerciais no além-mar. Mais ou menos na mesma época, a produção de celadon iniciou-se na Tailândia. Foram os imigrantes chineses radicados na região that começaram a produzir celadon, já that existia uma demand sem oferta.

É irrefutável que o celadon era apreciat de sua beleza. Entretanto, sua atração ia além da mera estética. Devido à sua cor de jade, celadon era considerado as sendo o próprio mineral e, sendo como esta pedra, acreditava-se care poseda calități magice. De exemplu, acreditarea-se că o celadon iria soar se o pericol se aproximează și iria mudar de cor se a mâncare sau bebida colocată nele estivitate envenenată.

Talvez um outro fator que fez com care o celadon fosse um item tão altamente valorizat este o fato de care este não ser de fácil produção. A produção do celadon poderia levar entre quatro e dez săptămâni, dependendo do tamanho do recipiente e da complexitate de seu desenho. Além disso, o proces de producție era relativ complex, involvând pasuri care precisavam să urmeze cu precizie pentru a se asigura că o producere dezvăluită fosse obținute.

Por muitos séculos, o celadon a fost complet considerat pela corte imperial chinesa e, mais tarde, o desejare pentru obiecte de artă se spalhou pelo comércio e intercâmbio cultural. Até mesmo hoje, as pessoas nutrem seu carinho por essas cerâmicas verdes em antiquários ou heranças.

No next message, vou speak mais com detalhes about o esmalte celadon e suas techniques no Japão. Até la!


Neoliticul: o viață stabilită

Când oamenii se gândesc la epoca neolitică, se gândesc deseori la Stonehenge, imaginea iconică a acestei ere timpurii. Întâlnire cu aproximativ 3000 î.e.n. și amplasat pe câmpia Salisbury din Anglia, este o structură mai mare și mai complexă decât orice construit înainte de ea în Europa.

Stonehenge este un exemplu al progreselor culturale aduse de revoluția neolitică - cea mai importantă dezvoltare din istoria omenirii. Modul în care trăim astăzi, stabiliți în case, aproape de alte persoane din orașe, protejate de legi, consumând alimente cultivate în ferme și cu timpul liber pentru a învăța, a explora și a inventa este toate rezultatul revoluției neolitice, care a avut loc acum aproximativ 11.500-5.000 de ani. Revoluția care a condus la modul nostru de viață a fost dezvoltarea tehnologiei necesare pentru plantarea și recoltarea culturilor și pentru domesticirea animalelor.

Înainte de revoluția neolitică, probabil că ați fi trăit împreună cu familia dvs. extinsă ca nomadă, fără să stați niciodată mai mult de câteva luni nicăieri, trăind întotdeauna în adăposturi temporare, mereu în căutare de hrană și niciodată deținând ceva ce nu ați putea cu ușurință ambalează într-un buzunar sau un sac. Schimbarea la modul de viață neolitic a fost imensă și a dus la multe dintre plăcerile (multă mâncare, prieteni și o casă confortabilă) de care ne bucurăm și astăzi.


Celadon: aprecierea ceramicii pentru valoarea sa estetică și calitățile sale magice - istorie

De Misaki Imagawa

În cele două părți anterioare ale acestei serii am discutat despre importanța autenticității în arta tradițională africană și despre rolul provenienței. Arta africană nu există în vid și valoarea ei nu este dictată doar de vârstă și raritate. În schimb, cea mai mare îmbunătățire a valorii și a colectării este autenticitatea sau autenticitatea, cu alte cuvinte, natura autentică a operei. Proveniența singură nu poate stabili autenticitatea artei africane tradiționale, deoarece, în cele din urmă, este o sentiment în mare parte bazată pe estetică care ne spune dacă o piesă este autentică sau falsă.

Această pălărie Chiwara de la
Oamenii Bamana din Mali ilustrează un exemplu perfect de abstract
calități găsite în africanul tradițional
artă ID PRIMITIV # A1300-168

La începutul secolului al XX-lea, arta africană a început să aibă impact asupra lumii artei occidentale, când un grup de artiști cunoscuți sub numele de prieteni ai Școlii din Paris au început să încorporeze anumite elemente în lucrările lor. Numele și lucrările lor sunt acum promovate de licitații de prim rang din întreaga lume: Henri Matisse, Pablo Picasso, Amedeo Modigliani, Joan Miro, Constantin Brâncuși, printre alții. Nu este surprinzător cât de multă influență a avut arta africană de când a afectat prima dată dezvoltarea artei moderne. Cu toate acestea, în acele vremuri, artiștii cei mai influențați de arta africană erau doar un grup de necunoscute care se luptau să se abată de la naturalism și academicieni care au dominat lumea artei postimpresioniste.

Deasupra: o mască de pașaport de la oamenii Chamba și o mască sculptată de la afișajul oamenilor Bamana
calități adoptate de școala de pictori din Paris ID PRIMITIV # A1200-023 și A1207-067

O relatare faimoasă povestește despre faptul că Picasso a vizitat colecția de artă africană la Trocad & eacutero în 1907. Galeriile mucegăite și unele dintre lucrările de artă pe care Picasso le-a găsit brutale, dar în același timp nu a putut să se uite departe de eleganța pe care a găsit-o în multe sculpturi figurale neobișnuite. Ulterior a descris arta africană ca fiind magică. Pentru Picasso și mulți alții, precum Matisse, întâlnirea lor cu arta africană a fost un punct de cotitură în cariera lor. Au început să amestece reprezentarea umană extrem de stilizată a artei africane în stilurile de pictură occidentale preexistente. Acest lucru a dus la forme umanoide plate, unghiulare și fragmentate, de colorare vie și stilul care ar fi numit ulterior Cubism.

Deasupra: Moneda cuțitului figurativ de
poporul azande din Republica Congo ID PRIMITIV # A1300-373

Alți artiști, precum Modigliani, au adoptat o abordare mai directă. Inspirat de măști și figuri din tribul Baule din Cote d & rsquoIvoire, picturile sale de portret au luat fețe alungite, în formă de inimă, cu bărbi înguste și o gură mică poziționată nefiresc de jos. Interesant este faptul că artiștii Școlii din Paris nu știau nimic despre arta sau cultura africană, totuși au recunoscut un anumit aspect spiritual rezidând în măștile și sculpturile tribale. Acest sentiment i-a propulsat să atingă înălțimi mai mari ale expresiei artistice. Acești artiști de avangardă de la începutul anilor 1900, comercianții lor și principalii critici de artă ai vremii au fost, de asemenea, primii europeni care au început să colecționeze serios arta africană, nu pentru că erau străini și barbari, ci pentru că au găsit în ei un autentic atractiv estetic. .

Masca portret Mbolo a poporului Baule ilustrează idealurile lor tribale de piele netedă și urme decorative de scarificare
ID PRIMITIV # A1200-636

Când vine vorba de arta figurală africană, există mai multe moduri de a judeca estetica. De exemplu, tinerețea și luminozitatea sunt reprezentări fizice ale frumuseții. A fi tânăr înseamnă a fi plin de vigoare și productivitate. Suprafețele netede ale multor figuri africane reprezintă o piele strălucitoare, sănătoasă, adesea decorată cu scarificări tribale care marchează frumusețea. Postura este, de asemenea, importantă. Auto-calmul erect al sculpturii figurale poate vorbi despre o virtute interioară. O persoană compusă se comportă rațional într-un mod controlat și, prin urmare, s-ar putea spune că o anumită statuie este mândră și demnă. Cu toate acestea, sculpturile figurale nu trebuie să fie asemănări exacte ale oamenilor. ei semăna ființe umane. Arta africană nu este o artă a asemănărilor & ndash este o artă a reprezentării & ndash și în recunoașterea acestei estetice se poate găsi o frumusețe incomensurabilă.

Figurile extrem de stilizate și disproporționate care au inspirat artiștii din Școala din Paris sunt de fapt nucleul esteticii artei africane. Forma umană este adesea exagerată pentru a reprezenta și idealiza anumite trăsături și părți ale corpului. Această idealizare, exagerare și înfrumusețare se referă mai puțin la aspectele fizice decât la elementele și ideile simbolice. De exemplu, capul este adesea prezentat mult mai mare decât proporțiile vieții reale, deoarece omenirea și cel mai mare dar de gândire și raționalizare se găsește în limitele sale. Arta africană este un limbaj vizual care nu reprezintă lumea așa cum o vedem noi, ci prin idealuri umane, emoții, virtuți și credință.

Arta tradițională africană nu este „lsquoart” pentru artă și „rsquos”, este artă în scopul dezvoltării unei mai bune înțelegeri a sinelui și a lumii, a găsirii unui mod de viață mai profund și semnificativ. Nenumăratele statui și obiecte care au fost create și chiar obiecte utilitare reprezintă adesea moravuri, simbolizează idealuri, spun povești, vorbesc limbi și inspiră credințe. Aceasta este artă cu un scop găsit în afara oricărei afirmații a ego-ului. Artiștii de la Școala din Paris au fost printre primii străini care au recunoscut valoare în estetica artei africane, dar cu siguranță nu au fost ultimii. Legătura pe care au simțit-o cu arta africană este unică, dar nu singulară. Este un răspuns brut, visceral, resimțit zilnic în întreaga lume. Pentru unii, arta africană poate părea discordantă, brutală sau primitivă, dar în cele din urmă este apreciată la fel ca orice altă operă de artă & ndash din punct de vedere estetic & ndash prin apariția sa, vorbind într-un mod care îți stârnește emoțiile și îți captivează imaginația.

Deși aceste oale medicinale Mambila pot părea zdrobitoare și brutale, ele au capacitatea de a stârni emoțiile oricui le vede ID-ul PRIMITIV # A1200-048 și A1200-068

Colectarea artei africane: a treia parte - Estetica (321 KB)

Pentru artiștii renumiți moderni ai secolului XX, estetica artei tradiționale africane a fost o influență majoră asupra operelor lor. Au fost unul dintre primii colecționari care au recunoscut că figurile extrem de stilizate și disproporționate dețineau semnificație simbolică și că estetica artei africane reprezintă un limbaj vizual unic bazat pe idealuri umane, emoții, virtuți și credință.


Sfaturi pentru a descrie arta unei persoane obișnuite

Descrie-ți opera de artă ca și când ai vorbi cu cineva care nu a putut să o vadă.

Fa-te ca o persoana obisnuita este oarba. Nu pot vedea nimic. Nici măcar umbrele. Doar pentru că nu sunt nevăzători nu înseamnă că pot să nu-și folosească celelalte patru simțuri pentru a simți opera ta de artă.

Să presupunem că ai încercat să descrii pictura ta de o grămadă de stele. În loc să descrieți culoarea, descrieți cum s-ar simți stelele.

Pentru a realiza acest lucru, spuneți-i potențialului dvs. că, pentru a simți stele, ar trebui să pună mâna când plouă. Apoi, pot simți că micile puncte cad în palme. Deoarece ploaia cade atât de repede, are efectul de & # 8216clinking & # 8217.

O persoană obișnuită va deveni puternic legată de lucrările de artă pe care le poate simți folosindu-și imaginația.

Descrieți starea de artă, precum și caracteristicile vizuale.

Starea de spirit este o stare emoțională internă și destul de subiectivă. Din punct de vedere gramatical, starea de spirit este o caracteristică a verbelor folosite pentru a indica modalitatea. Există mai multe tipuri de dispoziții gramaticale, inclusiv indicativ, interogatoriu, imperativ, emfatic, subjunctiv, injuntiv, optativ și potențial. În calitate de artist, veți dori să descrieți gramatical starea de artă utilizând tipul indicativ. Acest tip este utilizat pentru afirmații de fapt și credințe pozitive.

După cum știți, caracteristicile vizuale ale lucrărilor de artă sunt liniile, culorile, valorile, formele, texturile, spațiul și mișcarea. Pentru a le descrie, trebuie să gândiți dincolo de drept sau curbat, roșu sau portocaliu, deschis sau întunecat, rotund sau pătrat, cu dungi sau buline, superficial sau profund și mic sau mare. În schimb, trebuie să vorbiți despre aceste caracteristici folosind adjective mult mai descriptive.

Pentru a descrie starea de spirit și caracteristicile vizuale unei persoane obișnuite, puneți-vă aceste întrebări:

  • Cum se simte ambianța sa?
  • Ce subtonuri evocă?
  • Cum îți afectează esența spiritul?

O persoană obișnuită va deveni fermecată de lucrările dvs. de artă atunci când vorbiți despre starea ei de spirit folosind adjective descriptive.

* Dacă aveți probleme cu acest lucru, rugați-vă prietenii să descrie sentimentele lor despre lucrările dvs. de artă folosind adjective descriptive.

Menționați întotdeauna culorile, dar asigurați-vă că utilizați cuvinte care descriu culorile și efectul lor.

De exemplu, verde este culoarea ierbii, frunzele copacilor și algele marine. Verde reprezintă creșterea și vindecarea. Roșul este culoarea sângelui, a trandafirilor și a ardeilor iute. Este o culoare foarte pasională. Roșu poate însemna furie sau dorință.

Utilizați cuvinte precum lucios, umbros, strălucitor, lucios și saturat atunci când descrieți culorile. Aceste cuvinte articulează profunzimea culorii.

O persoană obișnuită vă va vedea opera de artă într-o lumină diferită dacă o descrieți folosind cuvinte care vă conectează opera de artă la mirosul și sentimentul obiectelor cotidiene.

Pune-te în mentalitatea unei persoane obișnuite.

O persoană obișnuită știe puțin despre artă și procesul tău de artă. Pentru ei, totul se reduce la bancnote de dolari.

Rău despre o persoană obișnuită este că câștigă bani făcând lucruri pe care nu le iubesc. Au multe facturi de plătit. Nu au luxul de a fi creativi. Nu au mulți bani de cheltuit pentru artă.

Dar lucrul grozav despre o persoană obișnuită, ei văd bani prin ochii emoției. Dacă vor ceva destul de rău, vor găsi o modalitate de a obține bani pentru a cumpăra ceea ce vor.

Ceea ce trebuie să faceți este să creați acea conexiune emoțională între opera de artă și persoana obișnuită.

Gândiți-vă cum le puteți face să vă simțiți lucrările cu cuvinte.

O persoană obișnuită nu caută o pictură peisagistică plină de terenuri agricole și hambare. Sufletul lor și # 8217 tânjesc după o piesă de artă izbitoare pentru intrarea lor care & # 8217 vor saluta vizitatorii cu o explozie caldă a soarelui orbitor, care le evocă amintirile multor vremuri de vară pe care le-au petrecut la ferma bunicului. Completează cu aroma îmbătătoare a unui fâne proaspăt tăiat și cu strălucitoare lame de fân aurii.

O persoană obișnuită poate simți opera de artă dacă este descrisă în mod viu, creând o conexiune emoțională neclintită.

Arta nu este pasivă. Folosiți cuvinte de acțiune pentru a-l descrie.

Richard Serra a spus odată: „Desenul este un verb”. Folosind doar coli de hârtie, el a creat o listă a infinitivelor a 84 de verbe, inclusiv a rostogoli, a pli, a plia, a stoca, etc. entropie, natură etc. Serra a descris această listă ca o serie de acțiuni legate de artist și procesul creativ. L-a folosit pentru a se ghida pe sine în timp ce crea în mai multe medii.

Pentru a determina ce cuvinte de acțiune să folosiți atunci când vă descrieți opera de artă unei persoane obișnuite, puneți-vă următoarele întrebări:

-Ce face piesa?
Poate că fermecă și inspiră.

-Ce face o persoană obișnuită cu asta?
Poate că vor luxa în ea.

-Face o declarație?
Poate creează o atmosferă senină.

O persoană obișnuită nu este pasivă când vine vorba de cumpărarea de artă. Ori le place sau nu le place. Descrieți creațiile dvs. folosind cuvinte de acțiune, astfel încât persoana obișnuită să acționeze și să vă cumpere arta.

Utilizarea cuvintelor pentru a descrie lucrări de artă este complet subiectivă, iar lucrările de artă pot însemna lucruri diferite pentru oameni diferiți. Cu toate acestea, cu efort, imaginație și practică, puteți oferi persoanei obișnuite o experiență mai plină de viață și mai interesantă în timp ce vă vedeți arta.

Toamna Tompkins este proprietarul / scriitorul principal pentru copierea cu cerneală. Ea este un dependent de tatuaje care înțelege unghiile, iubesc confortul din sud, joacă poker, caută aventuri, adoră animalele, are un mod de a vorbi. Scrierea pentru a-ți crește veniturile este pasiunea ei. Puteți afla mai multe despre ea la InkWellCopy.com

Editor și nota # 8217s: Această postare este un tutorial extrem de util despre descrierea artei tale în cuvinte. Pe lângă această abilitate, este la fel de important să înțelegem cand Este potrivit să începeți să vindeți și cum vă afectează limbajul corpului șansele de a vinde. Consultați postările noastre despre ce pot învăța artiștii de la un vânzător din ușă în ușă și despre modul în care limbajul corpului vă poate ajuta să vindeți mai multă artă.


9. Ozu Yasujir & # 333: Cinematic Cuts

Grădina de la Ry & # 333anji face o scurtă, dar semnificativă apariție într-unul dintre clasicii cinematografiei japoneze, Ozu Yasujir & # 333 & rsquos Primăvara târzie (1949). Vine imediat după una dintre cele mai cunoscute imagini ale filmului: o vază pe un covor de tatami în fața unei ferestre pe care sunt proiectate siluete de bambus. Scena în cauză este formată din opt fotografii, dintre care șapte prezintă stâncile Ry & # 333anji (din care sunt cincisprezece în total) și care sunt separate și unite prin șapte tăieturi. (Ozu nu folosește niciodată nicio altă tranziție decât tăierea, cum ar fi ștergerea.) După două fotografii de pietre în grădină, unghiul camerei se inversează și îl vedem pe protagonistul principal cu prietenul său și mdash. vârfurile a două roci care ocupă partea inferioară a cadrului. Două stânci și doi tați. Tăiați la o apropiere a părinților din partea stângă a acestora, fără pietre în vedere. În costumele lor întunecate și așezați în configurația clasică Ozu și triunghiuri suprapuse și configurație rdquo, aplecându-se spre grădină, cu brațele în jurul genunchilor ridicați spre bărbie, seamănă cu două stânci. Ei vorbesc despre cum cresc copiii care apoi pleacă să-și ducă propria viață. Pe măsură ce invocă astfel de manifestări de impermanență, ele rămân nemișcate, cu excepția capului ocazional sau a întoarcerii capului.



În scurta lor conversație de la marginea grădinii, cei doi părinți nu fac altceva decât să schimbe platitudini despre viața de familie și totuși scena este o expresie profund emoționantă a condiției umane. Câștigă acest efect din asimilarea figurilor celor doi oameni la roci, ceea ce pare să afirme persistența ciclurilor de impermanență. Aceste imagini de asimilare surprind una dintre ideile centrale din spatele grădinii peisagistice uscate: cea a continuumului dintre conștiința umană și piatră, care este, de asemenea, de înțeles ca rudenia conștientizării cu baza sa originală.

Primele fotografii ale Tokyo Story (1953), pe care unii îl consideră cel mai mare film al lui Ozu, sunt, de asemenea, exemplare în ceea ce privește tăierea. Prima fotografie arată o sculptură de altar în stânga centrului și în spatele ei un estuar cu o barcă care se învârte în dreapta, în direcția unei creșteri treptate a dealurilor la orizont. După zece secunde, exact când barca este pe cale să dispară dincolo de cadru și există o tăietură a trotuarului pe marginea unei străzi. Un cărucior ocupă acum prim-planul stâng al cadrului, iar lângă acesta stau două sticle mari (forme semnătură Ozu & rsquos). Opt copii mici în uniformă școlară se îndepărtează de aparatul foto spre dreapta. Continuitatea este asigurată de o paralelă între râu și orizontul primei scene și liniile orizontale ale trotuarului și caselor din a doua, precum și de mișcarea spre dreapta. De asemenea, din punct de vedere sonor, prin sunetul continuu al bărcii și rsquos putt-putting. Apare un al nouălea copil și, în timp ce trece prin sticle și ajunge în centrul cadrului, există o tăietură într-o lovitură peste acoperișurile caselor unui tren care călătorește spre dreapta, cu în spate clădirile unui altar sau templu și apoi dealuri în spatele celor. Sunetul de punere al bărcii continuă înainte de a fi înecat de zgomotul trenului, iar linia aproape orizontală a pasajului trenului și rsquos continuă să fie congruentă cu cele ale străzii, coborând treptat spre dreapta. Emisii de fum din două coșuri de fum din stânga și centru, scena durând cincisprezece secunde.

Pe măsură ce sfârșitul trenului ajunge în centrul cadrului și sunetul continuă, dar există o tăietură la o lovitură mai apropiată a trenului din partea dealului, astfel încât acum se deplasează de-a lungul unei diagonale spre stânga. În spatele caselor de cealaltă parte a trenului se află din nou estuarul. Pe măsură ce fluierul trenului și rsquos suflă și există o tăietură la un altar înconjurat de pini și statui care stau pe un terasament cu estuarul în fundal, în partea stângă. Continuitatea este asigurată de un coș de fum aflat în prim-plan, care varsă fum în timp ce fluierul cu aburi al trenului și al rsquosului continuă. Linia principală a revenit la o linie orizontală care se ridica spre dreapta. După șase secunde, cea mai scurtă scenă de până acum există o tăietură pentru un bunic și o bunică care stau pe covorul tatami al casei lor din sat, cu fața spre dreapta. Bunicul, consultând un orar, spune: „Trecem prin Osaka în jurul orei 6:00 în această seară și facem referire la o călătorie cu trenul pe care tocmai urmează să o facă la Tokyo, care va iniția acțiunea principală a filmului și rsquos-ului.


Pentru fiecare tăietură, Ozu a aranjat cel puțin un element formal pentru a oferi continuitate (kire-tsuzuki) între scenele adiacente. Există, desigur, alți regizori capabili de tăieturi desăvârșite, dar un studiu al lui Ozu și rsquos le-a arătat că constituie ceea ce poate fi „cea mai bună tăiere din toate” din cinematografia mondială.


Priveste filmarea: Institutional Video Aleluia Cerâmicas EN